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J. Edgar, Albert Nobbs, Arrugas y otros estrenos de esta semana

Albert Nobbs

Título Original: Albert Nobbs

Año: 2011

Duración: 113 minutos

País: Reino Unido

Género: Drama

Estudio: Trillium Productions, Mockingbird Pictures y Parallel Films

Sinopsis:

Glenn Close (Albert Nobbs) interpreta a una mujer atrapada en un triángulo amoroso inusual. Disfrazada como hombre para poder trabajar y sobrevivir en la Irlanda del siglo XIX, unos 30 años después de adoptar el vestuario de un hombre, se encuentra perdida en una prisión propia.

La crítica de Punto de Encuentro:

La lucha feminista

Yaiza Martel (@YaaiMartel) – Crítica.

Roberto García nos trae a la gran pantalla la adaptación de la obra teatral “The singular life of Albert Nobbs” de Broadway. Glenn Close encarna a Albert Nobbs, una mujer disfrazada de hombre para poder sobrevivir en la sociedad machista del siglo XIX. Con este papel la estadounidense consiguió la nominación de Mejor Actriz en los Globo de Oro de este año.

El filme nos sitúa en un contexto donde las mujeres quedan subordinadas a los hombres en todos los aspectos. La sociedad del siglo XIX presenta a los hombres como dueños del mundo. Mejores puestos de trabajo, vicios alcohólicos y carnales, y desinhibiciones a la hora de actuar es lo que caracteriza a los varones de la época. “Albert Nobbs” nos señala los impedimentos de las mujeres para poder susperarse y ser independientes. A su vez, la lucha femenina en secreto para cambiar la situación.

Otro tema que el largometraje pone en relieve es la homosexualidad. En una sociedad donde las mujeres deben apostar por el hombre con mejor partido, el matrimonio por amor queda utópico y la homosexualidad es mal vista, Albert Nobss (Glenn Close) Hubert (Janet McTeer) y Cathleen (Bronagh Gallagher) deben ingeniárselas para mantener en secreto su condición sexual. Hubert será otra mujer vestida de hombre para poder trabajar y seguir casada con Cathleen. Albert Nobbs verá entonces la posibilidad de cambiar su vida: montar su propio negocio y conseguir el amor de Helen (Mia Wasikowska)

El largometraje consiguió tres nominaciones a los Globo de Oro de 2012: Mejor Actriz (Glenn Close) Mejor Actriz de Reparto (Janet McTeer) y Mejor Canción Original (“Lay your head down”)

El mejor punto: La caracterización y actuación de Glenn Close como hombre; y el destape del tabú homosexual en esa época.

El peor punto: Muchas escenas no aportan información ninguna, por lo que dan lentitud al filme.

Puntuación: 3/5

 

 

Arrugas

Título original: Arrugas

Año: 2011

Duración: 80 minutos

País: España

Género: Animación, Drama, Comedia

Estudio: Wanda Films

Sinopsis:

Arrugas narra la amistad entre Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico. Emilio, acaba de llegar a la residencia con un principio de Alzheimer y será ayudado por Miguel y otros compañeros para no acabar en la planta superior de la residencia, el temido piso de los asistidos. Está basado en el aclamado cómic del mismo título del historietista valenciano Paco Roca.

La crítica de Punto de Encuentro:

La vejez y la ternura

Diego Montes – Crítica.

Dicen del Alzheimer que es una suerte de demencia degenerativa. Sin cura y sin posibilidad de mejora, o lo que es lo mismo, irreversible. Se postula entonces como una batalla perdida de antemano para el paciente, de más de 65 años, que acaba dando con sus huesos en una de esas cárceles sin rejas, más o menos acogedoras, llamados asilos. O lo que hoy en día hemos determinado denominar centro asistencial para la tercera edad. O centro de día. Otro de esos honorables eufemismos para esconder la realidad bajo una pátina de redundancia lingüística.

