Óliver Yuste/ Emma Gutiérrez- Entrevista

Aaron Thomas es un trotamundos australiano que nació como cantautor en Madrid entonando en inglés canciones intimistas. Melodías orgánicas que se impregnan de crudos sentimientos en su segundo disco, “Made of Wood”, un imponente trabajo sonoro producido por Valgeir Sigurdsson –Björk, Camilla, Bonnie Prince Billy, Sam Amidon,…- presentado al gran público el pasado noviembre y que ahora ofrece en acústicos directos por toda España.

De Australia se trasladó a Ucrania, después puso rumbo a Los ángeles, y por amor se instaló en el foro madrileño. Su primer álbum debut, “Follow the Elephants” fue todo un descubrimiento para nuestro panorama musical más independiente, ahora Thomas se consolida con un trabajo discográfico maduro que se ha puesto a la venta en España, Inglaterra, Alemania, Holanda y Australia de la mano de Everlasting Records.

 A los dieciocho años te marchaste de tu Australia natal, pasaste un tiempo en Ucrania, unos meses en Los Ángeles y después España, ¿qué te atrajo de Madrid para quedarte aquí?, ¿te sientes a gusto ahora?

 Lo que me gusta de Madrid es que la gente de aquí es muy animada, tiene mucha pasión por vivir y por disfrutar, cosa que falta en muchos países. Musicalmente, cuando actúo aquí en España la reacción de la gente es pura, algo que a mí me gusta mucho.

¿Qué te aporta esta ciudad a tu vida y a tu música?

Muchas cosas. Vivir en un sitio de donde tú no eres es como sentirte un pez fuera del agua. A veces es una frustración no ser capaz de expresarme como quiero, pero también es casi como un desafío el vivir y conseguir la felicidad en la vida y un poco de seguridad en un país extranjero. Es un logro que te hace sentir orgulloso de ti mismo. Todas las sensaciones que hay en el primer y en el segundo disco son fruto de vivir en un país extranjero. Como artista creo que he nacido en España, aunque yo estaba tocando música desde hace muchos años, pero lo que hago es fruto de mi estancia aquí.

De todo este trasiego transoceánico, ¿no te ha influido nada realmente?

 Sí, claro. Sin duda. Me he sentido como una persona casi sin casa, siempre buscando su sitio, aunque sabía en el fondo que mi casa estaba en mi tierra. He pasado muchos momentos interesantes en la vida, especialmente en Ucrania, que ha sido una experiencia muy intensa, muy fuerte, muy positiva, pero dura. Después de esas experiencias tengo una perspectiva del mundo distinta. No sabría decir de qué manera, pero un cantautor siempre escribe sobre su vida personal, así que todo eso está ahí. Mi primer disco habla de mi estancia en Los Ángeles, que fue horrible, pero el segundo habla de Madrid.

Imagina que alguien no conociera de nada tu música, ¿cómo la definirías para que pudiera imaginarla y le gustara?

 ¡Es una pregunta que no me gusta nada! (risas). Me cuesta, pero lo definiría como la música del cantautor, de una persona que trabaja mucho, que le importa mucho la letra, la melodía y la interpretación. Tengo mis influencias que son a veces obvias, o no, como David Bowie, Elvis Costello, The Beatles, Tom Waits, Leonard Cohen o la música de los cincuenta. Me encanta también Elvis Presley. Lo que tengo es mi mezcla única. Es una música sincera, bastante orgánica y que creo que tiene mucha emoción.

En este disco incorporas el uso de la tercera persona en la narración de tus canciones, ¿por qué ese cambio con respecto al anterior disco?

 Intenté en este segundo disco escribir cosas que no fueran sobre mi vida personal, más sobre temas en los que estoy interesado, aunque siempre tienes que conectar con el tema para decir algo. Hay canciones como “Trophy Wife” que no tienen nada que ver con mi vida, pero me interesan esos temas, los cuales he visto muchas veces en otras personas.

 Son historias ajenas que quizá sean más fáciles de componer…

Componer sobre ti mismo es algo puro, algo emocional. Sale porque tiene que salir. Es como sacar los demonios, una forma de terapia. Viene de un sitio muy apasionado, pero lo de componer sobre otras cosas, inventar historias, viene de tu lado más creativo. Me parece un poco más fácil componer sobre historias personales porque es tan natural que sale porque tiene que salir. La otra forma es pensar un poco más.

