No obstante, la película no abandona los mensajes navideños esenciales: el valor de la familia, la necesidad de aprender de las generaciones anteriores, pensar en el prójimo y no centrarse en intereses personales, el rojo y verde como colores predominantes, las cenas de Navidad…ya que da igual que el mundo avance, porque “el mundo sigue siendo el mismo”.

En resumidas cuentas, una nueva versión de la Navidad que entremezcla pasado y presente, aportando frescura y creatividad a la prototípica historia navideña. Todo ello acompañado con buenos puntos de humor; y con un guiño a la defensa de las tradiciones y al uso de las tecnologías (con la versión disponible en 3D)

El mejor punto: La nueva versión sobre la historia y la recepción grata que causa en un público de cualquier edad.

El peor punto: Es una historia infantil, por la cual se puede intuir qué pasará: aventura de los protagonistas que acabará con final feliz.

 

Acero puro

Título original: Real steel

Año: 2011

Duración: 126 minutos

País: EE.UU.

Género: Acción, Ciencia ficción, Drama

Estudio: Dream Works SKG, ImageMovers

Sinopsis:

Una audaz y estremecedora película de acción ambientada en un futuro cercano, en el que el boxeo se ha transformado en un deporte de alta tecnología. Charlie Kenton, un boxeador fracasado que pierde la posibilidad de ganar un título cuando poderosos robots de 90 kilos y más de dos metros de altura comienzan a competir. Convertido en un promotor de poca monta, Charlie sobrevive ensamblando robots de bajo costo, a los que apunta en peleas del circuito amateur. Finalmente, cuando esta situación toca fondo, Charlie se asocia con su casi desconocido hijo Max para construir y entrenar a un auténtico robot campeón. A medida que suben las apuestas en la brutal arena en la que todo vale, Charlie y Max, contra todos los pronósticos, tendrán una última oportunidad de triunfar.

La crítica de Punto de Encuentro:

Robots boxeando y hasta aquí puedo leer

Fernando Prieto – Crítica.

Real Steel es una película que ya has visto antes de verla, y no es una afirmación muy descabellada cuando a los 10 minutos ya te imaginas todo lo que va a pasar. Parece que la industria de cine estadounidense tiene muchas veces buenas ideas en lo referente a lo técnico y luego las desaprovecha con historias que empiezan mal, se dan una serie de altibajos y al final todos acaban comiendo perdices.

Y la que viene a ser llamada como una de las películas estrella de estas Navidades en España (el fin de semana de su estreno en Estados Unidos fue primera en recaudación) no es una excepción. El director Shawn Levy (La pantera Rosa, Noche en el Museo) nos lleva a un fututo cercano para narrarnos la vida de una vieja gloria del boxeo humano –ya extinto- y su relación con un hijo que ha sido desconocido para él hasta los 11 años. Cuando su madre muere el personaje de Hugh Jackman (X-Men, Scoop) se ve obligado a cuidar de él, pero alguien con tantas deudas y que malvive del boxeo robot no puede ser una buena apuesta. De hecho por su temeridad se quedan sin luchadores que puedan pelear y tienen que empezar de cero, desde las peleas clandestinas hasta poder llegar a la cima.

Entonces en un vertedero el niño se encuentra un robot de sparring que no está diseñado para luchar, le hace mágicamente unos arreglos para que entienda voz y copie movimientos y ¡tachán!, ya tenemos película. Pero como no, no puede faltar la chica, en este caso una Evangeline Lilly (Perdidos, En tierra hostil) casi desaparecida en la trama que se limita a darle un par de besos al protagonista y ser la amiga del crío.

Y a fin de cuentas así son todos los personajes, vacíos, no es que actúen mal del todo pero se quedan en la superficie; se pretende que te emocionen pero es imposible que te lo creas. Tampoco puedes pedirle mucho más a esta película que se centra en el aspecto visual. Eso es lo único salvable del film, los efectos especiales. Ver a moles de acero controladas por personas en un ring al más puro estilo de Muhammad Ali o Sugar Ray es algo espectacular, pero decir que el argumento es pasable sería demasiado generoso.