En esa etapa y en la vejez en general basó su cómic el exitoso ilustrador Paco Roca. Y si algo ha hecho que se vendan solo en España más de treinta mil copias, es su forma de acercarse al sufrimiento de manera limpia y tierna, sin un exceso de sensiblería que diluya el mensaje: a saber, los viejos también tienen cosas que contar. Los curtidos rostros de sus protagonistas no derraman ni una sola lágrima, se enfrentan a la enfermedad y el abandono con entereza y dignidad, a pesar de que la oscuridad de la última planta, la de los desahuciados, les vaya abrazando cada vez con más fuerza.

Así ha debutado en el largometraje Ignacio Ferreras, adaptándo la novela gráfica con una fidelidad absoluta, trasladando al celuloide la historia de Emilio y Miguel, dos ancianos en diferentes circunstancias que crean instantáneamente un lazo de amistad como forma de protegerse en un terreno en ocasiones hostil. Y donde algunos pueden ver una historia desoladora sobre la decadencia psicológica, otros presencian Arrugas como un relato optimista que a pesar de las grandes dosis de nostalgia que lleva implícito permite ver las cosas desde el lado positivo. Pero, ¿qué es la vejez sino nostalgia? Nostalgia y deseo de recuperar el tiempo perdido.

El sentido del humor juega un papel fundamental en la película y se utiliza con la delicadeza del que conoce a lo que se enfrenta. Miguel utiliza el sarcasmo como caparazón y el resto de ancianos acaban siendo partícipes de situaciones divertidas que actúan como bálsamo frente a la dureza de lo que estamos presenciando. Además, la excelente música de Nani Garcia nos traslada de sala en sala del geriátrico creando un conjunto de muy bella factura. Una película maravillosa que hace al espectador familiarizado con el tema identificarse con lo que sucede y al inexperto le permite saborear la sutileza y exquisitez de cada escena.

El mejor punto: La manera de acercarse a una enfermedad como el Alzheimer

El peor punto: Su corta duración

Puntuación: 4/5

 

J. Edgar

Título original: J. Edgar

Año: 2011

Duración: 137 minutos

País: EE.UU.

Género: Biografía, Drama

Estudio: Imagine Entertainment, Warner Bros. Pictures

Sinopsis:

A lo largo de su vida, J.Edgar Hoover llegó a ser el hombre más poderoso de Estados Unidos. Durante sus casi 50 años como director del FBI (Oficina Federal de Investigación), no hubo nada que le impidiera proteger a su país. Hoover sobrevivió a ocho presidentes y a tres guerras, luchando contra amenazas reales e inminentes y saltándose las reglas a menudo con el fin de mantener a salvo a sus compatriotas. Sus métodos eran tan despiadados como heroicos, siendo la admiración del mundo su premio más codiciado y a la vez el más difícil de alcanzar. Hoover era un hombre que daba mucha importancia a los secretos, especialmente a los de los demás, y que no temía usar esa información para ejercer autoridad sobre las figuras líderes de la nación. Comprendiendo que el conocimiento es poder y que el miedo representa oportunidad, utilizó ambos elementos para ganar una influencia sin precedentes y construirse una reputación que era tan formidable como intocable. Preservaba su vida privada igual que la pública, permitiendo solo a unos cuantos formar parte de su pequeño y custodiado círculo de confianza. Su compañero más cercano, Clyde Tolson, también era su amigo más fiel. Su secretaria, Helen Gandy, quizá la persona que mejor conocía sus planes, fue leal hasta el final y más allá. Únicamente le abandonó su madre, quien fue su inspiración y su conciencia, y cuya muerte destrozó a un hijo que siempre buscó su amor y su aprobación. A través de los ojos del propio Hoover, J. Edgar explora la vida y las relaciones públicas y privadas de un hombre que podía distorsionar la verdad con la misma facilidad con la que la defendió durante una vida dedicada a su propia idea de la justicia, a menudo dominada por el lado más oscuro del poder.

La crítica de Punto de Encuentro:

¿Un dictador encubierto?

