Inmaduros

Título original: Inmaturi

Año: 2011

‘Inmaduros’, la amistad imperecedera

Vicente Berná - Crítica.

Un año después de su estreno en la bella Italia, llega a nuestras pantallas una comedia al más puro estilo italiano que no es otra que ‘Inmaduros’ (‘Inmaturi’), film que sigue la estela y el esquema de las últimas comedias de la Toscana, cuyo ejemplo más claro reside en ‘Manuale d’Amore’. Pese a todo, la película del director Paolo Genovese cuenta con un cliché nuevo, que no habíamos visto antes, que puede resultar interesante y puede despertar la curiosidad del espectador.

Este elemento no es otro que la ‘excusa’ que desencadena toda la trama posterior, y es que la historia gira en torno a un grupo de amigos que se reencuentran después de 26 años debido a que La Maturità (lo equivalente a ‘nuestra’ selectividad), que hicieron años atrás, ha sido invalidada y deben volver a presentarse, pese a llevar años ejerciendo sus profesiones. Este es el detonante de que viejas amistades vuelvan a salir a flote y es el momento para desenterrar antiguas rencillas que se creían ya olvidadas.

Y es que si algo destaca de ‘Inmaduros’ es la idea de la amistad inalterable por el paso del tiempo, de esa amistad imperecedera que sobrevive a todo y a todos. Aunque no debemos olvidar, que el título del film sugiere algo más y es que si algo caracteriza a los protagonistas es que, a pesar de haber crecido y de haber pasado los años, siguen pareciéndose a esos adolescentes que un día dejaron de verse para emprender diferentes caminos.

Lo que el director pretende es despertar un sentimiento de nostalgia en todo aquel que vaya al cine, pues la historia, en rasgos generales, no deja ser estereotipada con unas situaciones poco creíbles y unas interpretaciones que dejan bastante que desear. Además, la profunidad en los personajes es inexistente y el trabajo interpretativo se ve adolecido por ello, aunque consigue, o al menos lo pretende, tocar la sensibilidad del espectador al reflexionar sobre el paso del tiempo, el ‘cada edad tiene su momento’ y, por encima de todo, quiere dejar constancia de que hay que mirar hacia delante por mucho que nos gustara la época pasada, a la que, pasados los años, ya no pertenecemos por mucho que nos empeñemos en ello.

Por tanto, si lo que buscas es un rato de entretenimiento, ‘Inmaduros’ es una muy buena opción para ello, ya que la nostalgia te invadirá si tienes más de treinta años y anhelas aquellos años de instituto en los que el mayor problema era saber que donde ibas a ir cuando llegara el fin de semana.

El mejor punto: Las carcajadas que algunas de las situaciones arrancan en el espectador.

El peor punto: La trama cuenta con un sinfín de clichés del género y puede resultar repetitiva.

Puntuación: 2’5/5

Dylan Dog: Los muertos de la noche

Título original: Dylan Dog: Dead of night

Año: 2011

Duración: 107 min.

País: Estados Unidos

Género: Comedia, terror

Estudio: Tripictures

Sinopsis:

Dylan Dog (Brandon Routh) es un peculiar detective privado que investiga sobre temas sobrenaturales. En los últimos años se ha dedicado a resolver asuntos de infidelidad pero un intrigante caso de asesinato le hará volver a encontrarse con sus antiguos enemigos: hombres lobo, zombies, vampiros…Él será la clave para encontrar un preciado objeto robado en casa del asesinado cuyo valor está por encima del bien y del mal. Su vuelta a la acción desencadenará una batalla entre el mundo de los muertos y los vivos.

La crítica de Punto de Encuentro:

¿Bicho malo nunca muere?

Melisa López (Melisa_LoMa) - Crítica. 

Aquí va otra ración de vampiros y hombres lobo pero esta vez se unen a la fiesta zombies y otros monstruos indescriptibles. La historia no es nueva: el equilibrio entre el mundo de los vivos y muertos se tambalea y solo el detective Dylan Dog puede volver a poner paz. La película viene a ser un capítulo largo de Buffy Cazavampiros o Ángel con cierto parecido al film Constantine (2005).

Dylan Dog está basada en un conocido cómic italiano de los años 80. Su principal protagonista es el último Superman Returns (2006), Brandon Routh quien vuelve a tener como compañero de fatigas a Sam Huntington como ya sucedió en el regreso del citado super héroe. Su director Kevin Munroe tiene amplia experiencia en el mundo de la animación tanto en videojuegos como en series de televisión. Este es su segundo largometraje inspirado en seres sobrenaturales o mutantes tras el rodaje de Tortugas ninja jóvenes  mutantes (2007).