 Esa tercera persona que está en tu último disco, ¿realmente está dentro de tus historias, o tú estás dentro de esas historias?

 Yo estoy dentro de esas historias. Es como tener tu opinión de un tema del que realmente no sabes mucho. Hay cosas que nos interesan aunque no hayamos vivido nada de ese mundo. Es una forma de juzgar, opinar, comentar las cosas que has observado.

Valgeir Sigurdsson ha sido el productor, algo que parece sonar a lujo personal…

 Es algo que quería hacer. Escuché un par de discos que produjo él y flipé, totalmente. Vi un gusto muy delicado y muy orgánico, que es lo que me importa. Un gusto excelente. Le mandé un mensaje pidiéndole trabajar con él, en plan broma, pero me respondió positivamente y yo no podía creérmelo. Me da igual cómo va el disco porque al fin he tenido la oportunidad de trabajar con alguien que me encanta, lo veo como un gran logro en la vida personal y musical.

 Desde tu disco debut “Follow the Elephants” hasta “Made of Wood”, ¿qué ha evolucionado en Aaron Thomas?

Mucho. Desde el nacimiento de mi hija todo ha cambiado. Después del primer disco tuve la oportunidad de tocar fuera de Madrid y a veces fuera de España. Siempre dicen que con el segundo disco es más difícil abrir las puertas y la verdad es que tienen razón, es mucho más difícil, pero creo que hice un disco muy ambicioso, mas ‘Aaron Thomas’ que el primero, y es el fruto de tanto trabajo, mucho más que en el primer disco. En todos los sentidos para mí es un cambio radical.

¿Se lanzará este disco en otros países?, ¿tocarás en el extranjero?

Creo que el disco se publica en Inglaterra, Australia, Holanda y otros países más. Lo importante es que lo sacamos en otros países donde hablan inglés, porque es un poco difícil cantar y trabajar tanto en la letra cuando cantas sabiendo que la gente no se entera mucho.

¿Pensabas al principio que triunfarías en España, un país con rasgos tan latinos?

 Nunca había pensado en triunfar en España, ni hacer música en España. Pero vine aquí siguiendo a mi mujer y sólo vi la opción de hacer lo que me hace feliz: la música, pero nunca fue mi objetivo venir a España para hacer música.

 ¿Cómo se traduce tu nuevo disco al sonido de tus directos?

Lo hacemos de una forma más cruda y más acústica. Obviamente no podemos llevar metales y cuerdas a todos los conciertos, ¡no me pagan bastante! Últimamente lo estoy haciendo con mi corista y mi pianista, y funciona bien. Con los teclados puedo hacer un par de melodías, con las voces hemos trabajado mucho después de la grabación, y creo que si puedes hacerlo bien transmitiendo sinceridad y emoción no hace falta nada más.

Cuando tengo conciertos grandes llevo otra guitarrista, metales y todo. Pero creo que el objetivo es transmitir la emoción, y si puedes hacerlo con la guitarra y la voz, pues ya está. Si la canción funciona con la guitarra, funciona.

¿La composición de tus conciertos será un calco de tus trabajos discográficos?

 Es una mezcla del primer disco y el segundo, aunque un poco más del segundo. Es muy divertido tocar las canciones del primer disco porque después de tocarlas tanto tiempo salen muy fácil, creo que suenan mejor que en el disco. Experimentas un poco con la canción porque no te da miedo, porque la has estado cantando tanto tiempo…

 Has tocado como telonero de Marlango, ¿cómo ha sido la experiencia?, ¿te está ayudando en la promoción de tu nuevo disco?

 La experiencia ha sido buena. Siempre es divertido tocar con un público más grande. También ellos son simpáticos, muy normales y muy abiertos. Espero que me ayude, todavía no lo sé.

Hace unos días tocaste en Madrid, en la Casa de Bacas, presentando tu nuevo trabajo discográfico, ¿qué tal la acogida?

 La acogida fue muy buena, además con un sonido increíble. Uno de los conciertos más divertidos que he tenido en mucho tiempo, y el público estaba muy atento…. Siempre es un placer tocar en los teatros porque tienen buen sonido y te da un poco de clase. A mí me gusta hacerlo, es muy personal.

