[REC] 3: Génesis

Título original: [REC] 3: Génesis

Año: 2011

Duración: 77 min.

País: España

Género: Terror

Estudio: Filmax

Sinopsis:

Clara (Leticia Dolera) y Koldo (Diego Martín) son una pareja feliz que decide celebrar el mejor día de sus vidas rodeados de todos sus seres queridos. Lo que no se figuran es que entre las risas, bromas y bailes nupciales una amenaza se abre paso con el objetivo de aguarles la fiesta. Lo que comenzó con el extraño comportamiento de uno de sus familiares demasiado bebido terminará llevando al límite a la pareja.

La crítica de Punto de Encuentro:

 Mi gran día

Melisa López – Crítica.

No hay nada peor que cabrear a una novia en el que se supone debe a ser el mejor día de su vida. Con esta premisa parte la tercera entrega de la exitosa saga de terror [REC]. Se trata de la precuela de la original que introduce novedades en el género pero mantiene el espíritu de desconcierto que caracteriza a las anteriores. “El espectador de [REC] es un espectador valiente que ama el desafío”, comentaba Paco Plaza en la presentación madrileña de la película. El director repite al mando de la cámara pero esta vez sin Jaume Balagueró.

En esta ocasión el foco de la infección que afecta a los personajes va a estallar durante el banquete de boda de la feliz pareja. Algo que les obligará a separarse, vivir la aventura cada uno por su lado y luchar por el reencuentro descubriendo que los límites emocionales y físicos son ilimitados si de matar zombis se trata.

El film se divide claramente en dos partes: una primera cuya protagonista es la imagen inestable y movida del clásico cámara en mano que nos sitúa y presenta a los personajes a través de las grabaciones que los propios invitados hacen con distintos dispositivos de ahí que se mezclen formatos de cámara digital y teléfono móvil, entre otros. Y una segunda parte grabada ya en formato panorámico que rompe con las normas establecidas en sus predecesoras lo que supone un riesgo de cara a la reacción que tendrán los amantes del punto de vista subjetivo que aportaba la mencionada cámara en mano. En palabras del propio Paco Plaza durante la presentación de la cinta, “se quería cambiar las reglas para que los espectadores no viesen lo mismo. Cada historia demanda y exige ser contada de una manera. La película se subleva contra sus propias reglas manteniendo ese espíritu de Rock and roll”.

Ahora la acción transcurre en espacios abiertos dejando atrás la oscuridad y decadencia del tétrico bloque de vecinos barcelonés y el sonido ambiente es sustituido por una banda sonora que recoge las canciones preferidas de los protagonistas.

Se mezcla lo costumbrista con elementos del cine fantástico y el hiperrealismo documental dando dinamismo y haciendo que el espectador se pegue a la butaca esperando el susto que sabe está por llegar. Además recupera ese humor negro de la primera entrega dotándolo de un aire muy castizo que atraerá al público español. Hecho que no creen que influya de manera negativa sobre la taquilla internacional ya que Plaza considera que “lo local alcanzará la universalidad”.

Cabe destacar la capacidad de adaptación que tiene la protagonista femenina, Leticia Dolera, para encarnar tanto papeles dulces y frágiles en “De tu ventana a la mía” como personajes con garra y determinación en “[REC]3″. La propia actriz afirma que su personaje experimenta un “arco brutal de chica naif  a enfrentarse a la peor de sus pesadillas. Convertirse en una animal por defender su amor”. Y es que como bien dice en la película (sierra mecánica en mano) “¡es mi día!” y no va a dejar que nadie se lo estropee. Por su parte, Diego Martín es el caballero de brillante armadura en busca de su enamorada y el que pone algo de cordura a la conocida máxima “¡grábalo todo!” que definió “[REC]“.

Si algo echamos en falta en “[REC]3″: Génesis es alguna referencia a las entregas anteriores dado que esta última sitúa la acción horas antes de los hechos que nos contaba “[REC]” y no acaba de dar explicación al extraño virus que se apodera de los invitados al convite. Pero que no sufran los adictos al género porque Jaume Balagueró (co-director de “[REC]“ y “[REC]2″ y productor creativo de “[REC]3″) ya está trabajando en “[REC]4: Apocalipsis” que será la continuación de “[REC]2″ y pondrá punto y final a la saga.