El ambiente oscuro de novela negra está conseguido pero esta película cae en todos los típicos tópicos para pasar por la taquilla sin pena ni gloria. Tenemos al héroe, al amigo graciosillo que al final resultará útil, a la chica en apuros y los malos malísimos pero sin haber leído el cómic del que parte podemos augurarle un escaso éxito. El humor se mezcla con las escenas de acción tratando de humanizar el indeseable mundo de los zombies. Sin embargo, no consigue salvar la historia la cual a medida que avanza flojea y se alarga con flashbacks repetidos.

La interpretación de protagonistas es aceptable aunque no arriesgan demasiado. Los amantes de las criaturas de la noche quizá queden contentos y se entretengan pero no queda tan claro que los fans del cómic original queden satisfechos.

El mejor punto: Algunos puntos de humor. 

El peor punto: El escaso interés de la historia y cómo se resuelve.

Puntuación: 2/5

La suerte en tus manos

Título original: La suerte en tus manos

Año: 2012

Duración: 110 minutos

País: Argentina

Género: Comedia

Estudio: Alta Films

Sinopsis:

Uriel es una de esas personas que tropieza dos veces con la misma piedra. Divorciado y padre de dos hijos, Uriel trabaja en la empresa heredada de su familia y no está demasiado contento con su vida. Un día, gracias al póquer, un juego que, con sus reglas claras, lo conecta con sus deseos, se reencuentra con su novia de juventud, Gloria, quien, recién llegada de Francia, se recupera de una reciente ruptura sentimental. Enamorado, renovado y con la filosofía del póquer como guía, Uriel entiende que está ahora ante sus mejores cartas y que volver a intentarlo es un imperativo vital.

La crítica de Punto de Encuentro:

Una historia que se queda en el intento

Lorena Rojo (@Lorensia_rr) – Crítica.

El verano está para muchas cosas. Una de ellas es ir al cine y disfrutar de una película y, si es en buena compañía, mucho mejor. Daniel Burman (Dos hermanos) reincide en una película de temática familiar, disfrazada de comedia romántica. El punto fuerte de esta cinta se llama Jorge Drexler, que se desenvuelve como pez en el agua y aceptó el papel porque le gustó el guión.

El problema o la virtud de La suerte en tus manos  es que quiere abarcar muchos temas, y esa ansiedad hace que se quede en el intento de conseguir transmitirlos. Por ejemplo: intenta relacionar todos los problemas de Uriel (Drexler) con el póker; intenta jugar con la lentitud de planos y silencios para valorar lazos familiares, de pareja o momentos en la vida de cualquier persona. También habla de mentiras, juego, amor, roles… Pero la película queda como muchos temas enlazados que guardan conexión, sin que ninguno destaque en particular. Aun así, la cinta consiguió el premio al mejor guión en el pasado Festival de Tribeca, y es que es una gran historia, aunque llegaría más a través de un libro que en el terreno audiovisual.

En el reparto también encontramos a Valeria Bertucelli como Gloria, y a una gran Norma Alesandro  interpretando a Susan. Como anécdotas, habría que destacar que el director se dio cuenta de que Jorge Drexler tenía que ser Uriel en un concierto en el Palau de la Música de Barcelona, y que éste ha tenido que cortarse las uñas de la mano derecha, algo que no hacía desde hace años.

El mejor punto: El debut de Jorge Drexler como actor.

El peor punto: Le falta intensidad.

Puntuación: 2/5

Moonrise Kingdom

El verano de la inocencia

Isabel Reviejo – Crítica.

La nueva obra de Wes Anderson llega a nuestras pantallas para demostrarnos que las buenas críticas que cosechó en el Festival de Cannes, en la que fue película inaugural, no fueron gratuitas. En esta ocasión, el original cineasta nos lleva a un escenario veraniego con aire vintage en el que una joven pareja de preadolescentes pondrá patas arriba la monotonía de la isla en la que viven.

Moonrise Kingdom pretende, como ha explicado su propio director, reflejar cómo es el amor (o lo que se cree que es el amor) en la infancia. El guión, escrito a cuatro manos entre el propio Anderson y Roman Coppola, consigue dar en el clavo para mostrar la inocencia de los primeros amores, sin las complicaciones del mundo de los adultos y con unas prioridades bastantes más claras. Como suele ser habitual, las tornas se vuelven y nos encontramos en un mundo en el que los niños se muestran maduros y se comportan como lo haría un adulto y los adultos son impulsivos y actúan como niños. Todos ellos, tanto grandes como pequeños, crean un amplio rango de personajes variopintos y, sobre todo, muy divertidos.

Entre el reparto encontramos al actor fetiche por excelencia del director (con el permiso de Owen Wilson), Bill Murray. En esta ocasión pasa bastante desapercibido en su correcto pero algo arrinconado papel. Los roles de Bruce Willis y Frances McDormand son los que se contraponen con la pareja de niños protagonista y nos muestran ese contraste entre el amor en la infancia y el amor en la madurez. Mención aparte merece Edward Norton, hilarante como cabecilla de los Boy Scouts. En cuanto a los niños, se agradece su naturalidad a la hora de actuar, tanto por parte de los dos actores principales, Kara Hayward y Jared Gilman, como de aquellos que realizan papeles secundarios.

Los gags están perfectamente medidos, con un humor que sigue la línea habitual de Anderson. Se consigue el equilibrio perfecto entre la ternura de la infancia y aspectos más cómicos, añadiendo pequeñas (y efectivas) dosis de surrealismo como hilo conductor. Una capa exterior que oculta un contrapunto amargo, la situación de rechazo y abandono que sufren los niños protagonistas y que son la semilla de su rebeldía. El ritmo se mantiene de principio a fin y la película no decae en ningún momento. El film acaba transmitiendo las mismas sensaciones que el verano que muestra en pantalla: es luminoso, agradable, hace que el tiempo se nos pase volando, cuando termina nos deja con ganas de más y cuando lo recordamos, lo hacemos con una sonrisa.

Los seguidores de Anderson no saldrán decepcionados con la que posiblemente sea la mejor obra del director. Todo un soplo de aire fresco en la taquilla, que se convierte en el primer estreno imprescindible de este verano.

El mejor punto: La capacidad de la película para mantener la sonrisa del espectador.

Iceberg

Año: 2011

A buen entendedor pocas palabras bastan

 Laura Cervera Cabañas (@LauraCerveraC) - Crítica.

En el cine existen dos tipos de espectadores: los que observan con una mirada técnica y entienden el cine como un arte, y los que observan con ganas de entretenerse y consideran el cine un medio de ocio.

Sin duda alguna, la película Iceberg está creada para los primeros, ya que con gran maestría, su director, Gabriel Velázquez,  consigue un perfecto entorno para reflejar la soledad de tres adolescentes, que tienen que llegar sin la ayuda de sus padres a la etapa adulta. Con gran habilidad, consigue trasladar ese sentimiento de soledad al espectador desde el primer minuto de la película hasta el último. Para ello procura evitar los diálogos de sus protagonistas, recurriendo a ellos únicamente para dar las explicaciones imprescindibles para poder entender la historia, y utilizando en su lugar sonidos ambientales.

En este marco de soledad no hay lugar para grandes ciudades, ni ruidos estridentes, solo naturaleza a orillas del Tormes, que con ese toque bucólico nos acerca a la empatía con esos adolescentes solitarios. No obstante, abusar de la ausencia de diálogos supone arriesgarse a obtener una película un tanto lenta, y es en ese sentido precisamente, en el que aquellos espectadores que buscan entretenimiento no encontrarán demasiadas virtudes en esta película. También en las ocasiones de mayor dramatismo utiliza como sonido el folk, para cargar de intensidad la escena.

Como hemos visto en anteriores trabajos, Velázquez apuesta por una película intimista, donde lo que se muestra es tan sólo la punta del iceberg de todo ese drama que supone la etapa adolescente sin la referencia de un adulto. En esa línea intimista se apuesta por una película austera y contemplativa, muy minimalista.

El resultado es un trabajo reconocido por su presencia en la sección oficial del Festival de Cine de Gijón antes de estrenarse, previsto para otoño de 2011 y finalmente retrasado un año, por la decisión del director de cambiar el tono melancólico por el minimalista.

El mejor punto: Consigue que el espectador empatice con los personajes.

El peor punto: Lentitud.

Calificación: 3/5

Ríndete mañana

Título original: Give up tomorow

Año: 2011

Duración: 95 min

País: EE.UU

Género: Documental

Estudio: Avalon

Sinopsis:

Ríndete mañana presenta de manera detallada el caso real de Paco Larrañaga, el joven de origen vasco-filipino que fue acusado y condenado a pena de muerte en este mismo país por el supuesto asesinato de dos hermanas filipinas. En el documental se intenta desmantelar y poner en duda el sistema judicial del país que lo procesó sin pruebas y devuelve a la palestra este sonado caso que conmovió a la opinión pública española e internacional.