La verdad es que fue un riesgo. No es un sitio natural para hacer conciertos…

 ¡Tengo que tocar donde pueda! (risas), me cuesta conseguir sitios, pero fue muy bien. Había mucha gente, bastante, y fue un concierto muy agradable.

 ¿Para cuándo una nueva fecha en Madrid?

 En Madrid estaré el 3 de mayo en la Sala Costello. ¡Desafortunadamente es un lunes!

Muchas gracias y hasta pronto.

Nuevas fechas para ver a Aaron Thomas en España:

1 de Mayo: C.C. Medina Elvira – Atarfe, Granada.

3 de Mayo: Sala Costello – Madrid.

14 de Mayo: La Calleja la Ciega – Oviedo, Asturias.

20 de Mayo: Sala Obbio – Sevilla.

Christopher Nolan se ha propuesto rescatar al cine de una decadencia casi total y se está convirtiendo por méritos propios en uno de los directores más innovadores y originales de las últimas dos décadas. Y es que desde la revolución cinematográfica de los Wachowski y ‘Matrix’ no se había visto similar derroche de creatividad en un mundo en el que ni quedan ideas, ni saben desarrollarse salvo excepciones. ‘Origen’ es el delirio del celuloide, una ensoñación onírica sobre la condición humana y los instintos más primitivos en las sociedades más desarrolladas. Un ingenioso ejercicio que a primera vista puede parecer esclavo del entretenimiento pero dentro de su envoltorio fantasioso y trepidante nos introduce en una encrucijada que trata de explicar la base de la culpa, el remordimiento y el rencor.

Pero no sólo eso. Me atrevería a asegurar que ‘Origen’ le sirve a su director para entrar por méritos propios en Olimpo de los genios. Nolan no sólo se hace un hueco entre los artistas, eso sí, sin dejar de lado al entertainer que lleva dentro, sino que se sitúa a la altura de los dos únicos realizadores que consiguen que uno asista a sus metrajes sólo por que su nombre aparece en los créditos, es decir: Woody Allen y Scorsese, y esto son palabras mayores. En una industria que ha vuelto a la comercialización del rostro bello y el cuerpo hercúleo, pocos aciertan a sobrepasar las barreras del mainstream dotando a su cine de lo necesario para sobrevivir al paso del tiempo.

A partir de un guión que el director (o su hermano) tardó en escribir unos diez años, la acción se desarrolla con un ritmo propio del thriller más endiablado entre la realidad y el freudiano mundo de los sueños. Pero ojo, Nolan no quiere alardear de grandeza y sabe que el cine es de todos, y para todos. No tiene delirios de filósofo o pensador, no es innacesible como Lynch pero si cuenta con la suficiente inteligencia como para crear una historia muy enrevesada, pero tan hábilmente trenzada como si fuese un juego de niños. A todo lo anterior hay que añadirle un apartado visual realmente espectacular y una fotografía, por cortesía de Wally Pfister vertiginosa y de una belleza extasiante. El juego de cámaras lentas y efectos especiales que despliega Nolan permite apreciar en todo su esplendor el paraíso arquitectónico que el autor ha creado para tal ocasión.

Y entre los escombros de la memoria y el nostálgico y doloroso recuerdo, aparece el infravaloradísimo Di Caprio para pedir justicia de una vez por todas. Harto ya de reivindicarse, marcado con el estigma del guaperas inexpresivo que fue en sus inicios, el americano se despoja de las máscaras y los aspavientos contemporáneos y se presenta ante el espectador desnudo, convincente, contenido, poderoso, real. Con reminiscencias a Cary Grant o Marlon Brando, Di Caprio demuestra porque es una de las pocas estrellas que sobrevivieron a la fama sin doblegarse a las exigencias de Hollywood. La corte de secundarios es también para tener en cuenta. Ellen Page resplandece con su sonrisa ingenua, Marion Cotillard está verdaderamente arrebatadora, Ken Watanabe aparece sobrio con su eterno gesto de contrariedad y Joseph Gordon-Levitt ejerce como fiel escudero del protagonista y nos regala una de las escenas más estéticas del metraje.

En definitiva, ‘Origen’ es la obra culmen de un director que ha sabido ir creciendo desde unos inicios prometedores hasta el momento actual. También es cierto que se ha rodeado de los mejores, en todos los aspectos para crear una película que dentro de quince años se habrá convertido en historia. Dejemos que el tiempo haga el resto mientras disfrutamos de las mieles cinematográficas.

Kim Fowley, famoso productor musical, representante de Kiss o Alice Cooper entre otros, lo tuvo claro. Sacar al mercado un grupo de rock, compuesto exclusivamente por chicas adolescentes, sería un gran éxito en los Estados Unidos de los 70. No se equivocó.

The Runaways se convirtió en un fenómeno mediático, que arrasó en el mundo entero con temas tan conocidos, hoy en día, como Cherrie Bomb o Born to be bad.

Es el punto de partida de este film de homónimo nombre, presentado en el festival de Sundance, dirigido por la italiana Floria Sigismondi y protagonizado por Dakota Fanning y Kristen Stewart, ambas de la saga Crepúsculo.

La guitarrista, Joan Jett (Stewart) y la batería Sandy West se unen para formar un grupo. Tras ensayar juntas varias veces, deciden junto a Fowley que necesitan una cantante. Tiene que ser espectacular, preciosa, atrevida y perversa. Eligen a Cherrie Currie, una camarera de la región, admiradora de David Bowie, que cumple con el perfil perfectamente.

El ascenso del grupo es meteórico; un camino plagado de excesos, con el sexo, las drogas y el alcohol como acompañantes y que les llevará a Japón, en una gran gira que en muchos momentos recuerda a la de The Beatles. La fama les alejará de sus familias y creará graves problemas en el grupo, con la lucha de egos siempre presente. La caída libre del grupo no se hará esperar, ya que en el fondo, siguen siendo unas chicas adolescentes que han vivido demasiado pronto muchas experiencias duras.

La película es entretenida y cuenta de una forma fidedigna la historia del grupo. Apoyada en una banda sonora espectacular, con temas de Sex Pistols, David Bowie o Suzi Quatro, transporta a los 70 con un montaje impecable y una puesta en escena merecedora de reconocimiento.

Diego Montes (@dmontesvigo) – Crítica de cine

Un profeta funde con sapiencia un sinfín de elementos que muchas otras películas han tratado por separado, sin conseguir dotarles de la unidad y solidez compacta que contiene esta obra francesa. Audiard teje una tela que adquiere la robustez necesaria a través del hilo conductor de la lealtad. Desde un principio, la sensación de soledad y aislamiento, la impotencia, el hastío, la incapacidad para defenderse por sí mismo, y sobre todo, un pánico extremo, que con el tiempo se convertirá en la pulsión más instintiva del ataque por prevención, encuentran en la fidelidad la única opción para salir entero, al menos físicamente, de los barrotes infernales de la desesperanza.

El film galo se parapeta en los términos del clasicismo más puro para trazar con destreza la historia de un árabe condenado por sus acciones, sí, pero también por un determinismo en el más puro sentido de la expresión que le marca desde la juventud. Así, podríamos decir que mezcla elementos de la aclamada Celda 211 con la crueldad atractiva de la mafia, vista en El Padrino, o Uno de los nuestros, elementos del mejor thriller y momentos de suspense e intriga a la altura de los más grandes. Aleteando entre la mezcla de razas de una cárcel infame descubrimos una suerte de racismo patente en la sociedad francesa. La búsqueda de la protección del grupo como instinto principal de supervivencia entre lo más bajo de una sociedad enferma en sus reglas y cánones.

Sorprende también que el metraje se sustente en la figura de los dos personajes principales. Si Tahar Rahim inquieta con sus ojos hundidos y la mirada perdida del que no tiene identidad, Niels Arestrup es el carácter que más evoluciona nadando entre la abundancia y la ambición, y naufragando después en la decadencia y el abandono. Lo único que mantiene a Un profeta en el lado de las grandes películas, separado por una fina línea de las obras maestras, es su excesiva duración, la perdida de carga narrativa y el relajamiento del espectador en ciertos tramos de un film que destaca por la amargura, el ardor de estómago y la pesadumbre.

La obra de Audiard ha sido merecedora de nueve premios César, además de un par de premios del cine europeo y las nominaciones al Óscar y el Globo de Oro. No es para menos teniendo en cuenta la calidad de una obra que eleva de nuevo al cine francés a la categoría que siempre ocupó, la del celuloide de envoltorio discreto y técnica sobria con un guión sin fisuras, creativo y honesto que ha funcionado siempre, desde Bresson a Truffaut.

