Cuenta atrás

La crítica de Punto de Encuentro:

Remake ‘hollywoodiense’ a la vista

Roberto C. Rascón. @rcrascon – Crítica.

Fred Cavayé repite en Cuenta Atrás la misma receta que le otorgó éxito y reconocimiento con su ópera prima, Cruzando el Límite. El director francés vuelve a firmar un thriller europeo a la americana con un marido dispuesto a cualquier cosa por salvar a su mujer, en este caso embarazada. En Cruzando el Límite, la mujer era acusada de asesinato y su pareja hacía todo lo posible por demostrar su inocencia, mientras que en Cuenta Atrás, la esposa es secuestrada y el marido debe realizar un ‘encargo’ si quiere volver a verla con vida.

Cruzando el Límite tuvo un enorme éxito en Francia. Ese triunfo provocó que dos años después el ‘oscarizado’ Paul Haggis realizara el pertinente remake ‘hollywodiense’ bajo el nombre de Los Próximos Tres Días protagonizado por Russell Crowe y Elizabeth Banks. ¿Ocurrirá lo mismo con Cuenta Atrás? Yo apostaría a que sí. Y es que los americanos tienen la manía de rehacer todos los éxitos del cine europeo, ejecutando en muchas ocasiones verdaderos estropicios. En los últimos años han destrozado grandes películas europeas como Abre los Ojos (Vanilla Sky), Deliciosa Martha (Sin Reservas) o 13 Tzameti (13) por poner algunos ejemplos.

Volviendo a Cuenta Atrás, la película no da ni un segundo de respiro desde su arranque. Persecución tras persecución asistimos a un rutinario aunque endiabladamente entretenido polar francés con un bueno (Gilles Lelouche), un feo (Roschdy Zem) y un malo (Gerard Lanvin) como protagonistas. El adrenalítico ritmo que impone Cavayé provoca que la cinta se pase en un suspiro, a lo que también ayudan sus escasos 85 minutos de metraje. Y es que el director francés no ofrece nada nuevo, pero tira de oficio para ofrecer un producto más que digno.

En esta película Elena Anaya interpreta a una mujer secuestrada, misma situación que vive su personaje en La Piel que Habito. Cuenta Atrás ha tardado dos años en llegar a las salas españolas, por lo que se rodó antes que la última obra de Pedro Almodóvar y sirvió a la actriz española de ensayo para su posterior composición de Vera. Mención especial para Roschdy Zem, un actor francés de origen marroquí que otorga credibilidad a todos y cada uno de sus personajes.

El mejor punto: La belleza de Elena Anaya.

El peor punto: Que el público espere al previsible ‘remake’ de Hollywood.

Puntuación: 2,5/5.

La crítica de Punto de Encuentro:

Supervivencia en la nieve

Javier Taeño @javiertaeno – Crítica.

Liam Neeson ha ido convirtiéndose, con el paso de los años, en un actor muy solvente. Aupado por el éxito de ‘La Lista de Schindler’, el irlandés vive su época dorada. Y en ‘Infierno Blanco’, Joe Carnahan lo tiene claro, todo el peso de la película recaerá sobre Neeson. Reto que el actor acepta, sin embargo el resultado no es el esperado. Y no es por el mal hacer del protagonista de ‘El equipo A’, sino por los problemas de la película en sí.

El comienzo de ‘Infierno Blanco’, cuyo título original es ‘The grey’ es vibrante y emocionante, transportando al espectador a la acción y haciendo que se sienta parte de ella.

El avión que transporta a un grupo de trabajadores de una refinería se estrella en mitad de la tundra ártica, dejándoles en una situación límite. Sin apenas comida y con la amenaza de unos peligrosos lobos que ven amenazado su territorio, vivirán una auténtica odisea, una trepidante carrera contra los elementos con sólo un objetivo: sobrevivir a cualquier precio.

La película empieza con ritmo, con emoción a raudales y una gran dosis de acción, sin embargo pronto va perdiendo fuelle. El tema de la supervivencia en mitad de la nieve y con condiciones extremas, tan manido y utilizado, no aporta nada nuevo y durante muchos momentos el film pierde intensidad y coherencia narrativa.