Vicente Berná – Crítica.

No era sencilla la tarea que el maestro Clint Eastwood tenía por delante a la hora de narrar la vida del que será recordado como uno de los hombres más influyentes de la historia de EE.UU. Pues la vida del que fuera fundador del FBI, John Edgar Hoover, fue demasiado compleja y oscura como para abordarla de cualquier manera y ‘sobre puntillas’, algo en lo que no ha caído Eastwood, que nos dibuja un fiel y crudo retrato de un personaje al que nos presenta como el ‘único dictador de EE.UU.’

Después de ver sus dos últimas películas, Invictus y Más allá de la vida, temíamos haber perdido para siempre al hombre que mejor ha sabido retratar a la sociedad estadounidense a lo largo del siglo XX, desde Sin Perdón hasta la aclamada Gran Torino. En cambio, el realizador norteamericano nos confirma con su último film que sigue conservando ese talento innato para camuflarse e indagar en los diferentes géneros cinematográficos, ofreciéndonos un biopic en el que nos presenta a un J. Edgar Hoover ambicioso, capaz de cualquier cosa para conseguir lo que se propone. Y es que un hombre que consiguió llevar a cabo sus planes pese a enfrentarse y ‘coexistir’ con ocho presidentes del gobierno estadounidense, tuvo que ser muy astuto y dotarse de grandes ‘armas’ para que nadie lo revocase de su puesto. Y entre éstas se encuentran sus archivos secretos, que jamás verían la luz, en los que guardaba información comprometida de las figuras más importantes del país, algo que podemos observar cuando recibe una amenaza por parte de Bobby Kennedy a lo que Hoover responde con una advertencia: sacar a la luz la historia de John F. Kennedy con una señorita. O, también, cuando, junto con su más fiel ayudante, Clyde Tolson, se ríe de las cartas de amor existentes entre la señora Roosevelt y su joven amante femenina.

Pero la película de Eastwood puede resultar un tanto incómoda, también,  para el ala conservadora/republicana de EE.UU. puesto que existe cierta similitud en la manera de actuar entre el protagonista del film, Hoover, y George Bush. Esto se evidencia en dos momentos muy marcados  del film:  uno cuando el ex-director del FBI  es testigo de un atentado terrorista (clara referencia a lo que pasó aquel fatídico 11 de septiembre) y, también, el momento en el que afirma, y aquí Eastwood sútilmente azota al que fuera presidente de los EE.UU., que ‘una sociedad que no está dispuesta a aprender de su pasado está condenada’.

Esto sirve como preámbulo para plasmar el carácter arrogante y anticomunista que Hoover va forjando a lo largo de su vida, pues ésta se resumirá en una lucha constante contra comunistas, activistas y negros, esto último plasmado en el momento en el que intenta boicotear el nombramiento de Martin Luther King como Premio Nobel de la Paz, al que amenenaza con destapar su historia con una jovencísima mujer. Su arrogancia queda patente en su trabajo, donde es meticuloso y desconfiado hasta límites insospechados, al tiempo que muestra una total ‘indiferencia’ hacia las relaciones personales.

Y es en este punto, donde Eastwood une lo profesional con lo personal, ya que esa marcada personalidad del protagonista tiene un claro motivo: la represión de sus sentimiento. La vida de Hoover cambió en el momento en el que vio aparecer en su despacho al señor Clyde Tolson, su fiel compañero (de todo, menos de cama) hasta el último día de su vida y del que se supone estuvo enamorado siempre. El sentimiento tan fuerte hacia su amigo lo atormentaba, ya que no había sido educado para amar a un hombre, pues su madre llegó a confesarle en una ocasión que prefería un hijo muerto a un narciso vivo. Pero Eastwood sabe abordar esta historia ‘prohibida’ de una manera muy sútil pero evidente al mismo tiempo, dejando que ésta sea vista a través de pequeños gestos y palabras.