La película sale al mercado el día 25 de agosto, editada por Cameo en DVD y Blu–Ray.

Diego Montes – Música

Zona Bruta fue la discográfica pionera del rap español. Los noventa, resultó una década en la que el hip-hop no era considerado más que un movimiento de quinceañeros macarras, el rap, no figuraba, ni siquiera como estilo musical, y se comparaba a los graffiteros con vándalos o delincuentes, en lugar de valorarlos como artistas. Aún así, el sello madrileño, supo apostar por el futuro de un germen incipiente que, como el punk o el rock, fue denostado en un principio, y poco a poco, ha sabido hacerse un hueco entre las exigencias del público.

Hace años, con el vinilo en su máximo apogeo, era sencillo para los artistas crear portadas de grandes dimensiones en las que pudieran sacar a la luz toda su creatividad. Aquellos conatos artísticos, se vieron rápidamente mutilados por la irrupción del CD, un formato mucho menos lucido, más limitado. Ya en 2003,  con los mercaderes internautas ofreciendo descargas gratuitas, Sonia y Nieves, de ZB, decidieron regalar serigrafías, en series limitadas, con cada disco vendido. Chop, Suso, Zeta, Sam o Satoner, entre otros, se unieron a un proyecto innovador, que valoraba, por encima de todo, la acción casi heroíca de comprar música, cuando era posible conseguirla gratis.

Hoy, en 2010, con un panorama musical aún más descorazonador, Zona Bruta vuelve a desmarcarse, ofreciendo junto a los cedés, una serie de espectaculares obras de arte, en formato yiclé (impresión digital que dura más de cien años). “Hemos hecho un esfuerzo muy grande. Queríamos valorar a la gente que compra música. Además, llevamos mucho tiempo tratando de que a los graffiteros se les trate como artistas”, dice Sonia. Los digipacks, denominados artCDart, rondan entre los 16 y los 20 euros, e incluyen una copia del disco, más la serigrafía de edición limitada. “La intención es sacar cuatro antes de finales de año. El primero, une a Frank – T y San, después saldrá el de Syla con Zeta, y, más tarde, Suso y Zenit.”, comenta Nieves.

En el evento, se aprovechó también para presentar el nuevo elepé de Frank – T, Soy una tostadora. El congoleño, en España desde los dos años, fue uno de los primeros raperos españoles, exponente de escucha obligada en el panorama. Ha estado de gira en países como China, Polonia o Egipto, fue presentador de El Rimadero, y ya en la actualidad, lleva las riendas del programa radiofónico La cuarta parte. Su trabajo como productor también merece reconocimiento. Zenit o Ari nacieron bajo su batuta, e incluso se atrevió con la dirección del exitoso espectáculo Quijote Hip-Hop. En su nuevo disco, aboga por la renovación y la experimentación. De ahí la ironía del título (tostadora significa cyborg en lenguaje despectivo).

“Era necesario juntar a dos elementos del hip – hop, como son el rap y el graffiti, que llevaban tienpo separados. Quería involucrar a San en las letras, para que pudiese plasmar la idea con total libertad, y la verdad es que ha hecho un trabajo formidable”, comenta Frank-T, acerca de la idea del cedé como obra de arte. Por otro lado, San cuyo trabajo ha sido publicado en numerosas publicaciones de prestigio artístico, destacando su libro monográfico editado por Belio en 2006, remarcaba su “agradecimiento al sello por obligarle a realizar su trabajo con total libertad”.

Es de recibo apreciar el esmero, y el trabajo de esta iniciativa. En un país en el que la música ha pasado de desprender el olor nostálgico del vinilo, a la falta de personalidad del cedé, y poco más tarde, a ser traficada de forma impúdica entre los recovecos de la red, que un sello discográfico se desmarqué, y ofrezca incentivos al que sabe apreciarlos, sin subir el precio, sólo por amor al arte, hace necesario pararse unos segundos a reflexionar.

Mientras tanto, animo a todo rapero, aficionado a la música, artista o simplemente curioso, a que se acerque a su tienda más cercana y observé con detenimiento un trabajo bien hecho en el que cada detalle cuenta. Comprarlo o no, es opción de cada uno. Siempre existe la alternativa de bajarlo con un par de cliks, pero eso sí, se disfruta de otra manera cuando puede olerse, sentirse y saborearse.