La crítica de Punto de Encuentro:

La esperanza es lo último que se pierde

Melisa López (Melisa_LoMa) – Crítica

Paco Larrañaga tenía tan solo 19 años cuando las autoridades policiales de Filipinas le arrestaron junto con 6 jóvenes más por la presunta violación y asesinato de las hermanas Chiong el 16 de julio de 1997 en la ciudad filipina de Cebú. A pesar de contar con decenas de testigos que afirmaban haber estado con él aquella noche y de que nunca encontraran pruebas fehacientes de que eran culpables fueron condenados a dos cadenas perpetuas primero y más tarde a la pena de muerte por el Tribunal Supremo. Desde que ingresara en prisión sus padres y hermanos no han parado de luchar por su exculpación logrando trasladarle a una cárcel española y mejorar sus condiciones. Cuando las autoridades españolas tuvieron conocimiento del caso mediaron con la presidenta filipina del momento, Gloria Macapagal Arroyo, quien al poco tiempo abolió la pena de muerte en2006. Adía de hoy no se ha avanzado en la defensa de la inocencia de Larrañaga a pesar de haber pedido su indulto a Filipinas. Pero sí se ha puesto en entredicho y se han hecho públicas las múltiples irregularidades de la acción judicial filipina contra este ciudadano español.

Documentales como Ríndete mañana son y serán siempre necesarios como medio de denuncia que permita que el resto del mundo sepa aquellas cosas que las fuentes oficiales no quieren que salgan a la luz. A través de entrevistas al protagonista, a sus familiares más cercanos, amigos, abogados, autoridades filipinas, a la familia Chiong y periodistas, su director Michael Collins nos relata cronológicamente cómo se sucedieron los hechos desde la desaparición de las niñas hasta la actualidad. Se vale también para ello de imágenes inéditas de los juicios, de las acciones llevadas a cabo por los Chiong contra Paco y de recreaciones. La información se presenta de manera clara y directa con gran acierto intentando no caer en interpretaciones que puedan influir al espectador a la hora de posicionarse en un lado u otro. Las imágenes y declaraciones hablan por sí solas.

Larrañaga tiene el protagonismo justo centrándose la imagen en la familia y los hechos y evitando abusar del dramatismo. El film hace hincapié en el mal trato que le dieron los medios de comunicación filipinos e internacionales retratándole como un niño de familia adinerada que pretendía beneficiarse del poder que supuestamente ejercía su familia en Filipinas al ser nieto de un ex presidente del país. Parece que con los años los medios quieren restauran su imagen de cara al exterior y devolverle algo de dignidad.

El documental supone la defensa pública que Paco Larrañaga nunca tuvo y seguro que no dejará indiferente a nadie. De hecho, ya ha cosechado varios éxitos en festivales internacionales como el Premio del Público y Mención Especial del Jurado en el Festival de Tribeca el año pasado. Sin duda, una historia que merece la pena ser contada y conocer.

El mejor punto: La claridad con la que están contados los hechos.

El peor punto: Quizá le sobren unos minutos de duración.

Puntuación: 4/5

Acto de valor

Título original: Act of valor

Año: 2012

Duración: 111 min.

País: EE.UU

Género: Thriller, acción

Estudio: Tripictures

Sinopsis:

Acto de valor cuenta la historia de un grupo de élite de combate llamado Navy SEALS que tendrá que enfrentarse a todo tipo de contratiempos impredecibles cuando les encarguen la peligrosa misión de rescatar a una agente dela CIA secuestrada por narcotraficantes. El rescate desvelará un complot de tintes terroristas que obligará al grupo a enrollarse en la misión más importante de sus vidas.

La crítica de Punto de Encuentro:

Por amor a la patria

Melisa López (Melisa_LoMa) – Crítica.

América se levanta de nuevo contra el terrorismo, con sus héroes y villanos. Los héroes y protagonistas son, como es de esperar, un grupo en activo del cuerpo de Navy SEALS, la principal fuerza de operaciones secretas de la Armadanorteamericana. Y los villanos son narcotraficantes y terroristas islámicos, su archiconocido enemigo. Acto de valor trata de ser un aplauso y palmadita en la espalda a todos aquellos que se juegan la vida por su país. Desprende patriotismo desde el minuto uno e intenta dignificar y engrandecer la profesión en busca de nuevos reclutas.

El film está dirigido por los ex-especialistas y directores de cine documental Mike McCoy y Scout Waugh. El escuadrón de marines no está interpretado por actores sino que son verdaderos miembros de comandos militares a excepción de Roselyn Sánchez que interpreta a Lisa Morales, la agente dela CIAy Néstor Serrano. Esta vez Hollywood ha preferido apostar por la naturalidad e improvisación que aportan personas alejadas de la interpretación en lugar de contar con grandes nombres y rostros conocidos. Eso se aprecia y ayuda a tomarse más en serio la historia. Sin embargo, todo lo que tiene de real y acción trepidante lo tiene también de patriotismo y propaganda militar. Cosa que funcionará en la taquilla estadounidense pero difícilmente en la española.

Las situaciones y escenarios son muy reales, la cámara se mueve con rapidez acompañando a los personajes y haciendo sentir al espectador como un miembro más del grupo de élite. Pero deja poco a la imaginación y desde el principio sabemos que alguien del bando de los héroes caerá protegiendo a sus compañeros. Las escenas de acción consiguen mantenerte alerta y tratan de simular escenarios de videojuego. Y las historias personales se entremezclan con el peligro dejando el papel de las mujeres en un segundo plano a pesar de comenzar con el rescate de una agente dela CIA.

Acto de valor es una historia de valores conservadores yankies vista desde el punto de vista de militares reales que entretiene pero no aporta elementos nuevos al cine de guerra.    

El mejor punto: Las escenas de acción son rápidas y enganchan.

El peor punto: Se notan demasiado las intenciones de propaganda.

Puntuación: 3/5

¿Y si vivimos todos juntos?

Año: 2011

La sombra de los otros

Título original: Shelter

Año: 2010

Duración: 112 min.

País: EE.UU

Género: Thriller psicológico, terror

Estudio: NALA Films, Macari/Edelstein, NALA Investments, Shelter Productions

Sinopsis:

Cara Harding (Julianne Moore) es una psiquiatra forense y mujer creyente que se dedica al tratamiento de pacientes con personalidad múltiple. Nunca había dudado del poder de la ciencia hasta que uno de sus pacientes, David (Jonathan Rhys Meyers) comienza a adoptar las personalidades de personas asesinadas brutalmente. Cara intentará comprender la razón de su comportamiento y buscará la manera de curarle. Pero no le resultará nada fácil cuando el problema alcance a su propia familia.

La crítica de Punto de Encuentro:

Si no puedes con tu enemigo, únete a él

Melisa López (Melisa_LoMa) – Crítica.

Nueva propuesta de thriller psicológico con cierto toque de terror demoníaco que intenta que el espectador sobrepase la delgada línea entre el bien y el mal. El planteamiento inicial es bastante atractivo. ¿A qué amante del thriller no le gustan los personajes con múltiples personalidades que tratan de engañar a su coprotagonista? El problema es que en el desarrollo del argumento, el guión deja flecos sueltos y lo que parecía una trama bien hilada comienza a irse por otros derroteros resultando algo inverosímil.

El peso de la historia recae sobre sus dos protagonistas, Julianne Moore y Jonathan Rhys Meyers. Moore vuelve a meterse en el papel de mujer valiente que arriesga muy al estilo de su particular interpretación de Clarice Starling (Hannibal, 2001). Su naturalidad ante la cámara continúa convenciendo. Y Meyers sale bastante airoso de su tumultuoso personaje que recuerda al psicótico y bipolar personaje de Edward Norton en Las dos caras de la verdad (1996) quien también intentó confundir en su día a su compañero de fatigas Richard Gere.

La fotografía y banda sonora están muy cuidadas. Sin embargo, el cambio de rumbo a mitad del film de lo psicológico a lo sobrenatural/satánico puede hacer que el espectador aparte la vista de la pantalla en algún momento esperando respuestas. E incluso puede llegar a decepcionar en los minutos finales.

La dirección corre a cargo de los suecos Mans Marlind y Bjorn Stein quienes han estrenado hace poco Underworld: el despertar. Cinta con que seguramente recauden más solo por el interés que ha creado la saga vampírica.

A lo largo del film se cuestiona la fe, la ciencia y otras formas alternativas de curación pero, como en otras muchas películas del género no se llega a ninguna conclusión. O al menos ninguna con algo de credibilidad.

La sombra de los otros entretiene e intriga, al menos hasta la mitad de su duración pero si se salva en conjunto es únicamente por el empeño de sus protagonistas.

El mejor punto: La interpretación de los actores principales y los planteamientos iniciales.

El peor punto: Lo irreal que resulta y el final poco arriesgado.

Puntuación: 3/5

En fuera de juego

Título original: En fuera de juego

Año: 2011

Duración: 106 min

País: España y Argentina

Género: Comedia

Estudio: Nadie es perfecto

Sinopsis:

Javi (Fernando Tejero) es un representante de tercera de futuras promesas futbolísticas y Diego (Diego Peretti) es un ginecólogo argentino que un día soñó con ser futbolista. El posible fichaje de un joven crack argentino les obligará a perseguir un objetivo común y a sortear los tejemanejes que se mueven entre las altas esferas del fútbol.

La crítica de Punto de Encuentro:

¿El fin justifica los medios si se trata de fútbol?

Melisa López (Melisa_LoMa) – Crítica.

Que el fútbol mueve masas en los estadios ya lo sabemos pero ¿las películas sobre este deporte también agitan la taquilla? Si no tenéis clara la respuesta tenéis una nueva oportunidad para comprobarlo con En fuera de juego. Es una coproducción hispano- argentina entorno al mundo del fútbol que vuelve  a contar con personajes fracasados que buscan dar un giro a sus vidas como ya vimos en Días de fútbol (David Serrano, 2003) y El penalti más largo del mundo (Roberto Santiago, 2004). Sin embargo, en esta ocasión se ve poco fútbol en el campo pero sí muchas mentiras y las malas armas que se gastan los que negocian con este deporte.

En fuera de juego es la cuarta película dirigida por David Marqués y la primera que “come” ya que hasta ahora solo había trabajado sin presupuesto como nos comentaba el propio Marqués durante la rueda de prensa de presentación.

El reparto está encabezado por dos grandes de la comedia, Fernando Tejero y Diego Peretti. Para Tejero es su cuarto papel relacionado con este deporte en el que se desenvuelve con soltura a pesar de que como él mismo comentaba: “no me ha interesado nunca, ni lo más mínimo…Algo le debo al fútbol pero todavía no sé muy bien qué es”. Por su lado, el actor argentino Diego Peretti se mete en el papel del único argentino al que no le gusta el fútbol y es callado, paradoja que hace más que interesante a su personaje. A pesar de que Tejero es la cara conocida en nuestro país, lo cierto es que, ambos forman una pareja bien avenida que difícilmente pueden caer mal al espectador. Completan el reparto Chino Darín (hijo del conocido Ricardo Darín), Carmen Ruiz, Hugo Silva, Patricia Montero, Laura Pamplona y Pepe Sancho, entre otros. Un amplio cartel en el que las mujeres quedan relegadas a un segundo plano.

Tratándose de fútbol no pueden faltar las referencias a destacados futbolistas y periodistas deportivos. Tanto es así que algunos se atreven a hacer cameos. Es el caso de Iker Casillas, Martín Palermo, Manuel Llorente y los periodistas José Ramón de la Morenay Alfredo Relaño. Todo un acierto que conseguirá arrastrar a más de uno a la sala de cine. En palabras del director, los cameos “eran esenciales para meternos en un mundo tan conocido y tan mediático. Si hubiéramos puesto a actores interpretando a futbolistas conocidos yo no me lo hubiera creído como espectador. Creo que no son gratuitos para nada”.

Para Marqués, el fútbol en la película es una excusa para mostrar el mundo de corruptelas que hay detrás de algo que genera tanto dinero pero bien podría haber sido el mundo de la música o del cine. “El fútbol es la siguiente burbuja inmobiliaria”, afirmaba el director. Partiendo de esta base, la historia es entretenida y se ajusta bastante a la realidad. Sin embargo, echamos de menos algo más de rivalidad entre los protagonistas que estaría más que justificada por el papel que desempeña cada uno. Además, los papeles secundarios están poco desarrollados dejando a las mujeres precisamente en fuera de juego.

Los toques de humor están bien repartidos pero sin salirse de lo meramente natural con lo que no esperen ver una comedia llena de chistes fáciles. La gracia viene de las situaciones que viven los personajes y el cambio en su forma de actuar a consecuencia de ello. La historia se deja ver aunque quizá pierda a esa parte del público a la que no le interesa el fútbol.

El mejor punto: las escenas que comparten Tejero y Peretti

El peor punto: se podría haber aprovechado más la fuerza de los personajes secundarios

Puntuación: 4/5