Eastwood ha querido plasmar las grandezas y miserias de este personaje a partes iguales, sin dejar nada en la recámara. Para ello, se ha rodeado de uno de los mejores actores que existen en Hollywood, Leonardo DiCaprio. El niño mimado de Martin Scorsese nos brinda otra espectacular interpretación, demostrando que, cada día, va creciendo un poco más. Pese a que muchos intenten estigmatizarlo por el papel que lo lanzó a la fama, recordemos a su Jack en Titanic, Dicaprio ha crecido y sabe dar el punto exacto de veracidad a cada uno de los personajes que interpreta.

El mejor punto: El peso interpretativo de Leonardo DiCaprio durante todo el film, ayudado por grandes secundarios.

El peor punto: Que alguien pueda ir con una idea equivocada de lo que van a ver.

Puntuación: 4’5/5

 

Bajo amenaza

Título original: Trespass

Año: 2011

Duración: 91 minutos

País: EE.UU.

Género: Drama, Suspense, Crimen

Estudio: Aurum Producciones, Millennium Films

Sinopsis:

Un matrimonio es brutalmente asaltado en su casa por un grupo de criminales que los toma como rehenes con la intención de dar un gran golpe. La situación se irá complicando por momentos a medida que se descubren traiciones y engaños…

La crítica de Punto de Encuentro:

De muerte por agotamiento del cine de siempre

Fernando Prieto – Crítica.

Se puede afirmar que las grandes estrellas del cine aseguran –o por lo menos favorecen- los taquillazos, pero eso no es sinónimo de que la calidad también vaya acompañada de de ellas.

En este caso, Trespass cuenta con las dos grandes bazas que suponen Nicole Kidman (Óscar como mejor actriz principal por Las Horas; La intérprete) y Nicolas Cage (Óscar como mejor actor principal por Leaving las Vegas; 60 segundos), pero la calidad de la película que dirige Joel Schumacher (Última llamada; Batman forever) es inversamente proporcional a la fama de sus actores.

Personalmente nunca he encontrado especialmente dignas de mención la mayoría de las actuaciones de ellos dos, especialmente las del californiano, -con unas interpretaciones en mi opinión muy parecidas- y esta ocasión no es una excepción.

Dicho esto, también hay que decir que el guión no les ayuda precisamente a lucirse; unos secuestradores retienen a un matrimonio y a su hija hasta abrir una caja fuerte y darles lo que quieren, es una situación muy tensa que les lleva a hacer cosas nunca pensadas, pero que les ayudará a solucionar sus problemas y quererse como una familia feliz.

No hay por donde coger esta película, es insípida, aburrida, llena de tópicos y tan predecible que el calificativo de thriller es insultante.

Lo que pretenden ser sorpresas espectaculares son más de lo mismo, nada que te haga pensar en un final diferente que te puedes imaginar tan solo viendo los carteles publicitarios por la calle.

Los personajes, las actuaciones, los diálogos, la violencia, en conclusión, todo es más de lo mismo, no es aceptable ni como película de acción.

El mejor punto: Las escenas de acción pueden llegar a ser salvables.

El peor punto: El guión en su totalidad.

Puntuación: 0,75/5

 

Underworld: El despertar

Título original: Underworld 4: Awakening

Año: 2012

Duración: minutos

País: EE.UU.

Género: Fantasía, Acción, Terror

Estudio: Screen Gems, Sony Pictures Releasing

Sinopsis:

Quince años han pasado desde que Selene y su amante Michael, híbrido entre humano y licántropo, derrotaran al Vampiro Mayor Marcus en Underworld Evolution. En esos años la humanidad ha descubierto la existencia tanto del clan de los vampiros como del de los licántropos y se ha lanzado a una lucha encarnizada para erradicar ambas especies. Selene, capturada durante el genocidio, se despierta después de más de una década y se da cuenta de que se encuentra cautiva en un laboratorio herméticamente cerrado en Antigen, una poderosa corporación biotecnológica que se dedica a desarrollar la vacuna en contra de los virus que han creado a vampiros y licántropos. Selene se siente destrozada cuando descubre que Michael está muerto, pero su dolor es eclipsado por el descubrimiento de que mientras se hallaba en estado de criogenización ha dado a luz a la hija de ambos, Eve (India Eisley). Mientras busca asilo para ella y su hija, Selene se encuentra con que el mundo en el que su raza se alzara orgullosa ya no existe y que su gente ha sido perseguida hasta el borde de la extinción y que los pocos supervivientes se ocultan bajo tierra. Rechazada por los clanes que aún quedan, Selene se enlista para apoyar a un joven vampiro, David (Theo James), quien se une a ella en su sangrienta venganza contra Antigen, donde oscuras fuerzas conspiran para destruirla tanto a ella como a su hija. Con sus tradicionales enemigos, los licántropos, otra vez en ascenso, incluso Selene parece no tener el poder suficiente para hacer frente a su más poderoso oponente en toda la historia de Underworld: un super licántropo alterado genéticamente.

La crítica de Punto de Encuentro:

Aún tras el coma, Selene no perdona

Fernando Prieto – Crítica.

Vampiros y hombres-lobo han sido siempre una fuente inagotable para la literatura y el cine, pero estos últimos años este género ha ido subiendo como la espuma, y la cuarta entrega de la saga Underworld es un nuevo ejemplo de ello; pero esta no es una de esas películas en las que los personajes se matan por amor y se disparan besos, aquí lo que se respira es odio y las balas son de plata.

Underworld: Awakening como son las tres anteriores partes, es una película de acción. Aquí no importan los diálogos o que la historia sea muy enrevesada, hay que matar, y cuanto más espectacular sea, mejor.

Para ello ayuda y mucho la técnica del 3D. Desde el minuto 1 quedas totalmente embelesado con la realidad del oscuro mundo que nos muestran los directores Bjorn Stein y  Mans Marlind y acción, violencia y sangre se funden en una realidad llena de sombras que te hace olvidar cualquier aspecto aparte y te hace disfrutar.

Se le puede acusar de tener un pobre argumento o de ser repetitiva, pero el film no busca hacerte pensar o hacerte mejor persona sino entretener, y lo consigue.

El mejor punto: El 3D. Muy conseguido y con muy buen resultado.

El peor punto: Argumento muy poco elaborado.

Puntuación: 3/5

 

El monje

Título original: Le moine

Año: 2010

Duración: 101 minutos

País: Francia

Género: Aventura, Historia

Estudio: Vértice Cine

Sinopsis:

Abandonado en su nacimiento a las puertas del Convento de los Capuchinos, Ambrosio (Vincent Cassel) es educado por los Hermanos. Se convierte en un predicador admirado por su fervor y temido por su intransigencia, él se cree protegido y libre de toda tentación. La llegada de un misterioso novicio removerá sus certezas y le llevará por el camino del pecado.

 

Popieluszko: La libertad está en nosotros

Título original: Popieluszko: Wolnosc jest w nas

Año: 2009

Duración: 180 minutos

País: Polonia

Género: Drama, Historia

Estudio: Focus Features

Sinopsis:

POPIEŁUSZKO es una historia épica sobre la vida y martirio del padre Jerzy Popiełuszko, héroe del movimiento SOLIDARNOŚĆ (Solidaridad), que fue brutalmente asesinado por los servicios de seguridad del gobierno regente polaco en octubre de 1984. En la película, vista por más de 1,3 millones de personas en su país, también se reflejan los vertiginosos días de SOLIDARNOŚĆ, así como la situación política de la Polonia de los años 80. Considerado como un héroe por el pueblo polaco, fue beatificado el 6 de junio de 2010 en Varsovia.

URL simplificada: http://www.puntoencuentrocomplutense.es/?p=20350

Publicado por en enero 27 2012. Archivado bajo cartelera enero 2012, Cine, Estrenos, General. Puedes seguir las entradas a través de la RSS 2.0. Puedes dejar una respuesta, o referencia a esta entrada

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