De hecho es hasta ridículo ver al niño (Dakota Goyo) –que por lo demás hace un gran papel- con un corte de pelo a lo Justin Bieber bailar junto al robot Atom con movimientos calcados a aquel antes de cada combate. Después es el turno del padre, que manejando al robot con su voz y movimientos se puede resarcir de la oportunidad que perdió en su juventud. Y así, poco a poco llegan a la final pero por puntos la pierden, aunque el otro robot haya recibido la paliza de su vida y al fin son padre, novia e hijo felices para siempre.

Y perdón si a alguien le he arruinado la película, pero a no ser que te guste utilizar tu tiempo para disfrutar de buenos efectos y pobrísimos argumentos -totalmente respetable-, creo que te he hecho un favor.

El mejor punto: Los efectos especiales, lo único que te mantiene sentado en la butaca.

El peor punto: El argumento. No hay por donde cogerlo: previsible, simple, no creíble y un largo etcétera. Las interpretaciones también dejan bastante que desear.

Puntuación: 1,5/5

 

El gato con botas

Título original: Puss in boots

Año: 2011

Duración: 90 minutos

País: EE.UU.

Género: Animación, Comedia

Estudio: DreamWorks SKG, Paramount Pictures

Sinopsis:

Mucho antes de conocer a Shrek, el notorio espadachín, amante y forajido Gato con Botas se convierte en un héroe cuando emprende una aventura con la dura y curtida Kitty Zarpas Suaves y el astuto Humpty Dumpty para salvar a su pueblo. Esta es la verdadera historia del Gato, del Mito, de la Leyenda…y las Botas.

La crítica de Punto de Encuentro:

Se independiza para triunfar en solitario

Vicente Berná – Crítica.

Porte de galán de cine. Bigotes. Sombrero de ala. Espada. Y un característico par de botas. Con esta carta de presentación es imposible no reconocer de quién estamos hablando… sí, él es “El gato con botas” o “Puss in boots” (me gusta mucho más el título original). El gatito de mirada enternecedora de la saga de “Shrek” se ha independizado del ogro verde y asno para contar su propia historia. El film se nos presenta con una precuela, puesto que se cuenta la vida del felino aventurero antes de aparecer en la vida de Shrek y compañía, por lo que no habrá referencia alguna a la película de la que surgió en un primer momento.

Con este spin-off, Gato pasa a ser el protagonista absoluto de la hora y media de metraje, cuya trama se centra exclusivamente en él como personaje principal sobre el que ocurren una serie de hechos. Dreamworks, la productora de las películas del ogro verde y también de ésta, ha querido aprovechar la gran popularidad del gato más gamberro del cine para explotar un poco más esa serie de películas que tantas alegrías le han dado desde hace un lustro, pese a que las últimas entregas de Shrek hayan sido muy flojas.

“El gato con botas” cuenta como fueron los primeros años de vida del personaje al que pone voz un maravilloso Antonio Banderas, de cómo forjó una personalidad tan marcada, severa y, en muchas ocasiones, chulesca. El film no pretende explotar la vertiente moralista ni aleccional que otras películas de animación persiguen en los últimos tiempos, ya que pretende divertir al espectador y sacarle una sonrisa. Aunque bien es cierto qiue ensalza el valor de la amistad contraponiéndolo a la traición. Tampoco podía faltar el amor, en esta ocasión, con una sútil tensión sexual entre Gato y Kitty Softpaws, donde el roneo (nunca mejor dicho) entre ambos personajes es continuo.

Mención especial merece el doblaje de la pelicula, donde reside gran parte del éxito de la misma. Con un Antonio Banderas entregado a la causa (ha doblado la versión original, la española y la italiana), el gato no podía tener mejor voz, pues si ya nos cautivó en su rol de secundario, en este film, donde es el prota, Banderas consigue explotar al máximo las posibilidades de su voz proyectadas en el felino, pues su dominio del inglés, mezclado con su acento andaluz y la introducción de algunas palabras en español, hacen de su doblaje un trabajo casi perfecto. Sin olvidar el trabajo de Salma Hayek, voz de Kitty Softpaws, y otros personajes, esta es la razón por la que es recomendable ver la peli en versión original.

