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Diego Braguinsky: “En el mundo del espectáculo hay ahora una falta de valores, las productoras son un negocio”

“El arte es la realidad elevada; es lo que hace abrir la mente de la gente y buscar salidas”

José Colmenarejo (@Colmenarejo89) – Entrevista (15/02/2013)

Desde el 13 de febrero hasta el 17 y del 20 al día 24, el Círculo de Bellas Artes de Madrid acoge en su Teatro Fernando de Rojas A por todas, una corrosiva obra escrita por el prestigioso David Mamet en la que disecciona las entrañas del mundo del cine. La historia, una crítica feroz protagonizada por Enrique Arce, Silvia Marty y Diego Braguinsky, se centra en dos productores obsesionados con su trabajo y el dinero que tienen la oportunidad de producir un probable taquillazo protagonizado por una estrella mundial, y en su nueva secretaria, una joven idealista que intentará hacerles ver la importancia de los principios morales y los valores artísticos. Dirigida por Jaime Pujol y de la mano de la compañía valenciana Ornitorincs, esta comedia ahonda en la falta de escrúpulos y el culto al dinero en el negocio del espectáculo realizando una ácida parábola que mezcla la risa con la conciencia social.

Charlamos con sus tres televisivos protagonistas acerca de productores, trabajo en equipo, la crisis y, sobre todo, de teatro.

Representásteis A por todas en Valencia el año pasado, ¿qué sensaciones tuvisteis?

Diego Braguinsky: Muy buenas. Giramos por la Comunidad Valenciana: Hemos estado en Alicante también, en el Teatro Arniches, y la sensación siempre fue muy buena con todo tipo de público, tanto un público al que le gustan las obras más elaboradas, como un público no tan acostumbrado al teatro. A la gente joven le encanta la obra; yo creo que porque está hecha con una estética y una dinámica muy cercana a ellos. Cuando la ven, deben pensar: “¿esto era el teatro?, ¡pues nos gusta!”

¿Qué ha cambiado en ella desde que la representásteis?

Enrique Arce: La función cambia de un día para otro. Unas funciones te salen de una manera, otras de otra… En este caso, Silvia, que interpreta a Clara, uno de los principales personajes, se acaba de incorporar hace relativamente poco. La actriz anterior era Rebeca Valls, y cada una aporta algo distinto. Al cambiar uno de los vértices, ya todo cambia. Ni para mejor, ni para peor: Hay un cambio. Esta es la mayor diferencia de la función tal como estaba en Valencia. Aparte de esto, hay otra cuestión, y es que el texto es una partitura, y dependiendo del día es más rápida o más lenta. Y esto tiene que ver con los estados emocionales. Yo pienso que en estos diez días que vamos a estar en Madrid el ritmo va a ser igual de rápido, vertiginoso, ágil y divertido.

Y hablando del personaje de Silvia, Clara, que es quien pone un rayo de esperanza entre tanta falta de valores, ¿es algo más que una coincidencia que sea una mujer?

Silvia Marty: Sí, yo creo que existe cierta sensibilidad que las mujeres tenemos. No quiero generalizar, aunque voy a hacerlo, porque muchos hombres también lo tienen, pero creo que ese punto de ingenuidad, de frescura, ese punto naíf dentro de un mundo tan agresivo como el del cine debía darlo una mujer.

¿Qué referentes habéis utilizado para la creación de los personajes?

D.B.: En la versión original de Mamet, son dos productores y una secretaria de Hollywood. En la que hemos realizado Jaime Pujol y yo hemos trasladado la productora a Madrid. Con Mamet sucede que el texto ya te da bastante para construir al personaje, te da muchas pistas. Tanto Enrique como yo conocemos muchísimos productores, sobre todo de televisión, pero también de cine, y tanto de España como del extranjero. Los conocemos. Lees la obra, y piensas “¡si es que son así!”

Es lo que os iba a preguntar, si habíais escogido a alguien, bien real o del mundo de la ficción como referente.

D.B.: No, un referente no, pero cuando uno prepara un personaje, siempre hay un aire sobre ellos que ya conoces. Yo no he cogido detalles exactos, no he copiado específicamente de nadie, pero sí es cierta actitud corporal, una manera de sentarse, de hablar…

E.A.: Yo tuve un manager y un representante los tres años que estuve en Hollywood, y uno de ellos tocaba mucho la cara. Siempre estaba sobando, con la palmadita, o te cogía de la oreja… Y eso al personaje de Diego sí que se lo hago mucho. No es que lo copies, lo coges porque piensas en referentes, y efectivamente esta gente es así, como nuestros personajes, e incluso más exagerados en la vida real.

D.B.: En este caso, por ejemplo, el personaje de Enrique es el recién ascendido a director de producción, yo soy su subalterno, mayor que él, y piensas que por diversos motivos no le habrán ascendido. Entonces, como referentes, siempre tienes a alguien, a muchos. Pero sobre todo es el cuerpo, cómo te mueves y cómo te relacionas con las personas, porque eso es todo un mundo. Cuanto entras en el despacho de una productora y te recibe el productor se nota su poder en su presencia.

¿El hecho de ser solamente tres actores ayuda a ser un mejor equipo?

E.A.: Sí. Sobre todo en esta función la cohesión debe ser total porque Mamet te obliga. Esta obra es una partitura, tienes que saberte también el guión de tus compañeros para entrar perfectamente. El hecho de ser sólo tres sí ayuda porque hay menos energías diferentes. Inmediatamente cuando empiezo el primer acto con Diego ya sé el tempo, es como un partido de tenis, un Nadal-Federer.

¿Quién es Nadal y quién es Federer?

D.B.: (Risas) Ojo con eso, que Nadal está lesionado…

E.A.: Prefiero los espectáculos con menos actores porque estás más metido, más concentrado, y es una mayor responsabilidad. Tanto la satisfacción como la decepción al terminar la función son mucho mayores, porque tu esfera de acción es más grande.

D. B.: Hay otras funciones en las que interpretas papeles cortos, y sales y vuelves a entrar repetidas veces, pero en esta función en la que los tres tenemos tiradas importantes es buenísimo porque entras y ya estás en una montaña rusa de la que no te puedes bajar. Te lanzas y hasta que se acabe el juego.

Habéis trabajado mucho también en televisión, ¿cómo cambia la dinámica de trabajo, y con cuál disfrutais más?

S.M.: No tiene nada que ver, son dos medios muy distintos. El trabajo es el mismo, interpretar, pero el proceso de ensayos en el teatro no lo tienes normalmente en audiovisual. Y la forma de trabajar también es diferente porque en el teatro sigues toda la línea del personaje: Empiezas y terminas una función en la que haces todo ese arco, toda esa evolución en esa hora y media. En cambio, en televisión no, el trabajo es mucho más concentrado y más partido. A mí me gustan tanto el uno como el otro.

E.A.: A mí no. A mí me gusta más el teatro, pero con los sueldos de la tele y los viajes del cine. Así de claro. Eso sería lo ideal. Irse a Nueva Zelanda a hacer una función cobrando sueldo de televisión.

D.B.: Lo más interesante en el teatro es lo que ha dicho Silvia: Tu historia, tu aventura empieza y acaba en lo que dura la función. Pero recuerdo una cosa que me dijo un profesor americano, Dominique De Fazio: “lo maravilloso que tiene el teatro es que mañana vuelves”. Si has tenido un error, si no has estado tan bien, mañana te redimes, lo haces mejor. En el audiovisual hay un corten, y ahí te quedas: No hay manera de arreglar la cagada o la maravilla que hayas hecho. Y eso es lo grande del teatro. Y luego, por supuesto, el público. El público es el cincuenta por ciento del espectáculo, lo más importante para nosotros. No en un sentido vanidoso sino como sistema de comunicación, tenerle ahí contándole una historia a tres metros es muy valioso.

La obra trata sobre la crisis de valores y el desmesurado culto al dinero, ¿creéis que hay demasiado en el mundo del espectáculo?

D.B.: ¿En el mundo del espectáculo? Más que nunca. No me tires de la lengua… Más que nunca. Algunos se arriesgan a hacer buen teatro, teatro de repertorio, que son o los teatros públicos o algunas compañías y productores contados. No se puede culpar a nadie con la crisis, la subida del IVA… Las productoras son un negocio, y tienen que montar lo que sea para ganar dinero. No estoy juzgando, pero sí que es cierto que se está produciendo esa falta de valores.

¿Y hay esperanza en el teatro?

E.A.: Sí. El arte en general siempre se ha utilizado como vehículo de rebeldía, de peticiones, de reivindicaciones… Ahora, evidentemente, la gente está saliendo a la calle, manifestándose, y está muy bien. Pero yo creo que este sitio maravilloso, esta plataforma, este altavoz, con la genialidad de los autores, ante todo de esos que tocan esos temas tan directamente como hace esta función, debería utilizarse más. Yo no veo nada malo en que se hagan espectáculos de todo tipo, en la variedad está el gusto, pero estamos llegando a un vacío de contenidos muy preocupante que se está extendiendo. Debería haber más obras como A por todas, y utilizarse en este momento aparte de las manifestaciones en la calle. Hay que utilizar obras ya escritas, sumando la pasión de sus directores y actores, para que los mensajes le lleguen a la gente de una manera más directa, porque el arte es la realidad elevada y lo que más hace abrir la mente a la gente y buscar nuevas salidas.

S.M.: Yo creo que poco a poco y a raíz de este momento en el que no hay tantos medios está saliendo muchísima gente que no espera a que suene el teléfono, con creatividad y proyectos interesantes por toda España. ¡No todo es negro!

 

A POR TODAS

DÓNDE: CÍRCULO DE BELLAS ARTES, MADRID

FECHAS: DEL 13 AL 17 DE FEBRERO Y DEL 20 AL 24 DE FEBRERO

PRECIO: 15€, SOCIOS 12€ ENTRADAS.COM

URL simplificada: http://www.puntoencuentrocomplutense.es/?p=39647

Publicado por en febrero 15 2013. Archivado bajo Entrevistas PDE, General, Más cultura, Teatro. Puedes seguir las entradas a través de la RSS 2.0. Puedes dejar una respuesta, o referencia a esta entrada

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