En conjunto, queda una película entretenida  con una fotografía realmente destacable, llena de maravillosos paisajes nevados que nos acercan el drama de los viajeros. El dúo Carnaham-Neeson vuelve a cumplir en su segunda experiencia juntos y a pesar de todo, Infierno blanco no defrauda

El mejor punto: Una historia bien construida y llena de acción

El peor punto: Ausencia de coherencia narrativa en varias partes de la película

Puntuación: 2,5/5

Shame

La crítica de Punto de Encuentro:

El sexo como terapia

Javier Taeño @javiertaeno - Crítica.

La industria cinematográfica produce todos los años una gran cantidad de películas; la mayoría de ellas pasan sin pena ni gloria por crítica y taquilla y son olvidadas en poco tiempo; una pequeña parte de ellas gozan de un relativo éxito y son las más comentadas del momento; y finalmente hay una minúscula parte de ellas que se convierten en clásicos inolvidables. Y Shame tiene todos los ingredientes para formar parte de este limitado y selecto club.

No exagero al afirmar que la nueva creación de Steve McQueen es la película más perturbadora, desgarradora e impactante del año. Una auténtica obra maestra desde la aparición de Michael Fassbender en pantalla en la primera escena hasta los títulos de crédito. Y es que el actor irlandés hace un papelón, inmenso en la representación de un treintañero llamado Brandon adicto al sexo. Una de las actuaciones que se recuerdan pasados los años, hipnotizante, llevada a la perfección hasta el exceso y perfectamente secundada por una maravillosa Carey Mulligan, que le da la réplica perfecta como la hermana, joven y alocada, del protagonista.

Shame transmite una honestidad brutal, una sinceridad desbordante y una acción vibrante, cuya tensión se puede cortar con el filo de una navaja. La obra de McQueen consigue alcanzar la perfección, explorando sentimientos tan profundos como la amargura y la soledad y haciendo que cada espectador se sienta a cada momento como Brandon y comparta su angustia y sus problemas, culminados siempre con porno en Internet, prostitutas y toda mujer que se le cruce por su camino, en una espiral autodestructiva del protagonista.

Es la película del año, parada obligatoria en el cine. No se la pierdan.

El mejor punto: Las actuaciones de Fassbender y Mulligan son inolvidables.

El peor punto: Sería injusto decir algo malo de Shame.

Puntuación: 4,5/5

La crítica de Punto de Encuentro:

Un viaje muy predecible

Laura Cervera @LauraCerveraC – Crítica.

La secuela de la película Viaje al Centro de la Tierra, viene excusada con la mezcla de las obras de Julio Verne, y La Isla del Tesoro de Robert Louis Stevenson, que darán lugar al nuevo argumento para el viaje. En este caso el escenario es una isla  perdida, en la que se recogen elementos de las obras de Verne como el propio Viaje al centro de la tierra, o El capitán Nemo. El resultado es otra película de aventuras, de esas que desde el principio se sabe como acabarán, y con un decorado que en muchas ocasiones, solo es creíble si piensas que la isla es mágica.

Los efectos especiales son el elemento principal de la película, con un 3D impresionante, que consigue  incluso, que los bichos misteriosos se salgan de la pantalla como en un cine IMAX. Es muy recomendable verla en 3D porque probablemente es la parte más espectacular de la película. De lo contrario se resume en otra historia de aventuras, agradable y divertida, pero sin ningún tipo de interés cinematográfico.

Una escritora de libros para adolescentes recién divorciada y con problemas con el alcohol decide regresar a la pequeña ciudad donde se crió para volver a conquistar a su amor del instituto. El problema es que él está casado y tiene un niño pequeño. Cuando todo parece ir de mal en peor, Mavis se encuentra con un antiguo compañero de clase que tampoco ha triunfado al terminar el instituto.

War Horse

Título original: War Horse

Año: 2011

Sinopsis:

“War Horse (Caballo de batalla)” se inicia con la extraordinaria amistad entre un caballo llamado Joey y un joven llamado Albert, que doma y lo entrena. Cuando se separan a la fuerza, la película sigue el extraordinario viaje del caballo a través de la guerra, el cambio e inspiración en las vidas de todos aquellos que conviven con el… los soldados alemanes, y un campesino francés y su nieta antes de la historia de la alcanza su clímax emocional en el corazón de la tierra de nadie

La crítica de Punto de Encuentro: 

Spielberg, a lomos del éxito sin argumento

Javier Taeño (@javiertaeno)- Crítica.

Poco importa la temática, los protagonistas o el enfoque que Steven Spielberg aporte a cada nueva película. Será un éxito sin importar ninguna de las anteriores variables. Su larga carrera, con títulos tan destacados y dispares en el argumento como ET, Tiburón o La lista de Schindler, auténticas obras maestras, le garantizan el reconocimiento y el aplauso en cada proyecto que inicie. Y no tengo ninguna duda que ‘War Horse’ se sumará a esa lista de éxitos y tendrá una gran acogida tanto de crítica como de público, pero creo que el film se queda a medias y tiene bastantes lagunas.

‘War Horse’, traducida al español como ‘Caballo de Batalla’ es la adaptación a la pantalla de un cuento infantil muy exitoso sobre la relación entre un caballo y un joven muchacho, que tienen que separarse por la I Guerra Mundial, siguiendo cada uno de ellos su propio camino.

Es sorprendente sin embargo, la dificultad que tiene esta película para enganchar a un público concreto. Demasiado violenta para niños, demasiado infantil para adultos, incluyendo la última media hora del larguísimo film que da lugar a escenas en las que un caballo atraviesa trincheras como si fuera un tanque y dos ejércitos paran una guerra para rescatar a un animal.  Todo ello adornado con unos tintes épicos que la mayoría de las veces fracasa estrepitosamente y con una excesiva cursilería que solo emocionará a los espectadores más sensibles.

A ellos se suman escenas inverosímiles acompañadas de diálogos que resultan totalmente previsibles. Y es una lástima porque el comienzo de la película es prometedor y tremendamente entretenido, aupado por una gran actriz como Emily Watson cuya intervención en la película termina siendo prácticamente testimonial.

Lo más destacado de la película es la magnífica fotografía, que al menos justifica un poco las dos horas y media que dura y en la que se nota la mano de Spielberg, que siempre será capaz de sacar lo mejor de cada proyecto, por muy flojo que sea éste.

En definitiva, es la típica película muy del agrado de la Academia y que seguramente no se vaya de vacío en los Oscar; lo peor es que ha dejado fuera de la carrera por ellos a ‘Drive’ o ‘Shame’, mucho mejores pero no tan mediáticas. Una pena.

El mejor punto: La fotografía

El peor punto: ¿Hacían falta dos horas y media para contar esto?

Puntuación: 2/5

El invitado

Título Original: Safe House

Año: 2012

Duración: 115 min.

País: Estados Unidos

Género: Acción

Estudio: Universal Pictures

Sinopsis:

Tobin Frost (Denzel Washington) es el renegado más peligroso de la CIA, que vuelve a reaparecer en Sudáfrica después de diez años, asombrando a toda la comunidad del espionaje. Cuando unos mercenarios atacan el piso franco al que ha sido asignado, un agente novato (Ryan Reynolds) se ve obligado a ayudarle a escapar. El maestro de la manipulación juega con su joven protector, poniendo a prueba su moralidad y su idealismo. Pero no les queda más remedio que mantenerse con vida lo suficiente como para descubrir quién quiere verles muertos.

La crítica de Punto de Encuentro:

Acción norteamericana

Yaiza Martel Trapote (@YaaiMartel) – Crítica.

“El invitado” nos pone en relieve la corrupción existente en los altos cargos y cuerpos del Estado. En primera instancia no es un argumento novedoso, ya que muchos largometrajes de la factoría estadounidense se basan en estas historias. No obstante, el filme parte de un punto casi nunca visto: los pisos francos. “Mi intención fue escribir una historia de espías que me apeteciera ver. Siempre se habla de pisos francos, pero un piso franco nunca ha sido el punto de partida de un guión”, declaró David Guggenheim, guionista de “El Invitado”. Daniel Espinosa, el director sueco, acudió a un exagente de la CIA, Luis Falcon, para el asesoramiento sobre “los cuidadores” de los pisos francos. Es por ello que la película sea hace más realista y creíble, al conocer de primera mano las actuaciones de la CIA.

La aparición de Denzel Washington y Ryan Reynolds aporta al largometraje un interés mundial por ver cómo se compaginan estos dos actores. Hemos estado acostumbrados a ver a Denzel Washington, galardonado en dos ocasiones por la Academia de Hollywood, en un registro diverso de películas. Hasta entonces, en el género de acción destacó por ser el personaje en el lado de la ley. El bueno que pillaba al malo. “El Invitado” nos presenta a un Denzel Washington oscuro, calculador, manipulador, violento y sociópata. La otra cara de la moneda. No obstante, el actor neoyorquino está a la altura de las circunstancia y realiza una interpretación brillante.

Por otro lado, la bondad, la justicia y la inocencia son encarnadas en el personaje de Matt Weston, interpretado por Ryan Reynolds. Reynolds se ha convertido en uno de los actores más solicitados de Hollywood después de que dos películas suyas recaudaran más de 300 millones de dólares cada una en taquilla mundial, La Proposición, con Sandra Bullock, y la fantasía de aventuras X-Men Orígenes: Lobezno. Con Buried/Enterrado se consolidó como el único actor que aparece en la pantalla durante 95 minutos. En “El Invitado”, Reynolds da a su personaje la perfección justa de inocencia que requiere. A lo largo del filme vemos cómo convergen en él los valores e ideas que tenía hasta el momento y las nuevas sospechas que cambian su vida. “Me fascinó el hecho de que mi personaje viviera una completa mentira. Se miente así mismo y a todos los demás, incluso a las personas que ama; al final eso acaba por pasarle factura”, explicó Ryan Reynolds en lo referido a su personaje.

“El Invitado” cuenta con otros actores reconocidos como Vera Farmiga (Catherine Linklater, jefa de sección de la CIA) Brendan Gleeson (David Barlow) Sam Shepard (Harlan Whitford) Rubén Blades (Carlos Villar) Robert Patrick (Daniel Kiefer) y Nora Arnezeder (Ana Moreau, novia de Weston) Quizá la actuación más austera y poco destacable es la de Nora Arnezeder. La actriz cuenta con pocas escenas pero de gran carga emocional. Sin embargo, en algunos momentos la actriz francesa resulta poco creíble.

Este thriller de acción no deja de tener los tópicos de este género: corrupción, persecuciones en coche, romances frustrados, combates cuerpo a cuerpo y con armas…Rodada en Sudáfrica, París y Washington, nos descubre Ciudad del Cabo como una gran ciudad. También se puede apreciar el contraste de riqueza-pobreza en el país africano. El estadio de Green Point, los barrios de Langa, y los extrarradios de la ciudad aportan una riqueza visual inusitada a la película.

Sin duda “El Invitado” es un largometraje para aquellos amantes de la acción norteamericana. Podremos verla a nivel mundial el próximo 10 de febrero.

El mejor punto: Aporta un torrente de adrenalina con los efectos especiales.

El peor punto: No hay suspense;  es fácil intuir quién es el verdadero personaje malo y el final del filme.

Puntuación: 4/5

Lo mejor de Eva

Título original: Lo mejor de Eva

Eva, una juez con mucho futuro, lleva años entregada exclusivamente a su profesión. Cree profundamente en la justicia y no está dispuesta a hacer concesiones, vengan de donde vengan. Un día le toca instruir el asesinato de una bailarina de striptease. Y ante ella aparece un testigo del caso, el novio de la víctima, Rocco, un gigoló solícito y amable que está dispuesto a ayudarla. A cambio, Eva tendrá que darle algunas claves de su propia identidad. Pero la vida íntima de Eva es un misterio, una caja fuerte que nadie sabe cómo abrir. Nadie excepto Rocco, un gigoló especializado en mujeres esquivas y solitarias.

La crítica de Punto de Encuentro:

Una mujer que juzga y no perdona

Raquel Castrejón (@raquellamora90) – Crítica.

La película Lo mejor de Eva  es la última película de Mariano Barroso, la cual difiere muchos de las primeras películas de éste, que destacaban por su fuerza e interés.

Lo mejor de Eva esta protagonizada por Leonor Watling, la cual representa a una prestigiosa juez, que en su juventud no pudo llevar una vida social por quedarse estudiando. Esto le marcará en su carrera profesional, ya que le lleva a la amargura.