El mejor punto: Que como bien decía Paco Plaza los espectadores van a agradecer que no toda la película esté grabada cámara en mano.

El peor punto: No aporta nada nuevo al argumento que une a las tres películas.

Puntuación: 3/5.

La Cazarrecompensas

Título Original: One for the Money (La Cazarrecompensas)

Año: 2012

Duración: 91 min.

Género: Acción, Comedia

Estudios: DeAPlaneta

Sinopsis:

Stephanie Plum (Katherine Heigl) es una orgullosa chica de Jersey a quien no le falta carácter, a pesar de que lleva seis meses sin trabajo y de que las deudas le han hecho perder hasta su coche. Necesitada de dinero rápido, Stephanie toma una medida desesperada: recurrir al indeseable de su primo Vinnie para que le haga un hueco en su agencia de fianzas. Su nuevo trabajo, de cazarrecompensas, consistirá en encontrar y llevar ante la justicia a clientes que no comparezcan en los juicios después de haber sido puestos en libertad bajo fianza. Aunque nunca ha visto unas esposas de cerca y la única arma que conoce es el spray autodefensa, eso no le impide asumir la caza y captura del fugitivo más escurridizo de la empresa: el ex policía antivicio y sospechoso de asesinato Joe Morelli (Jason O’Mara) el mismo que la sedujo y la dejó tirada en el instituto.

La crítica de Punto de Encuentro:

 Ni frío ni calor

Yaiza Martel Trapote (@YaaiMarteL) – Crítica.

A priori “La Cazarrecompensas” da apariencia de ser una mezcla de comedia romántica con acción. Sin embargo de comedia nada y de acción tampoco. Si bien es cierto que es un filme con matices de secuelas policiales, los efectos especiales no son destacables. “La Cazarrecompensas”, a pesar de estar basada en una popular serie de intriga de dieciocho libros escrita por Janet Evanovich, no posee ni siquiera un argumento novedoso. Abundan los clichés de la mujer como una vorágine emocional en la que no hay cabida para los “oficios de hombres”; el guapo protagonista de la película que es el “malote” y se acaba enamorando de la chica; las “putas siempre saben” lo que ocurre en los barrios bajos; el “bien” por encima del “mal”… En definitiva, no aporta nada nuevo. Incluso tiene mucha similitud con “Exposados” (la película protagonizada por Gerard Butler y Jennifer Aniston en 2010) solo que en esta ocasión, la comedia brilla por su ausencia.

Desde su salida de “Anatomía de Grey”, Katherine Heigl se ha acomodado en el género comedia-romántica. Hemos podido verla en “27 vestidos” o “La Cruda Realidad”. Sin embargo en esta ocasión falla en la elección de su película. Quizá podría haber llevado “La Cazarrecompensas” a un nivel aceptable con su actuación, pero la verdad es que tampoco le da la emoción necesaria. Heigl acaba convirtiendo a su personaje en ridículo y monótono. Sin embargo, su actuación se ve paliada con la de su compañero Jason O’Mara. El actor alcanzó la popularidad al protagonizar la serie de la Fox “Terra Nova”, el drama de ciencia ficción del que Steven Spielberg es productor ejecutivo. Aunque no es la primera vez que vemos a O’Mara en la gran pantalla (debutó en 2007 junto a Milla Jovovick en “Resident Evil: Extinction”) su interpretación es aceptable. Una película así no es un mal comienzo para el actor.

En resumen, “La Cazarrecompensas” es aquella película por la que pagaríamos una entrada de cine, identificándola con acción y comedia, pero de la que saldríamos con “ni frío y ni calor”, pensando que no la recomendaríamos ni para verla un sábado por la tarde en casa.

El mejor punto: La interpretación de Jason O’Mara o Debby Reynolds.

El peor punto: Ni comedia, ni acción interesante, ni argumento novedoso.

Puntuación: 2/5.

Cuenta la historia de un chico que busca el objeto que le permitirá ganarse el afecto de la chica de sus sueños. Para conseguirlo, debe descubrir la historia del Lorax, una encantadora aunque malhumorada criatura que lucha por proteger un mundo en vías de extinción.

La crítica de Punto de Encuentro: 

Si de verdad te importa, todo irá a mejor

Laura Cervera – Crítica.

Los creadores de “Gru- