Albert Nobbs

Título Original: Albert Nobbs

Año: 2011

Duración: 113 minutos

País: Reino Unido

Género: Drama

Estudio: Trillium Productions, Mockingbird Pictures y Parallel Films

Sinopsis:

Glenn Close (Albert Nobbs) interpreta a una mujer atrapada en un triángulo amoroso inusual. Disfrazada como hombre para poder trabajar y sobrevivir en la Irlanda del siglo XIX, unos 30 años después de adoptar el vestuario de un hombre, se encuentra perdida en una prisión propia.

La crítica de Punto de Encuentro:

La lucha feminista

Yaiza Martel (@YaaiMartel) – Crítica.

Roberto García nos trae a la gran pantalla la adaptación de la obra teatral “The singular life of Albert Nobbs” de Broadway. Glenn Close encarna a Albert Nobbs, una mujer disfrazada de hombre para poder sobrevivir en la sociedad machista del siglo XIX. Con este papel la estadounidense consiguió la nominación de Mejor Actriz en los Globo de Oro de este año.

El filme nos sitúa en un contexto donde las mujeres quedan subordinadas a los hombres en todos los aspectos. La sociedad del siglo XIX presenta a los hombres como dueños del mundo. Mejores puestos de trabajo, vicios alcohólicos y carnales, y desinhibiciones a la hora de actuar es lo que caracteriza a los varones de la época. “Albert Nobbs” nos señala los impedimentos de las mujeres para poder susperarse y ser independientes. A su vez, la lucha femenina en secreto para cambiar la situación.

Otro tema que el largometraje pone en relieve es la homosexualidad. En una sociedad donde las mujeres deben apostar por el hombre con mejor partido, el matrimonio por amor queda utópico y la homosexualidad es mal vista, Albert Nobss (Glenn Close) Hubert (Janet McTeer) y Cathleen (Bronagh Gallagher) deben ingeniárselas para mantener en secreto su condición sexual. Hubert será otra mujer vestida de hombre para poder trabajar y seguir casada con Cathleen. Albert Nobbs verá entonces la posibilidad de cambiar su vida: montar su propio negocio y conseguir el amor de Helen (Mia Wasikowska)

El largometraje consiguió tres nominaciones a los Globo de Oro de 2012: Mejor Actriz (Glenn Close) Mejor Actriz de Reparto (Janet McTeer) y Mejor Canción Original (“Lay your head down”)

El mejor punto: La caracterización y actuación de Glenn Close como hombre; y el destape del tabú homosexual en esa época.

El peor punto: Muchas escenas no aportan información ninguna, por lo que dan lentitud al filme.

Puntuación: 3/5

Arrugas

Título original: Arrugas

Año: 2011

Duración: 80 minutos

País: España

Género: Animación, Drama, Comedia

Estudio: Wanda Films

Sinopsis:

Arrugas narra la amistad entre Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico. Emilio, acaba de llegar a la residencia con un principio de Alzheimer y será ayudado por Miguel y otros compañeros para no acabar en la planta superior de la residencia, el temido piso de los asistidos. Está basado en el aclamado cómic del mismo título del historietista valenciano Paco Roca.

La crítica de Punto de Encuentro:

La vejez y la ternura

Diego Montes – Crítica.

Dicen del Alzheimer que es una suerte de demencia degenerativa. Sin cura y sin posibilidad de mejora, o lo que es lo mismo, irreversible. Se postula entonces como una batalla perdida de antemano para el paciente, de más de 65 años, que acaba dando con sus huesos en una de esas cárceles sin rejas, más o menos acogedoras, llamados asilos. O lo que hoy en día hemos determinado denominar centro asistencial para la tercera edad. O centro de día. Otro de esos honorables eufemismos para esconder la realidad bajo una pátina de redundancia lingüística.

En esa etapa y en la vejez en general basó su cómic el exitoso ilustrador Paco Roca. Y si algo ha hecho que se vendan solo en España más de treinta mil copias, es su forma de acercarse al sufrimiento de manera limpia y tierna, sin un exceso de sensiblería que diluya el mensaje: a saber, los viejos también tienen cosas que contar. Los curtidos rostros de sus protagonistas no derraman ni una sola lágrima, se enfrentan a la enfermedad y el abandono con entereza y dignidad, a pesar de que la oscuridad de la última planta, la de los desahuciados, les vaya abrazando cada vez con más fuerza.

Así ha debutado en el largometraje Ignacio Ferreras, adaptándo la novela gráfica con una fidelidad absoluta, trasladando al celuloide la historia de Emilio y Miguel, dos ancianos en diferentes circunstancias que crean instantáneamente un lazo de amistad como forma de protegerse en un terreno en ocasiones hostil. Y donde algunos pueden ver una historia desoladora sobre la decadencia psicológica, otros presencian Arrugas como un relato optimista que a pesar de las grandes dosis de nostalgia que lleva implícito permite ver las cosas desde el lado positivo. Pero, ¿qué es la vejez sino nostalgia? Nostalgia y deseo de recuperar el tiempo perdido.

El sentido del humor juega un papel fundamental en la película y se utiliza con la delicadeza del que conoce a lo que se enfrenta. Miguel utiliza el sarcasmo como caparazón y el resto de ancianos acaban siendo partícipes de situaciones divertidas que actúan como bálsamo frente a la dureza de lo que estamos presenciando. Además, la excelente música de Nani Garcia nos traslada de sala en sala del geriátrico creando un conjunto de muy bella factura. Una película maravillosa que hace al espectador familiarizado con el tema identificarse con lo que sucede y al inexperto le permite saborear la sutileza y exquisitez de cada escena.

El mejor punto: La manera de acercarse a una enfermedad como el Alzheimer

El peor punto: Su corta duración

Puntuación: 4/5

J. Edgar

Título original: J. Edgar

Año: 2011

Duración: 137 minutos

País: EE.UU.

Género: Biografía, Drama

Estudio: Imagine Entertainment, Warner Bros. Pictures

Sinopsis:

A lo largo de su vida, J.Edgar Hoover llegó a ser el hombre más poderoso de Estados Unidos. Durante sus casi 50 años como director del FBI (Oficina Federal de Investigación), no hubo nada que le impidiera proteger a su país. Hoover sobrevivió a ocho presidentes y a tres guerras, luchando contra amenazas reales e inminentes y saltándose las reglas a menudo con el fin de mantener a salvo a sus compatriotas. Sus métodos eran tan despiadados como heroicos, siendo la admiración del mundo su premio más codiciado y a la vez el más difícil de alcanzar. Hoover era un hombre que daba mucha importancia a los secretos, especialmente a los de los demás, y que no temía usar esa información para ejercer autoridad sobre las figuras líderes de la nación. Comprendiendo que el conocimiento es poder y que el miedo representa oportunidad, utilizó ambos elementos para ganar una influencia sin precedentes y construirse una reputación que era tan formidable como intocable. Preservaba su vida privada igual que la pública, permitiendo solo a unos cuantos formar parte de su pequeño y custodiado círculo de confianza. Su compañero más cercano, Clyde Tolson, también era su amigo más fiel. Su secretaria, Helen Gandy, quizá la persona que mejor conocía sus planes, fue leal hasta el final y más allá. Únicamente le abandonó su madre, quien fue su inspiración y su conciencia, y cuya muerte destrozó a un hijo que siempre buscó su amor y su aprobación. A través de los ojos del propio Hoover, J. Edgar explora la vida y las relaciones públicas y privadas de un hombre que podía distorsionar la verdad con la misma facilidad con la que la defendió durante una vida dedicada a su propia idea de la justicia, a menudo dominada por el lado más oscuro del poder.

La crítica de Punto de Encuentro:

¿Un dictador encubierto?

Vicente Berná – Crítica.

No era sencilla la tarea que el maestro Clint Eastwood tenía por delante a la hora de narrar la vida del que será recordado como uno de los hombres más influyentes de la historia de EE.UU. Pues la vida del que fuera fundador del FBI, John Edgar Hoover, fue demasiado compleja y oscura como para abordarla de cualquier manera y ‘sobre puntillas’, algo en lo que no ha caído Eastwood, que nos dibuja un fiel y crudo retrato de un personaje al que nos presenta como el ‘único dictador de EE.UU.’

Después de ver sus dos últimas películas, Invictus y Más allá de la vida, temíamos haber perdido para siempre al hombre que mejor ha sabido retratar a la sociedad estadounidense a lo largo del siglo XX, desde Sin Perdón hasta la aclamada Gran Torino. En cambio, el realizador norteamericano nos confirma con su último film que sigue conservando ese talento innato para camuflarse e indagar en los diferentes géneros cinematográficos, ofreciéndonos un biopic en el que nos presenta a un J. Edgar Hoover ambicioso, capaz de cualquier cosa para conseguir lo que se propone. Y es que un hombre que consiguió llevar a cabo sus planes pese a enfrentarse y ‘coexistir’ con ocho presidentes del gobierno estadounidense, tuvo que ser muy astuto y dotarse de grandes ‘armas’ para que nadie lo revocase de su puesto. Y entre éstas se encuentran sus archivos secretos, que jamás verían la luz, en los que guardaba información comprometida de las figuras más importantes del país, algo que podemos observar cuando recibe una amenaza por parte de Bobby Kennedy a lo que Hoover responde con una advertencia: sacar a la luz la historia de John F. Kennedy con una señorita. O, también, cuando, junto con su más fiel ayudante, Clyde Tolson, se ríe de las cartas de amor existentes entre la señora Roosevelt y su joven amante femenina.

Pero la película de Eastwood puede resultar un tanto incómoda, también,  para el ala conservadora/republicana de EE.UU. puesto que existe cierta similitud en la manera de actuar entre el protagonista del film, Hoover, y George Bush. Esto se evidencia en dos momentos muy marcados  del film:  uno cuando el ex-director del FBI  es testigo de un atentado terrorista (clara referencia a lo que pasó aquel fatídico 11 de septiembre) y, también, el momento en el que afirma, y aquí Eastwood sútilmente azota al que fuera presidente de los EE.UU., que ‘una sociedad que no está dispuesta a aprender de su pasado está condenada’.

Esto sirve como preámbulo para plasmar el carácter arrogante y anticomunista que Hoover va forjando a lo largo de su vida, pues ésta se resumirá en una lucha constante contra comunistas, activistas y negros, esto último plasmado en el momento en el que intenta boicotear el nombramiento de Martin Luther King como Premio Nobel de la Paz, al que amenenaza con destapar su historia con una jovencísima mujer. Su arrogancia queda patente en su trabajo, donde es meticuloso y desconfiado hasta límites insospechados, al tiempo que muestra una total ‘indiferencia’ hacia las relaciones personales.

Y es en este punto, donde Eastwood une lo profesional con lo personal, ya que esa marcada personalidad del protagonista tiene un claro motivo: la represión de sus sentimiento. La vida de Hoover cambió en el momento en el que vio aparecer en su despacho al señor Clyde Tolson, su fiel compañero (de todo, menos de cama) hasta el último día de su vida y del que se supone estuvo enamorado siempre. El sentimiento tan fuerte hacia su amigo lo atormentaba, ya que no había sido educado para amar a un hombre, pues su madre llegó a confesarle en una ocasión que prefería un hijo muerto a un narciso vivo. Pero Eastwood sabe abordar esta historia ‘prohibida’ de una manera muy sútil pero evidente al mismo tiempo, dejando que ésta sea vista a través de pequeños gestos y palabras.