Tras bastantes casos de violencia de género, fraudes y asuntos de poca magnitud en comparación con lo que le venía encima, le llega un caso de homicidio en el que se ven implicados una joven stripper que es asesinada y Peña, un hombre de negocios absuelto de bastantes casos de corrupción y con una gran influencia por sus contactos. Por otro lado se encuentra Rocco, un gigoló que asegura tener información del caso que podría asegurar la entrada en prisión del asesino. Podría tratarse de un thriller por los componentes de la película, pero sin embargo a lo largo del film puede entreverse que se trata de una película en la que la esencia principal son las inseguridades, miedos y odios de Eva.

Una de las cosas que es digno de crítica es como la protagonista, cae en las redes del personaje Rocco, protagonizado por Miguel Ángel Silvestre, de una manera muy machista ya que da una imagen de la mujer de  ”facilona”, en la que el gigoló es capaz de jugar con la juez a su antojo. Como si las mujeres perdieran el norte con tan solo ver unos “cuadraditos´´ y fueran capaces de todo (perder su puesto de juez, en el caso de la protagonista) por acostarse o no perder al joven.

El papel que desempeña Miguel Ángel Silvestre, sigue la línea de casi todos los papeles que suele interpretar, es decir, el típico “tío bueno” metido en líos de mafias y corrupción. Me gustaría haber podido verle en otro tipo de papel. Además puede apreciarse como la elección de este actor ha sido por el hecho de introducir un poco de morbo a la película.

La trama de la película en principio si capta el interés del espectador, pero a medida que va avanzando va dejando entrever el final de la película, lo que hace que se pierda un poco la intriga y deje de tener tanto enganche.

Por tanto es una película que por sus componentes podría haber tenido mucho tirón pero que por algunos aspectos como son las reiteradas escenas de sexo, en las que le dedicaba demasiado tiempo, hacen que sea haga un poco pesada la película.

El mejor punto: La interpretación de Leonor Watling

El peor punto: La falta de misterio, el final es muy previsible.

Puntuación: 2,5/5

Papá, soy una zombi

Título original: Papá, soy una zombi

Sinopsis:

Cinco años después del traumático divorcio de sus padres, Dixie se ha convertido en una adolescente arisca, que quiere escapar del odioso mundo en que vive. En la escuela se ríen de ella por su actitud introvertida y su aspecto gótico, e incluso su mejor amiga le esquiva, para poder flirtear a escondidas con el chico que le gusta a Dixie. El padre de Dixie se lleva a su amada hija a la feria en un loable intento por alegrarle las penas, pero las cosas se tuercen de tal manera para Dixie que la niña ya no lo soporta más y acaba estallando. Queriéndose morir, la jovencita huye por el bosque bajo la tormenta. De pronto, un rayo impacta contra un árbol y este se le desploma encima. Al despertar, descubre que se encuentra enterrada dentro de la tumba de un cementerio y es… ¡una zombi! La joven averigua pronto que la vida entre los muertos vivientes no es mucho mejor. Por suerte o por desgracia, existe una manera para dejar de ser un zombi y regresar a su vida de mortal. Se trata de la vieja leyenda del Azoth. Según ésta, un día llegará al cementerio un zombi portador de un amuleto mágico, y usará los poderes mágicos del Azoth para abrir el umbral de regreso. Un portal mágico que permite que los zombis puedan regresar a sus vidas como mortales, exactamente al mismo momento en que la palmaron y poder enmendar así las faltas de su existencia. El colgante que lleva Dixie, el que le regaló su madre antes de marcharse, se parece enormemente al Azoth que describe la leyenda. Descifrar el secreto del Azoth para conseguir que este despliegue sus poderes, parece el único medio que tiene Dixie de volver a la vida. Es así como la joven zombie inicia un viaje repleto de aventuras al amparo de las sombras de la noche. Le acompaña Isis, una joven momia egipcia extremadamente parlanchina, asustadiza y supersticiosa que, no obstante, le ofrece toda su amistad. Y pronto se une Gonner, un zombi pícaro y embaucador, que fuera grumete de un barco pirata, y de quien Dixie se empieza pronto a enamorar. El viaje se complica cuando uno de los espías de Nigreda consigue engañar a Dixie y robarle el Azoth. Con la preciada joya en su poder, Nigreda comienza a preparar su venganza final contra los mortales. La suerte de nuestro planeta queda pendiente de un hilo. Dixie deberá recuperar el Azoth y aprender a reconciliarse con el mundo que la rechazó si es que quiere salvarlo y salvarse a sí misma.”

Declaración de guerra

Título original: La guerre est déclarée

Three

The french kissers

Título original: Les beaux gosses

Título original: A Torinói ló

La guerra de las galaxias. Episodio I: La amenaza fantasma

Moneyball: Rompiendo las reglas

Título original: Moneyball

Año: 2011

Duración: 133 minutos

País: EE.UU.

Género: Biografía, Drama, Deporte

Estudio: Michael De Luca Productions, Sony Pictures Releasing

Sinopsis:

Basada en la historia real de Billy Beane (Brad Pitt), una prometedora estrella del béisbol que, incitado por el fracaso de no haber demostrado en el campo todo lo que se esperaba de él, enfocó toda su naturaleza competitiva hacia el área de la dirección de equipos. Al comienzo de la temporada 2002, Billy se enfrenta a una situación deprimente: su modesto equipo, los Oakland Athletics, ha perdido, una vez más, a sus mejores jugadores a manos de los clubes grandes -y sus contratos millonarios- y encima tiene que reconstruirlo con sólo un tercio del presupuesto. Decidido a ganar, Billy se enfrenta al sistema desafiando a los más grandes de este deporte. Busca opciones fuera del mundo del béisbol y topa con las teorías innovadoras de Bill James . Es entonces cuando se decide a contratar a Peter Brand (Jonah Hill), un economista de Yale, inteligente y con talento para los números. Juntos se enfrentan a las teorías establecidas para medir la actividad en el juego y las reexaminan apoyándose en el análisis estadístico por ordenador, hasta entonces despreciado por la clase dirigente del béisbol. Llegan a conclusiones que desafían la imaginación y van a por jugadores descartados por los demás por raros, mayores, lesionados o problemáticos, pero con habilidades claves poco valoradas. A medida que Billy y Peter avanzan, sus nuevos métodos y su lista de “inútiles” irritan a la vieja guardia, a los medios de comunicación, a los forofos y al propio director de campo (Philip Seymour Hoffman) que se niega a cooperar. Finalmente, el experimento no solo cambiará la forma de jugar, sino que también aportará a Billy una nueva comprensión que trasciende del juego y que lo hará avanzar en el terreno personal.

La crítica de Punto de Encuentro:

De milagros deportivos e historias americanas

Fernando Muñoz – Crítica.

En Moneyball nos encontramos con una de esas películas que tanto gusta hacer a los americanos. Una historia de superación personal, en la que un hombre consagra toda su vida a luchar por un objetivo. En este caso tenemos la historia real de Billy Beane, director general del equipo de béisbol “Oakland Athletics”, un equipo con un presupuesto cuatro o cinco veces menor que sus competidores, pero que sin embargo consigue llegar a la final de las series mundiales por el titulo dos años consecutivos. Brad Pitt, lo mejor de la película, interpreta a este visionario Manager que introduce un nuevo sistema de análisis del juego, cambiando la forma de entender un deporte con más de doscientos años de historia. Para ello se enfrentará a los grandes elefantes de la competición que no quieren que nada cambie en su juego.

Este tipo de historias, en las que un hombre hecho a si mismo,con ideas novedosas y arriesgadas, consigue vencer a todo un sistema, gustan mucho en el cine de Hollywood, por eso quizá esta película ha logrado 6 nominaciones a los Oscars. Y digo que quizá es la historia lo que conmueve al público de aquel lado del Atlántico, porque lo que es la obra en sí tiene poco que destacar.

Y es que la película es plana, con un desarrollo predecible y con unos efectos visuales nada destacables. Si la comparamos con otra película mítica de este género, como “Un domingo cualquiera” (Oliver Stone, 1999) , la dirección de Bennet Miller en Moneyball sale claramente perdiendo. Resulta curioso que la obra de Stone no consiguiera ni una sola nominación al Oscar, ni siquiera por su vertiginoso y espectacular montaje, y que Moneyball sí opte a este galardón, cuando lo único que destaca de su fotografía es su simpleza narrativa.