El cine de Todd Solondz es uno de los más singulares que existen actualmente en el mundo del celuloide. Después de su ópera prima Bienvenido a la casa de muñecas, tan tierna como cruel, trazada como la fábula del lobo escolar que devora al marginado, creo una de las obras más originales de los últimos años: Happinness. En ella, demostró su tremendo savoir-faire en el mundo de la marginalidad, porque, si algo conoce el director americano, es sin duda lo raro, lo desagradable, aquellas partes de la sociedad que agachan la cabeza mientras el resto hace como que no existen.

La vida en tiempos de guerra viene a ser una especie de continuación de la anterior, muy parecida en la temática, aunque algo menos fresca que su predecesora. Mantiene el humor negro, y una alta dosis de cinismo como armadura para soportar las bofetadas de realidad que uno recibe más de una vez. Solondz sigue sirviéndonos una familia disfuncional, sin reglas ni mandamientos dogmáticos, similar a la de algunas series como A dos metros bajo tierra, o la genial Weeds. Auspiciado por unas interpretaciones que equilibran lo hilarante y lo compungido, aparece por encima de los demás, dentro del oasis satírico y excéntrico propuesto por el director, Alison Janney.

Y es que, en lo bueno y en lo malo, Solondz es el equivalente americano de uno de los auteurs más valorados del celuloide. Comparte con Almodóvar esa necesidad por mostrar al desplazado, el freak, a la atracción de feria que solo se encuentra cómodo entre sus iguales, pero tiene que convivir entre un grupo ajeno a la par que peligroso. El manchego bucea entre el travestismo y la homosexualidad mientras que el de New Jersey suele utilizar como base familias sin cabeza visible, madres sobrepasadas por las circunstancias, y sobre todo niños inocentes sobre los que se traza la historia.

La vida en tiempos de guerra se caracteriza también por enseñar o sugerir, de forma más o menos explícita, una serie de escenas de sexo que rozan lo repulsivo por quienes las protagonizan. Esto le sirve al realizador para soslayar los baches de un guión más que aceptable y mantener al espectador atento, aunque sea a base de provocar asco en los estómagos más sensibles. Por si fuera poco, la película se atreve a desafiar a los tabúes más recónditos, y no tiene problema en entrar en terrrenos delicados y controvertidos como la pedofilia. Al final no queda muy claro el mensaje, pero siempre quedará como un ejercicio valiente, que habla sin tapujos y no trata de ofrecernos ningún tipo de moraleja. Muestra lo que quiere sin doblarse ante las exigencias de una sociedad que no critica, aunque la ofrece como viciada, vil y mezquina.

En definitiva, recomendable por insólita y diferente al resto pero eso sí, cuidado que empiezo a ver la trampa y el cartón de Solondz, y veremos lo que le dura su rollo rarito sin reciclarse.

Como el verano pasado Punto de Encuentro rebaja su actividad para centrarse en remodelar todos sus contenidos, secciones, diseño…

Con el nuevo curso volveremos para seguir siendo en lo que nos habéis convertido: la web universitaria de información general más visitada de España.

Para cualquier sugerencia o comentario que nos quieras hacer llegar:

dredondo@puntoencuentrocomplutense.es

Diego Montes/ Javier Taeño- Entrevistas

Punto de Encuentro estuvo en la presentación de la selección española de baloncesto, que afronta, a partir del 28 de agosto, la defensa del Mundial.

Sergio Llull, Rudy Fernández y Marc Gasol quisieron compartir sus impresiones con nosotros

SERGIO LLULL

¿Te ha dado tiempo a descansar o irte de vacaciones?

Las vacaciones siempre se nos hacen más cortas de lo que desearíamos, pero he vuelto con las pilas cargadas y con ganas de recuperar el tiempo para poder ayudar a la selección. Firmaría todos los años jugar el Mundial.

¿Afrontáis con mucha ilusión el Mundial?

Con mucha ilusión y con muchas ganas. Sabemos que es una competición muy complicada y muy difícil y tenemos que ir paso a paso, pero sin renunciar a nada.

Y el objetivo es estar en lo más alto…

Hay que ir partido a partido, pero si nos esforzamos como sabemos, acabaremos arriba.

¿Cómo va tu lesión?

Bastante bien. Se está curando perfectamente y está dentro de los plazos previstos.

¿Cuáles son los rivales?