La película resulta ser ágil, divertida y muy entretenida pese a que el 3D no termina de funcionar, como ocurre en muchos films que optan por grabar con nueva tecnología, ya que no aporta nada en la ejecución del metraje.

“Puss in boots” (ya comenté mi predilección por el título original) es altamente recomendable por los ratos divertidos que hace pasar en la butaca, algo muy necesario en los tiempos que corren.

El mejor punto: el doblaje de Antonio Banderas.

El peor punto: la falta de sorpresa con el 3D.

Puntuación: 3/5

El Verano de Martino

Título original: L´estate di Martino

Año: 2010

Duración: 87 minutos

País: Italia

Género: Drama

Director: Massimo Natale

Sinopsis:

El verano de 1980 fue trágico para Italia. Estuvo marcado por el derribo del avión DC9 en los cielos de Usica en junio, y el atentado terrorista en la estación de tren de Bolonia en agosto: dos trágicos episodios que enmarcan la vida de Martino, un chico de 15 años; de Clark, un capitán del ejército de EE. UU. aficionado al surf; y de Silvia, la novia del hermano de Martino. Estas relaciones paralelas se tejerán alrededor del surf en una hermosa playa jurisdicción de la OTAN. Martino crecerá y aprenderá a conquistar las olas y también el amor, el capitán se enfrentará a los fantasmas de su pasado, y Silvia se enamorará de Martino; cambiando la vida del joven para siempre. La historia de estas amistades se entrelaza con la leyenda de “Dragut”, un príncipe que reta al mar por amor: deberá viajar más allá del arcoiris, a las profundidades del mar, y encontrar la vasija mágica. Si lo logra, el mundo ya nunca volverá a conocer el dolor ni la muerte.

La crítica de Punto de Encuentro:

Soñar no significa olvidar

Laura cervera – Crítica.

El verano de 1980 fue trágico para Italia. Estuvo marcado por el derribo de un avión DC9 en los cielos de Ústica en junio, y el atentado terrorista en la estación de tren de Bolonia en agosto: dos trágicos episodios que enmarcan la vida de Martino, un chico de 15 años; de Clark, un capitán del ejército de EEUU aficionado al surf; y de Silvia, la novia del hermano de Martino.

Estas relaciones paralelas se tejerán alrededor del surf en una hermosa playa jurisdicción de la OTAN. Martino crecerá y aprenderá a conquistar las olas y también el amor, el capitán se enfrentará a los fantasmas de su pasado y Silvia se enamorará de Martino, cambiando la vida del joven para siempre.

La historia de estas amistades se entrelaza con la leyenda de Dragut, un príncipe que reta al mar por amor: deberá viajar más allá del arcoíris, a las profundidades del mar, y encontrar la vasija mágica. Si lo logra, el mundo ya nunca volverá a conocer el dolor ni la muerte.

En esta cinta, estrenada en Italia el año pasado,  Massimo Natale nos presenta su primer largometraje, donde nos ofrece, dada su experiencia en los escenarios, una visión muy teatral del cine. Podría decirse, que la película está prácticamente rodada en un solo escenario y sus alrededores, algo que en ocasiones puede dar una ligera sensación de lentitud en el ritmo del argumento. Sin embargo este director salva constantemente la situación utilizando los cambios- un tanto bruscos- en la temática, utilizando para ello el paralelismo en las relaciones, el surf y la leyenda onírica de Dragut.

La puesta en escena apuesta por un vestuario sencillo, con un par de objetos y atuendos que nos enmarquen en la década de los ochenta. Sin embargo, esta sobriedad es contrarrestada con unos planos totalmente apartados de la doctrina hollywoodiense. Contrapicados, primeros planos, y una especial dedicación a las escenas de surf que traslada al público dentro del mar con la cámara, y que nos regala una magnífica definición del agua, las olas y la espuma. Este tipo de detalles, es la escenografía oculta que el director y su equipo presentan para otorgar luz y vida al film.

Las interpretaciones, tienen su relevancia ya que en el caso de los protagonistas –salvo el Capitán Jeff Clark (Treat Williams) – se trata de actores noveles, que con un diálogo poco fluido, y una gestualidad impecable llenan toda la escena. Aún así, se nota la importancia del veterano en el reparto, que lleva gran parte del peso de la película.

Lo más complicado de la película es el argumento, enredado entre varias historias reales, ficticias y fantásticas. No considero esto un objeto de crítica ya que cada director presenta la visión que la obra le sugiere. Sin embargo no se trata de un argumento simple, y la mezcolanza de historias, así como la base histórica que acarrea, y que no es explicada hasta el final, puede traernos algún quebradero de cabeza en la comprensión del sentido de la obra. No obstante, como en los cuadros más abstractos, esto no es ni mejor ni peor, es simplemente, menos convencional que otras películas a las que estamos más acostumbrados.

La obra, es el resultado del personal homenaje del director a las víctimas del DC9 derribado en junio de 1980 y a las del atentado en la estación de tren de Bolonia en agosto de ese mismo año porque “soñar no significa olvidar”.

Jane Eyre

Título original: Jane Eyre

Año: 2011

Duración: 120 minutos

País: Reino Unido

Género: Drama, Romance

Estudio: A contracorriente Films

Sinopsis:

En esta historia enmarcada en el siglo XIX, Jane Eyre huye súbitamente de Thornfield Hall, la vasta y apartada hacienda donde trabaja como institutriz de Adèle Varens, la niña bajo la custodia del intimidatorio amo de Thornfield, Edward Rochester. La imponente residencia, y la propia naturaleza impresionante de Rochester han puesto dolorosamente a prueba la capacidad de resistencia de la institutriz. Sin otro lugar al que ir, el pastor St John Rivers y su familia la acogen, para Focus Features]. A medida que Jane se recupera en Moor House, el lugar de los Rivers, y mira al pasado, a los tumultuosos hechos que le indujeron a escaparse, Jane no deja de preguntarse si ese pasado llegó a acontecer realmente… A los diez años, la huérfana Jane (a quien da vida Amelia Clarkson) sufre maltratos y, finalmente, la expulsión de su propio hogar cuando niña, Gateshead, por parte de la cruel tía Reed (interpretada por la ganadora del Globo de Oro, Sally Hawkins). Ingresada en el orfanato Lowood, Jane no halla sino más trato rudo, aunque recibe una educación y conoce a Helen Burns (Freya Parks), una niña pobre que impresiona a Jane por su personalidad entrañable y resuelta. Ambas se hacen grandes amigas. Cuando Helen perece a causa de una enfermedad, la pérdida deja a Jane absolutamente desolada, pero le da las fuerzas para resolver cuidarse por sí misma y tomar las decisiones justas en la vida.

La crítica de Punto de Encuentro:

La institutriz rebelde regresa al cine

Roberto C. Rascón. @rcrascon. – Crítica.

Debo comenzar esta crítica realizando una confesión, no he leído Jane Eyre. Tampoco he visto ninguna de las múltiples versiones que se han rodado sobre el clásico de Charlotte Brönte. Una vez reconocida mi ignorancia culpable sobre el original literario (que espero remediar cuanto antes), puedo empezar a valorar esta nueva adaptación dirigida con acierto por Cary Fukunaga.

Grandes directores se han atrevido a hincarle el diente a Jane Eyre. En 1943, Roberto Louis Stevenson estrenó Alma Rebelde con Orson Welles y Joan Fontaine como protagonistas. Delbert Mann, director de Mesas Separadas o Marty, también lo intentó en una producción para la televisión. Ya en la década de los 90, el preciosista Franco Zefirelli ofreció su particular visión sobre la rebelde institutriz. Ahora, es Cary Fukunaga el que acepta el reto y sale fortalecido del envite. Tras una excelente ópera prima (Sin Nombre) en la que nos acercaba el drama de las maras, ahora el realizador californiano cambia de tercio trasladándose al siglo XIX.

A Fukunaga le facilitan la labor un par de actores en estado de gracia, Mia Wasikowska como Jane Eyre, y Michael Fassbender como el Señor Rochester. Los que dudaron del talento de Wasikowska tras su anodina interpretación de Alicia en la película de Tim Burton, empezaron a cambiar de opinión tras su aparición en Los Chicos Están Bien. En esta película, la joven actriz demuestra estar labrándose una ascendente carrera con su portentosa interpretación de Jane Eyre. Vemos a una Jane Eyre madura y valiente, una heroína encerrada en el siglo equivocado. Fassbender es el actor de moda y su nombre suena de cara a los Oscars, aunque no por esta película, sino por Shame. Su Señor Rochester transmite a la perfección esa carcoma interior, producto del terrible secreto que oculta su personaje.

¿Qué esconde Thornfield House? Esta pregunta solo puede hacérsela alguien que, como yo, no ha leído Jane Eyre. Este déficit tiene un efecto positivo a la hora de ver la película, y es que desconocemos el misterio que oculta la sombría mansión. A acrecentar esta sensación de inquietud ayuda sobremanera la fotografía de Adriano Goldman, que capta a la perfección el ambiente gótico que impregna la historia. Para terminar de alabar los aspectos técnicos, cabe destacar la banda sonora de Dario Marianelli (ganador del Oscar por Expiación), utilizada en los momentos adecuados y no como un hilo musical molesto y repetitivo.

Adaptar un clásico y contentar a la legión de seguidores del libro es prácticamente imposible. Más complicado aún cuando se trata de una historia inmortal que ha conquistado a miles de lectores desde su publicación y que funciona ahora igual de bien que hace 150 años. A algunos les parecerá una película demasiado aséptica y falta de pasión, pero esta frialdad que transmite parece más una elección del director que una tara. No podía acabar esta crítica sin mencionar a Judi Dench, y es que siempre es un placer ver a esta dama de la interpretación.

El mejor punto: Los diálogos entre Jane Eyre (Wasikowska) y el Sr. Rochester (Fassbender).

El peor punto: Su frialdad puede perjudicarla de cara al gran público.

Puntuación: 3,5/5

Happy feet 2

Título original: Happy feet 2

Año: 2011

Duración: 100 minutos

País: Australia

Género: Animación, Comedia, Música

Estudio: 20th Century Fox

Sinopsis:

Mumble, el maestro de Tap y su amada Gloria, tienen un problema con su pequeño hijo Erik, que tiene fobia al baile. Un día Erik escapa de su hogar y se encuentra con el poderoso Sven, ¡un pingüino que puede volar!. Mumble no tiene ninguna esperanza de poder competir con un personaje tan carismático, pero las cosas se ponen peor cuando el mundo es sacudido por unas fuerzas poderosas. Erik tendrá entonces que intentar reunir a pingüinos de varias partes del mundo y a todo tipo de criaturas fabulosas como Krill, un gigante elefante marino, para intentar solucionar el problema.

La crítica de Punto de Encuentro:

Lucha por lo que quieres

Raquel Castrejón – Crítica.

Happy Feet 2 se trata de una comedia familiar en la que transporta al público a la lejana Antártida.

Es una película hecha a ordenador con grandes gráficos y con personajes animados representados por animales. Combina el humor, la música y muestra valores importantes en la vida como es la creencia en uno mismo, la lucha contra las adversidades, la solidaridad o la amistad entre otros.

Además se muestra de una manera crítica el problema que hay en la actualidad con el derretimiento de los polos a causa de el cambio climático provocado por la contaminación. Con esto se quiere concienciar y mostrar al público como este problema afecta a animales y como les obliga a luchar para no extinguirse.

Esta película sigue la línea de películas como Madagascar o Buscando a Nemo.

Por tanto decir que es una película recomendable, ya que enseña unos valores que son importante en la vida y los cuales un niño debe conocer y además entretiene y divierte.