Lo mejor de la película son sus personajes. El omnipresente Brad Pitt continúa con su linea de buenos papeles y recibiendo grandes críticas. En esta película no podía ser menos. Todo el peso recae sobre su personaje, por el que el espectador acaba sintiendo una mezcla de rechazo y compasión. Pero el que está magnífico es Jonah Hill (Supersalidos, 2007). Su papel, mezcla de patetismo con timidez y ternura, sirve de un contrapunto perfecto para el histrionismo del personaje principal.

El metraje de la película es excesivo, teniendo en cuenta que el  tercio final de la obra reincide sobre una misma idea sin aportar nada nuevo. El epílogo final es lo más destacable, ya que, por lo menos, sales del cine con una sonrisa tierna dibujada en la cara.

Desde Punto de Encuentro apostamos por el buen tirón que tendrá en la recaudación de la taquilla este fin de semana. Pese a que el béisbol no interese mucho en España, las 6 nominaciones  recibidas, entre ellas mejor película, y un Brad Pitt que por sí solo es capaz de atraer al público a las salas de cine, hará que Moneyball reciba la atención de los espectadores.

El mejor punto: Que bajo una apariencia de película deportiva se encuentra una aproximación a los sentimientos y las complicadas relaciones humanas.

El peor punto: Que esta aproximación resulta un tanto fallida. Su excesiva duración.

Puntuación: 3/5

Katmandú, un espejo en el cielo

Año: 2011

Duración: 104 minutos

País: España

Género: Drama

Estudio: Alta Films

Sinopsis:

En los primeros años noventa, Laia, una joven maestra catalana, se traslada a Katmandú para trabajar en una escuela local. Pronto descubrirá una pobreza extrema y un panorama educativo desolador que además deja fuera a los más necesitados. Tras contraer, a su pesar, un matrimonio de conveniencia para legalizar su situación, Laia se embarca en un ambicioso y personal proyecto pedagógico en los barrios de chabolas de Katmandú. En seguida se enfrenta a la evidencia de que no puede hacerlo sola. Pero también se encuentra con un hermoso regalo que no esperaba: enamorarse del desconocido con el que se ha casado. De la mano de su amiga y joven maestra Sharmila, Laia emprende un viaje que la llevará hasta el fondo de la sociedad nepalí, y también hasta el fondo de sí misma.

La crítica de Punto de Encuentro:

El arte de reflejar sin juzgar

Clara Blázquez – Crítica.

No nos ha hecho esperar mucho tiempo desde “También la lluvia”. Un año después, Icíar Bollaín continúa con su espíritu colonizador y nos lleva esta vez a otro extremo geográfico, Katmandú, capital de Nepal. En este caso para mostrarnos la historia de Laia, una profesora española con grandes aspiraciones que viaja a la capital nepalí con ánimo de echar una mano a quienes lo necesitan, incluso a costa de su propia felicidad. Sin duda una bella historia que nos lleva, entre hermosos paisajes, a una profunda reflexión sobre la suerte y el destino. Y es que Bollaín no se conforma con contar su ficción, sino que a través de su cine hace una fuerte pero sutil crítica a las desigualdades sociales, sea en la parte del mundo que sea.

Esta vez, Nepal es el escenario perfecto para retratar a Laia, interpretado por Verónica Echegui, y a los personajes que aparecen en su camino. La actriz de “Yo soy la Juani” aprovecha su papel para demostrar que tiene más que ofrecer de lo que pensábamos al verla en filmes anteriores que limitaban su capacidad interpretativa. Es una pena el doblaje que ella misma se ha hecho al castellano, perdiéndose la mitad del sentido de la historia (filmada en inglés, es muy recomendable ver la versión original).  Aún así, Echegui se ha ganado la nominación al Goya como mejor intérprete femenina.

Pero no sólo da la talla ella, el resto del reparto está también muy a la altura. Bollaín siempre ha conseguido sacar lo mejor de caras desconocidas. Donde pone el ojo pone la flecha y ella lo tiene claro. Al fin y al cabo, así empezó su carrera como actriz, cuando Víctor Erice la descubrió a la salida de su instituto en 1982. Ella ha seguido el ejemplo. Ya apostó con éxito por el actor boliviano Juan Carlos Aduviri en “También la lluvia”, o incluso en su día por un casi desconocido Luis Tósar en “Flores de otro mundo”, y en este caso lo ha hecho por el actor nepalí Norbu Tsering Gurung (Tshiring en la película) y la actriz Sumyata Battarai (Sharmila), quienes han sido los encargados de completar el gran reparto protagonista de esta película.

De lo que no hay duda es que la realizadora madrileña se consolida película tras película como una de nuestras mejores directoras.  En este “espejo en el cielo”, queda reflejado el buen tratamiento que sabe darle a sus historias, pretendiendo empatizar, comprender y meterse en la piel de la sociedad que retrata. Siempre desde el respeto, critica las injusticias a la par que ensalza la belleza de Nepal, los rituales y cualquier minucioso aspecto de la realidad del país. Icíar Bollaín está enamorada de los personajes perdidos, en tránsito, y que se buscan a sí mismos, lo cual contrasta con la claridad que parece tener a la hora de ejecutar su cine. Con un guión en el que colabora su marido Paul Laverty (nominado también al Goya como mejor guión adaptado), no ha dudado en emplear un estilo casi documental en algunas secuencias de la cinta al mismo tiempo que en otras ha sabido aproximarse a sus protagonistas en un tratamiento mucho más dramático y personal.

Si acaso, los puntos más flojos de la cinta son los momentos de flashback que intentan explicar el pasado de Laia, que no están bien hilados con el resto de la película. Por lo demás, “Katmandú” es un drama muy emocionante que llama a la reflexión sin resultar pesado en ningún momento y una película tan recomendable como cualquiera de las de la realizadora madrileña. Es clara la evolución de esta directora desde “Hola, estás sola” y merece la pena descubrirlo. Icíar es una mujer que sabe tratar sin juzgar, dejando eso en manos del espectador.

El mejor punto : La interpretación de Echegui y la fotografía.

El peor punto: Los flashbacks, que no encajan con el hilo narrativo.

Puntuación: 3,5/5

Promoción fantasma

Título original: Promoción fantasma

Año: 2012

Duración: 88 minutos

País: España

Género: Aventura, Comedia, Fantasía

Estudio: Ikiru Films, 20th Century Fox

Sinopsis:

Modesto es profesor y en ocasiones ve muertos. Esto no solo le ha costado una fortuna en psiquiatras, sino que también ha hecho que le despidan de todos los colegios donde ha trabajado. Su suerte cambia cuando consigue plaza en el Monforte y tiene que dar clase a cinco alumnos que han convertido un colegio de prestigio en la casa de los horrores. Modesto tiene que lograr que los cinco chicos aprueben el último curso y se larguen de allí de una vez por todas. Pero no lo va a tener fácil: los cinco llevan veinte años muertos.

Los Muppets

Título alternativo: Los Teleñecos

Título original: The Muppets

Año: 2011

Duración: 103 minutos

País: EE.UU.

Género: Comedia, Familiar

Estudio: Walt Disney Pictures

Sinopsis:

Durante sus vacaciones en Los Ángeles, Walter, el fan número uno de los Muppets, su hermano Gary (Jason Segel) y la novia de Gary, Mary, (Amy Adams) de Smalltown, Estados Unidos, descubren que el magnate Tex Richman (Chris Cooper) planea arrasar con el Teatro de los Muppets para perforar y extraer el petróleo hallado debajo del viejo estudio de los Muppets. Para montar el mayor show de los Muppets jamás visto y recaudar los US$ 10 millones necesarios para salvar el teatro, Walter, Mary y Gary ayudan a La rana Gustavo a reunir nuevamente a los Muppets, cuyas vidas ahora han tomado rumbos diferentes: Fozzie trabaja en un casino de Reno con una banda tributo llamada los Moopets; Srta. Peggy es una editora de moda de talla grande de la revista Vogue Paris; Animal se encuentra en una clínica de Santa Bárbara para aprender a controlar su ira; y Gonzo es un magnate de la industria de la plomería.