No puedes despreciar a ningún equipo. Argentina, Turquía, que juega en casa, Estados Unidos y Grecia tienen muy buenas selecciones. También puede haber sorpresas.

Acabas de firmar la renovación con el Madrid. ¿Contento?

Muy contento, era algo que deseaba. Estoy muy implicado en el club y la ciudad.

RUDY FERNÁNDEZ

Campeones del Mundo, campeones de Europa, ¿grandes favoritos ahora?

Es para lo que trabajamos, para estar lo más cerca posible de ese campeonato e intentar competir.

¿Quiénes son los principales rivales?

Por supuesto Estados Unidos siempre es el gran favorito y está a un nivel increíble, aunque haya traído una segunda selección y lo dicho, tenemos que intentar competir

Después de una temporada difícil en la NBA, ¿con ganas de jugar el Mundial?

Más que difícil ha sido un poco irregular y por supuesto, ahora quiero centrarme en hacerlo lo mejor posible con la Selección.

MARC GASOL

El presidente Sáez ha dicho que lo más importante es la ilusión. ¿Cómo afrontáis este Mundial?

De ilusión vamos cargados. Si nos faltara ilusión no estaríamos aquí, ni tendríamos ganas de competir.

El objetivo de este Mundial es seguir la senda del Europeo, de los Juegos…

Es esa línea. No sólo los triunfos, son muchos años de estar arriba, de estar compitiendo al máximo nivel y eso es lo más importante.

¿Cuáles son los rivales?

Como siempre Estados Unidos, pero hasta que no empiece el torneo no sabremos cómo va el tema.

¿Satisfecho con tu temporada en Grizzlies?

Con muchas ganas de disfrutar esto y volver a ver a mis compañeros.

¿El año que viene playoffs?

Ójala

Patricia J.Garcinuño - Crónica

La primera parte no fue fácil. Ya estábamos avisados de que los croatas iban a ser férreos en defensa y unos expertos en ir a la contra, al menos si seguían las pautas de sus últimos partidos. España también iba a continuar con su juego: posesión de balón más toque, toque y toque.

Con lo que no contábamos era con un tanto de Croacia antes del descanso. Disparo de Andrijasevic a 30 metros, el jabulani golpea el larguero, traspasa la línea, nos deja un gol que nadie se explica por dónde ha entrado y unos cuantos nos acordamos de Suiza en el Mundial de la absoluta como consuelo.

En la segunda parte, el conjunto de Luis Milla saltó al campo con las cosas muy claras: había que cambiar el resultado sí o sí. Thiago asumió el liderazgo del grupo y aportó el empate en el minuto 53, convirtiendo el España-Croacia en un partido totalmente distinto. Poco después, Rodri rubricó la victoria marcando en área enemiga el segundo gol de ‘la rojilla’.

En labores defensivas destacó el trabajo del barcelonista Marc Bartra durante la primera parte, quien tuvo que atajar a la carrera más de una intentona de contraataque  por la banda derecha. Al entrar en la segunda parte Iker Muniain, el conjunto español pudo abrirse y llegar más por las bandas, haciendo que Martín Montoya y Carles Planas asumieran más responsabilidad. El agresivo marcaje a Sergio Canales no le hizo posible desplegar al cien por cien todo su juego, aunque no fuese suficiente para evitar que la perla cántabra hiciese de las suyas en labores ofensivas.

La próxima cita, el miércoles 21 de Julio a las 15:00h, donde nos jugaremos el liderato del grupo B con Portugal.

Ficha del partido

CROACIA: Delac; Vrsaljko, Kelic, Glumac, Rugasevic; Andrijasevic; Ozobic, Ademi, Maglica (Vukusic, 64’), Pamic (Puncec, 81’); y Kramaric (Ticinovic, 64’).
ESPAÑA: Alex; Montoya, Marc Bartra, Pulido, Planas; Oriol, Thiago; Keko (Muniain, 46’), Canales, Dani Pacheco (Ezequiel, 87’); y Rodri (Rochina, 70’).
GOLES: 1-0, minuto 41: Andrijasevic. 1-1, minuto 52: Thiago. 1-2, minuto 63: Rodri.
ÁRBITRO: Alan Black (Irlanda del Norte).
TARJETAS: Vrsaljko, Kelic, Montoya.
OTROS DATOS: Estadio Henri Jeanne (Bayeux). 1.200 espectadores.