Eastwood ha querido plasmar las grandezas y miserias de este personaje a partes iguales, sin dejar nada en la recámara. Para ello, se ha rodeado de uno de los mejores actores que existen en Hollywood, Leonardo DiCaprio. El niño mimado de Martin Scorsese nos brinda otra espectacular interpretación, demostrando que, cada día, va creciendo un poco más. Pese a que muchos intenten estigmatizarlo por el papel que lo lanzó a la fama, recordemos a su Jack en Titanic, Dicaprio ha crecido y sabe dar el punto exacto de veracidad a cada uno de los personajes que interpreta.

El mejor punto: El peso interpretativo de Leonardo DiCaprio durante todo el film, ayudado por grandes secundarios.

El peor punto: Que alguien pueda ir con una idea equivocada de lo que van a ver.

Puntuación: 4’5/5

Bajo amenaza

Título original: Trespass

Año: 2011

Duración: 91 minutos

País: EE.UU.

Género: Drama, Suspense, Crimen

Estudio: Aurum Producciones, Millennium Films

Sinopsis:

Un matrimonio es brutalmente asaltado en su casa por un grupo de criminales que los toma como rehenes con la intención de dar un gran golpe. La situación se irá complicando por momentos a medida que se descubren traiciones y engaños…

La crítica de Punto de Encuentro:

De muerte por agotamiento del cine de siempre

Fernando Prieto – Crítica.

Se puede afirmar que las grandes estrellas del cine aseguran –o por lo menos favorecen- los taquillazos, pero eso no es sinónimo de que la calidad también vaya acompañada de de ellas.

En este caso, Trespass cuenta con las dos grandes bazas que suponen Nicole Kidman (Óscar como mejor actriz principal por Las Horas; La intérprete) y Nicolas Cage (Óscar como mejor actor principal por Leaving las Vegas; 60 segundos), pero la calidad de la película que dirige Joel Schumacher (Última llamada; Batman forever) es inversamente proporcional a la fama de sus actores.

Personalmente nunca he encontrado especialmente dignas de mención la mayoría de las actuaciones de ellos dos, especialmente las del californiano, -con unas interpretaciones en mi opinión muy parecidas- y esta ocasión no es una excepción.

Dicho esto, también hay que decir que el guión no les ayuda precisamente a lucirse; unos secuestradores retienen a un matrimonio y a su hija hasta abrir una caja fuerte y darles lo que quieren, es una situación muy tensa que les lleva a hacer cosas nunca pensadas, pero que les ayudará a solucionar sus problemas y quererse como una familia feliz.

No hay por donde coger esta película, es insípida, aburrida, llena de tópicos y tan predecible que el calificativo de thriller es insultante.

Lo que pretenden ser sorpresas espectaculares son más de lo mismo, nada que te haga pensar en un final diferente que te puedes imaginar tan solo viendo los carteles publicitarios por la calle.

Los personajes, las actuaciones, los diálogos, la violencia, en conclusión, todo es más de lo mismo, no es aceptable ni como película de acción.

El mejor punto: Las escenas de acción pueden llegar a ser salvables.

El peor punto: El guión en su totalidad.

Puntuación: 0,75/5

Underworld: El despertar

Título original: Underworld 4: Awakening

Año: 2012

Duración: minutos

País: EE.UU.

Género: Fantasía, Acción, Terror

Estudio: Screen Gems, Sony Pictures Releasing

Sinopsis:

Quince años han pasado desde que Selene y su amante Michael, híbrido entre humano y licántropo, derrotaran al Vampiro Mayor Marcus en Underworld Evolution. En esos años la humanidad ha descubierto la existencia tanto del clan de los vampiros como del de los licántropos y se ha lanzado a una lucha encarnizada para erradicar ambas especies. Selene, capturada durante el genocidio, se despierta después de más de una década y se da cuenta de que se encuentra cautiva en un laboratorio herméticamente cerrado en Antigen, una poderosa corporación biotecnológica que se dedica a desarrollar la vacuna en contra de los virus que han creado a vampiros y licántropos. Selene se siente destrozada cuando descubre que Michael está muerto, pero su dolor es eclipsado por el descubrimiento de que mientras se hallaba en estado de criogenización ha dado a luz a la hija de ambos, Eve (India Eisley). Mientras busca asilo para ella y su hija, Selene se encuentra con que el mundo en el que su raza se alzara orgullosa ya no existe y que su gente ha sido perseguida hasta el borde de la extinción y que los pocos supervivientes se ocultan bajo tierra. Rechazada por los clanes que aún quedan, Selene se enlista para apoyar a un joven vampiro, David (Theo James), quien se une a ella en su sangrienta venganza contra Antigen, donde oscuras fuerzas conspiran para destruirla tanto a ella como a su hija. Con sus tradicionales enemigos, los licántropos, otra vez en ascenso, incluso Selene parece no tener el poder suficiente para hacer frente a su más poderoso oponente en toda la historia de Underworld: un super licántropo alterado genéticamente.

La crítica de Punto de Encuentro:

Aún tras el coma, Selene no perdona

Fernando Prieto – Crítica.

Vampiros y hombres-lobo han sido siempre una fuente inagotable para la literatura y el cine, pero estos últimos años este género ha ido subiendo como la espuma, y la cuarta entrega de la saga Underworld es un nuevo ejemplo de ello; pero esta no es una de esas películas en las que los personajes se matan por amor y se disparan besos, aquí lo que se respira es odio y las balas son de plata.

Underworld: Awakening como son las tres anteriores partes, es una película de acción. Aquí no importan los diálogos o que la historia sea muy enrevesada, hay que matar, y cuanto más espectacular sea, mejor.

Para ello ayuda y mucho la técnica del 3D. Desde el minuto 1 quedas totalmente embelesado con la realidad del oscuro mundo que nos muestran los directores Bjorn Stein y  Mans Marlind y acción, violencia y sangre se funden en una realidad llena de sombras que te hace olvidar cualquier aspecto aparte y te hace disfrutar.

Se le puede acusar de tener un pobre argumento o de ser repetitiva, pero el film no busca hacerte pensar o hacerte mejor persona sino entretener, y lo consigue.

El mejor punto: El 3D. Muy conseguido y con muy buen resultado.

El peor punto: Argumento muy poco elaborado.

Puntuación: 3/5

El monje

Título original: Le moine

Año: 2010

Duración: 101 minutos

País: Francia

Género: Aventura, Historia

Estudio: Vértice Cine

Sinopsis:

Abandonado en su nacimiento a las puertas del Convento de los Capuchinos, Ambrosio (Vincent Cassel) es educado por los Hermanos. Se convierte en un predicador admirado por su fervor y temido por su intransigencia, él se cree protegido y libre de toda tentación. La llegada de un misterioso novicio removerá sus certezas y le llevará por el camino del pecado.

Popieluszko: La libertad está en nosotros

Título original: Popieluszko: Wolnosc jest w nas

Año: 2009

Duración: 180 minutos

País: Polonia

Género: Drama, Historia

Estudio: Focus Features

Sinopsis:

POPIEŁUSZKO es una historia épica sobre la vida y martirio del padre Jerzy Popiełuszko, héroe del movimiento SOLIDARNOŚĆ (Solidaridad), que fue brutalmente asesinado por los servicios de seguridad del gobierno regente polaco en octubre de 1984. En la película, vista por más de 1,3 millones de personas en su país, también se reflejan los vertiginosos días de SOLIDARNOŚĆ, así como la situación política de la Polonia de los años 80. Considerado como un héroe por el pueblo polaco, fue beatificado el 6 de junio de 2010 en Varsovia.

Los descendientes

Título original: The descendants

Año: 2011

Duración: 115 minutos

País: EE.UU.

Género: Comedia, Drama

Estudio: 20th Century Fox

Sinopsis:

Matt King (George Clooney), casado y padre de dos niñas, se ve obligado a reconsiderar su pasado y a encauzar su futuro cuando su mujer sufre un terrible accidente de barco en Waikiki. Matt intenta torpemente recomponer la relación con sus hijas –la precoz Scottie, de 10 años (Amara Miller), y la rebelde Alexandra, de 17 (Shailene Woodley)–, al mismo tiempo que se enfrenta a la difícil decisión de vender las tierras de la familia. Herencia de la unión entre la realeza hawaiana y los misioneros, los King poseen algunas de las últimas zonas vírgenes de playa tropical de las islas, de un valor incalculable.

La crítica de Punto de Encuentro:

Reír por no llorar o llorar por no reír

Punto de Encuentro – Crítica.

Los descendientes nos transporta a un Hawai donde no todo es paradisiaco. Nos encontramos ante otro ser perdido, que tendrá que luchar para comprender cuál es su hueco en el mundo. El personaje, Matt King (George Clooney), es un tipo corriente que se ha dejado vencer y que vive una vida que no le interesa, incapaz de tomar decisiones.

La película, adaptación del relato de Kaui Hart Hemmings, nos cuenta la historia de un abogado que vive con su familia en Hawai. Por un accidente, su esposa Elizabeth (Patricia Hastie) queda en coma, y Matt deberá ejercer por primera vez en su vida de padre de familia. Sus dos hijas, Alex (Shailene Woodley) y Scottie (Amara Miller), muy conflictivas, no se lo pondrán nada fácil.

El director empuja en todo momento al espectador a una marcha entre la risa y el llanto. Un perfecto equilibrio tragicómico generado por la gran empatía que se consigue con el personaje. Los descendientes habla del viaje interior de un marido que tiene que enfrentarse a la desdicha y al engaño, y de un padre que intentará recuperar el amor de sus hijas. Todo ello aunado  en el personaje encarado por George Clooney, que ha hecho el papel de su vida, interpretando un despliegue emocional tan dramático como cómico.

La cinta ya se ha alzado con los Globos de Oro de “Mejor película drama” y “Mejor actor” para George Clooney (estaba nominada también en las categorías de “Mejor director”, “Mejor guión” y “Mejor actriz de reparto” (Sahilene Woodley). En las nominaciones de los premios Bafta también se está presente como “Mejor película”, “Mejor actor” y “Mejor guión adaptado”, por no mencionar otros premios del cine en los que también Los descendientes es una firme candidata. Veremos a ver qué pasa en los Oscar, desde luego, llevarse la estatuilla a casa sería un reconocimiento muy merecido.

Bunraku

Título original: Bunraku

Año: 2010

Duración: 118 minutos

País: EE.UU.

Género: Acción, Drama, Fantasía

Estudio: TriPictures

Sinopsis:

En un mundo sin armas de fuego, un misterioso vagabundo (Josh Hartnett) llega a una extraña ciudad en la que sus habitantes viven aterrorizados por el despiadado Nicola (Ron Perlman) y su ejército de matones, encabezados por nueve asesinos mortales entre los que destaca el cruel Asesino nº 2 (Kevin McKidd). El vagabundo se ve forzado a confiar en un joven samurai (la súper estrella japonesa Gackt), que busca restablecer el honor de su familia, y en el dueño del bar de la ciudad (Woody Harrelson) que ha estado esperando reunir a un equipo para acabar con el tiránico régimen de Nicola.

La crítica de Punto de Encuentro:

Para gente con imaginación

Laura Cervera – Crítica.

El tercer trabajo del director Guy Moshe nos muestra una fusión del género Western con  las películas de samuráis, y algunos tintes propios de los comics y de los videojuegos. La película se desarrolla en un panorama futurista, pero con un decorado que rememora el bunraku -marionetas japonesas de gran tamaño controladas  en un escenario por titiriteros de negro-.   Consigue trasladar al espectador a un mundo en el que el  paisaje simula aquellos cuentos  cuyo contenido se despliega al abrir la página, y tal teatralidad es acompañada, como ocurre con las marionetas, por un narrador que describe la situación y nos introduce a cada personaje.

La violencia tampoco falta en el largometraje, aunque de una manera menos explícita y más figurada.  En este campo juega con los protagonistas y  las características típicas de cada uno de sus géneros.

Sin duda alguna la combinación resulta un regalo para los amantes de estos estilos cinematográficos,  y los efectos visuales , empleados para crear ese mundo aparentemente de papel y cartón, son toda una innovación; pero esta magia es un arma de doble filo que puede crear el disgusto de los poco aficionados a ellos, o de los poco atraídos por su corte futurista.

La crítica de la película se resume en una frase enunciada por el dueño del bar: “Bunraku no es para niños, es para gente con imaginación”.

Silencio en la nieve

Título original: Silencio en la nieve

Año: 2012

Duración: 114 minutos

País: España

Género: Drama, Historia

Estudio: Alta Films

Sinopsis:

Frente de Rusia, invierno de 1943. Un batallón de la División Azul se topa con una serie de cabezas de caballos esparcidas sobre la superficie congelada de un lago. Los cuerpos están sumergidos bajo el hielo. Junto a uno de los caballos, el cadáver de un soldado español. Un tajo le atraviesa el cuello de lado a lado, y en el pecho tiene una inscripción grabada a cuchillo: “Mira que te mira Dios”. Los mandos encargan la investigación al soldado Arturo Andrade (Juan Diego Botto) exinspector de la policía, que asume la tarea con rigor y profesionalidad, ayudado por el sargento Espinosa (Carmelo Gómez). Ambos pronto descubren que detrás de este asesinato se oculta una perversa venganza, que se remonta a agravios acontecidos en el pasado, y que no parece que se vaya a detener en un único cadáver. Nadie está libre de sospecha ni nadie puede sentirse seguro. Y así, en medio de la cruel contienda, se inicia la caza del asesino, una búsqueda donde hasta el final no descubriremos quién es el cazador y quién el cazado.

La crítica de Punto de Encuentro:

Cómo encontrar a un asesino en medio de una guerra

Lorena Rojo @lorensia_rr – Crítica.

Gerardo Herrero nos presenta thriller de suspense enmarcado en la segunda guerra mundial. En el frente de Rusia en 1943, un grupo de soldados de la División Azul se encuentran paseando cuando uno de ellos, Arturo Andrade (Juan Diego Botto), se topa con un cadáver de un español. Un tajo le atraviesa el cuello de lado a lado, y en el pecho tiene una inscripción grabada a cuchillo: “Mira que te mira Dios”. Los altos cargos  le encargan la investigación con la ayuda del sargento Estrada (Carmelo Gómez) Y aquí empieza la paradoja: los dos tendrán que descubrir quién es el asesino en serie, en medio de una guerra en la que cada día mueren compañeros en el frente.

Silencio en la nieve es una adaptación de la novela El tiempo de los emperadores extraños, de Ignacio del Valle, aunque tiene un final diferente. Para realizar la película, hubo un proceso de documentación previo en el que no faltaron charlas con antiguos divisionarios. El director asegura que muchas escenas, han sido creadas a partir de fotografías reales de la época. La película tiene muchas lecturas: por un lado está el contexto histórico de la segunda guerra mundial, y en especial el estilo de vida que tenían los integrantes de la División Azul. Y, por otro lado, está el objetivo de los dos protagonistas: encontrar a un asesino en serie, y las razones que le han llevado a cometer esos crímenes en los que la venganza y la sospecha están muy presentes.

Una de las cosas más sorprendentes de la cinta es la calidad de la fotografía y los actores. Juan Diego Botto y Carmelo Gómez, además de todo el elenco secundario, muestran una gran compenetración. Merece la pena disfrutar de los paisajes, y descubrir algunas de las situaciones a las que se tuvieron que enfrentar los soldados, como no entender el idioma de los demás. El director ha querido que el espectador se sienta identificado con este asunto, y no ha incluido subtítulos en ningún momento, pero no sólo se habla español. También señala que no pretende lanzar ninguna ideología, y que ningún personaje es malo o bueno por ser de un bando o de otro.

Hay que señalar que los tanques que aparecen, así como el vestuario, son reales. El espectador que asista a ver Silencio en la nieve, descubrirá un momento de la etapa histórica que no se ha explorado en el cine, mientras se entretiene averiguando quién es el culpable de varios asesinatos.

El mejor punto: La primera escena en la que aparecen varios caballos congelados.

El peor punto: Se centra más en una investigación, la historia aparece de fondo.

Puntuación: 4/5

Jack y su gemela

Título original: Jack & Jill

Año: 2011

Duración: 91 minutos

País: EE.UU.

Género: Comedia

Estudio: Columbia Pictures, Sony Pictures Releasing

Sinopsis:

Jack tiene una vida casi perfecta, salvo un molesto detalle: su hermana gemela Jill. Todos los años por Acción de Gracias tiene que soportar su asfixiante visita, durante la cual la vida de Jack acaba patas arriba. Lo que se suponía que iba a ser sólo un fin de semana se alargara a un mes, y con ello los hermanos comenzarán a tomarse el pelo, a reñir y a discutir como sólo los gemelos son capaces. Como parece que Jill nunca se va a marchar de su vida, Jack se inventa todo tipo de estratagemas para intentar conseguir que Jill vuelva al lugar donde a él más le gustaría que estuviera: la otra punta del país.

La crítica de Punto de Encuentro

Cuando dos son multitud

Fernando Prieto – Crítica.

Adam Sandler (Click; Sígueme el Rollo), es uno de los grandes cómicos de Estados Unidos de la actualidad le pese a quien le pese, y esta vez presenta de la mano del director Dennis Dugan Jack y su gemela, largometraje que protagoniza por partida doble, consiguiendo una caracterización bipolar bastante lograda haciéndote olvidar que los gemelos son la misma persona.

El personaje de Jill está exagerado hasta un extremo que alcanza la vergüenza ajena, es una solterona histérica que necesita de su serio hermano Jack y su familia para recomponer su vida tras las muerte de la madre de ambos, y lo que en un principio era una breve visita se acaba convirtiendo en una larga estancia, provocando todo tipo de situaciones grotescas utilizando un humor muy poco sutil, obsceno a veces, que puede llegar a hacer sentir al espectador que su inteligencia ha sido insultada.

Pero obviamente, esta no es una de esas películas para pensar, sino para hacer reír a los pequeños de la familia mientras se atiborran de palomitas. En total son más de 90 minutos en los que el bueno de Adam intenta hacer reír al espectador de una u otra manera (tirando más de la broma fácil que del ingenio) y a veces lo consigue. Otros dos elementos son clave en la película: el despliegue de medios y numerosos cameos de actores y famosos:

La parte final por ejemplo se desarrolla en un gran crucero por Europa, mientras que al inicio se celebra un partido de los Lakers en su estadio con un Kobe Bryant bien reconocible y como público Johnny Depp y Al Pacino, el cual se interpreta a sí mismo en el film, con una locura y un egocentrismo superlativos, tratando de enamorar por todos los medios a la protagonista, su actuación; de lo mejor de la película. A ellos se le suman personajes como el exjugador de NBA Shaquille O´Neal o el famoso extenista John Mcenroe, entre otros.

¿Y qué lugar ocupa Santiago Segura en la historia? Los constantes anuncios de su aparición en Jack and Jill acaban resultando finalmente en un pequeño papel poco importante en la trama, con un personaje con un cierto aire a Torrente.

“Acababa de rodar Torrente  y mandé la prueba disfrazado de él”, cuenta en la rueda de prensa posterior al preestreno; “la peluca les pareció cachondísima, les encanto” asegura, mientras contesta que le parece absurdo que le encasillaran en Hollywood, “ya que ni siquiera se ha estrenado allí”, zanja con tono serio, una excepción a un ambiente presidido por su habitual cachondeo. “Tenía que haber pagado yo para estar allí”, asevera el actor cuando le preguntan por lo cobrado. En cuanto a Sandler, no tuvo más que elogios: “Es uno de mis cómicos favoritos; me encanta su cine”, con el que se sintió además identificado en muchos aspectos, como en las apariciones de famosos y amigos.

También tuvo palabras para la Academia del Cine, afirmando que es triste que Torrente 4 no haya recibido ninguna nominación para los premios Goya, ni siquiera en el aspecto técnico: “Es un trabajo que hace industria, no nominar a la película con una candidatura me parece una especie de desprecio”, pero asegura que no va abandonar la Academia, “más que nada porque nadie me va a pedir que vuelva”, añade quitándole hierro al asunto.

Segura interpreta a un cutre latin lover gigoló que a duras penas habla en inglés en Jack y su gemela, que se estrena hoy en nuestros cines. Si quiere poner el cerebro en modo off y soltar alguna carcajada con el humor de risa fácil del que hace gala el filme, no se lo piense y compre su entrada, pero no se queje si sus expectativas eran mayores.

El mejor punto: Los cameos y la actuación de Al Pacino.

El peor punto: Humor simple y obsceno en ocasiones: escatológico, violento, gracieta fácil en definitiva.

Puntuación: 2,5/5

Oro negro

Título original: Black Gold

Año: 2012

Duración: 82 minutos.

País: Francia

Género: Aventura, Drama

Estudio: Universal Pictures

Sinopsis:

Principios del siglo XX, Arabia. Bajo el implacable cielo del desierto, dos jefes tribales se declaran la guerra y se enfrentan. Los cuerpos de sus guerreros quedan esparcidos por el campo de batalla. Nesib, emir de Hobeika, es el vencedor e impone las condiciones a su rival Amar, sultán de Salmaah. Aceptan no intentar hacerse con la tierra de nadie que separa los dos reinos, conocida como Franja Amarilla. Como garantía, y de acuerdo con las leyes tribales de entonces, Nesib “adoptará” o, mejor dicho, se llevará como rehenes a los dos hijos de Amar, llamados Saleeh y Auda. Pasan los años, y Saleeh, que es un guerrero nato, se muere de ganas de escapar de la jaula dorada en la que está encerrado y regresar a las tierras de su padre. Sin embargo, a Auda solo le importan los libros y el conocimiento.

Un día, llega un empresario de Texas para ver a Nesib, y le cuenta al emir que hay petróleo en sus tierras. Le promete riquezas que van mucho más allá de lo que pueda imaginar. Nesib ya ve un reino con carreteras, escuelas y hospitales construidos gracias al oro negro escondido debajo de la arena. Pero hay un problema: el petróleo está en la Franja Amarilla. Saleeh muere en su intento de escapar y volver al reino de su padre. El joven Auda deberá encargarse de negociar una paz duradera entre el sultán y el emir. Nesib decide casar a su bella hija, la princesa Leyla, con Auda. Aunque la unión es una treta política de la que se sirve Nesib para no verse obligado a respetar el tratado de paz que pactó con Amar, para Auda y para Leyla simboliza un nuevo comienzo, la consagración del amor que sienten desde su infancia y la posibilidad de transformar el mundo que les rodea. Auda parte hacia Salmaah en calidad de emisario pacífico. Al reunirse con su padre Amar, descubre otra vida basada en la devoción, la piedad y la humildad. Su padre le propone una tarea casi imposible: cruzar el terrible desierto de la Casa de Alá en compañía de su medio hermano Ali y una banda de ladrones desarrapados que servirá de señuelo. Amar quiere engañar a Nesib para tener el tiempo suficiente de movilizar a un ejército y conquistar el reino de Hobeika. Durante ese periplo, en el que Auda deberá librar numerosas batallas contra tribus y clanes rivales, además de liberar a la bella esclava Aisha, se transformará de amante de los libros en líder de hombres. Ha llegado el momento del último enfrentamiento para hacerse con el control de la Franja Amarilla, de los dos reinos y, sobre todo, del futuro.

Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres

Tí­tulo original: The girl with the dragon tattoo

Año: 2011

Duración: 158 minutos

Paí­s: Estados Unidos, Suecia, Reino Unido, Alemania.

Género: Drama, Suspense

Estudio: Columbia Pictures

Sinopsis:

Mikael Blomvkist es un periodista sentenciado por difamar al empresario Hans-Erik Wennerström en su revista, Millennium. En esta situación, recibe el encargo de Henrik Vanger, ex director de Empresas Vanger, para que se traslade a Hedestad para investigar la desaparición de su sobrina, Harriet Vanger, hace casi cuarenta años, por lo que vive  obsesionado con resolver el caso. Cuando llega a un punto muerto de la investigación, recibe la ayuda inesperada de Lisbeth Salander, una investigadora privada nada usual, incontrolable, tatuada y con piercings, que le permitirá llegar hasta el fondo del tema.

La crí­tica de Punto de Encuentro:

Rooney Mara, una hacker antihombres en potencia

Jon Burgoa. @Jon_Burgoa – Crítica.

Hollywood no podía pasar la ocasión de versionar uno de los best seller más rentables de los últimos años, la saga Millennium, del fallecido escritor Stieg Larsson. Si la versión sueca dio con el agrado de muchos, en Los Angeles esperaban conseguir algo mejor con mucho más presupuesto en la gran pantalla. Y para ello, un valor seguro; o, al menos, era lo que tenían en mente poniendo al frente de dicho proyecto al último ganador del Globo de Oro al mejor director, David Fincher, por ‘The Social Network’. Su sello personal se nota.

Una película sobre el mal, la violencia y el poder. A pesar de ser una historia con mucha trama, no se consigue un ritmo atrapante en todo lo que dura la película. El ritmo decae en ciertos momentos, y el continuo vaivén de información sobre la familia Vanger, si no se conoce de antes el libro, puede errar al espectador; aunque la historia tiene un buen comienzo argumental, lo que permite enganchar de primeras. Algunos puntos, como el incidente del puente, tienen una mejor recreación que la primera versión, así como los últimos minutos.

En cuanto a los créditos iniciales, cabe pensar en la aportación del director, David Fincher, a esta parte, ya que en sus comienzos fue director de videoclips. Más propio de una película de James Bond que de otra cosa, en la que discurre algo viscoso, petróleo quizá, versionando un clásico de Led Zeppelin, ‘Immigrant Song’, de la mano de Trent Reznor y Atticus Ross, galardonados el pasado año con el Oscar a la mejor banda sonora por ‘The Social Network’.

No obstante, hay que decirlo, es otro trabajo comercial como ‘El curioso caso de Benjamin Button’. Que se olvide el espectador encontrar al mismo Fincher que deslumbró con su anterior película, con ‘El club de la lucha’ o con ‘Se7en’, aunque contar con Steven Zaillian, guionista de ‘La lista de Schindler’, le dará el caché más que necesario. De por sí, cuentan con el aval necesario, han llevado al cine una buena historia.

Uno de los pilares fundamentales son sus protagonistas. Daniel Craig, que interpreta a Mikael Blomkvist, periodista de Millennium, cercado por el poder y que ve en los Vanger una vía para escapar de ese ahogo mediático. Tenemos muy metidos la idea del actual James Bond, y es imposible no hacer comparaciones. Mucho más formal, pero con carácter y violencia, acompañado –y solapado– por una peculiar “chica Bond”, Rooney Mara, que encarna a Lisbeth Salander. Una actriz joven y desconocida para muchos, pero un valor seguro para David Fincher. Desde su primera aparición, ya se aprecia esa energía especial que desprende. Ha conseguido, de matrícula, meterse en la piel de Salander, una hacker arisca, independiente y hermética. Mitad gótica, mitad emo; que muestra apatía hacia el sexo masculino, empezando por su padre y acabando por su último tutor, y lleva una vida muy compleja, cubierta de piercings y tatuajes, cicatrices de un pasado doloroso.

Si la gente responde a la llamada de ‘Millennium’, es muy probable que Columbia Pictures se plantee rodar las dos entregas restantes de esta trilogía, nuevamente con Fincher, Craig y Mara. Por el momento, hay que esperar a su papel en la 69ª edición de los Globos de Oro, a los que está nominada en dos categorías: mejor actriz – drama (Rooney Mara) y mejor banda sonora (Trent Reznor y Atticus Ross).

El mejor punto: Los créditos iniciales y la actuación de Rooney Mara.

El peor punto: El ritmo falla en ciertos momentos.

Puntuación: 4/5.

La chispa de la vida

La crítica de Punto de Encuentro

Alex de la Iglesia nos engaña

David Redondo (Dr_Redons) – Crítica.

Vuelve Alex de la Iglesia, pero nos cuenta algo que vemos cada día y no queremos mirar. Alex nos engaña. Sabemos que es el director del humor negro, mordaz. Nos presenta una película protagonizada por un singular humorista, José Mota, lo que contribuye a pensar que nos encontraremos más de lo mismo. Que nos encontraremos más ‘Dias de la Bestia’, más ‘800 balas’, más ‘La Comunidad.’…

Pero en ‘La chispa de la vida’, Alex nos engaña. Nos mete en la sala con la pretensión de ver lo que se le ha ocurrido a este loco director vasco y salimos de ahí compungidos, con un nudo en la garganta y con la esperanza de que en este mundo existen personas para las cuales no todo es el dinero, como es el personaje interpretado por Salma Hayek. Sí, Salma Hayek. Alex también debió engañarla a ella… porque como bien ha dicho el cineasta, la estrella de Hollywood se ha puesto a sus órdenes rebajando muchísimo su caché. Sólo porque le apetecía hacer una película así.

Y ‘La chispa de la vida’ es una gran película. Posiblemente la mejor del realizador. Una película que nos presenta un tema candente y rabiosamente actual: el del paro en una persona de más de 40 años. Una persona, Roberto interpretado por José Mota- cuyo drama no sólo es no tener trabajo y no poder hacer frente a los muchos pagos… si no saber que no va a encontrar trabajo por más que busque. Una persona que se levanta cada día, como ha hecho durante los últimos veinte años de su vida y ya no tiene nada que hacer. Que va de despacho en despacho pidiendo por favor que lo reciban para entregar su currículum… Un publicista en paro que en su día ideó el famoso eslogan de la Coca Cola: “La chispa de la vida” y que ahora tiene que recordar a quien trabajó con él y fue su amigo que “yo soy bueno y lo sabes”
para intentar conseguir un trabajo parcial.

Salma interpreta a su esposa, Luisa. Esa esposa que cada día le dice que todo saldrá bien, que todo se va a solucionar. Luisa es el espíritu de Roberto, su fuerza, su esperanza. Lo que le permite cada día levantarse y arrastrarse por los despachos pidiendo trabajo.

En la búsqueda de esa esperanza y cuando Roberto ya la ha perdido, viaja a Cartagena. Viaja para buscar el hotel donde tan felices momentos pasó con Luisa en la luna de miel. Allí ya no está el hotel. Allí hay un teatro romano hallado hace unos años en cuya presentación a los medios Roberto sufrirá un accidente que desencadenará toda la trama y toda la brillantez de
Alex de la Iglesia.

Basada en el excelente guión de Randy Feldman, la película tiene por todos lados la mano de De La Iglesia. Magistral la idea de cambiar el edifico en obras en el que Roberto sufre el accidente –así estaba en el guión original-por un teatro romano. Esto, así lo confiesa su director- le permite crear dos personajes que, a su vez, simbolizan dos mundo: el alcalde de Cartagena (Juan Luis Galiardo) y la directora del museo del teatro romano hallado (Blanca Portillo). Ambos representan los intereses del mundo de la política y de la cultura. Alex pone en liza también, en ese circo romano, a los periodistas que estaban allí cubriendo la inauguración y que ahora intentan dar cuenta morbosa del accidente. Roberto ve en esto una buena forma de sacar tajada y salir de la crisis y, abandonando toda dignidad, intenta vender su alma al mejor postor: un representante de famosos (Fernando Tejero).

Nos dibuja Alex de la Iglesia una tragedia ocurrida en pleno teatro romano. Unos personajes con distintas morales, un mundo en el que las luces de las cámaras de televisión todo lo cambian y donde el dinero parece ser lo que mueve todo. Sólo el personaje de Salma Hayek nos recuerda que una vida, no tiene precio.

Salma se mete en la piel de la esposa con una sensibilidad que rasga consciencias. Alex de la Iglesia saca lo mejor de ella y nos recuerda a la Salma Hayek de Traffic. Por su parte, el otro protagonista, José Mota debe hacer frente al reto de abandonar su faceta cómica para meterse en la piel de un hombre que sufre y lo pasa mal.

Mota esta correcto en su debut, pero no fantástico. A Mota le queda mucho que recorrer si pretende que este sea su camino en los próximos años. El reto al que se enfrentaba en esta película era grande y lo ha superado, pero con muchas limitaciones. Quizá la nominación al Goya es adecuada, pero en ningún caso merecería ganarlo.

En el resto del reparto, de un excepcional reparto, destacan Blanca Portillo que, en poco metraje,  consigue que el público entienda la profunda evolución que sufre su personaje y Nerea Camacho, sin duda, una de las actrices con más futuro de nuestro país y con más talento. La protagonista de ‘Camino’ aparece tan solo en las secuencias finales y nos basta para apreciar su enorme capacidad interpretativa.

Alex nos engaña con este filme. Nos engaña con un drama crudo y gris y juega con nosotros sabiendo introducir en él esos disonantes elementos cómicos que aparecen en todas las situaciones límite de la vida.

La chispa de la vida’ es una buena película que nos sienta en la butaca y nos muestra lo que en muchas ocasiones no queremos ver.

Mejor punto: Brillante adaptación y cambios realizados por Álex de la Iglesia del guión original.

Peor punto: Algunas interpretaciones sobreactuadas como la de Puigcorbé o Santiago Segura. Distorsiona con la perfección interpretativa de otros actores como Blanca Portillo o Salma Hayek.

Puntuación: 3/5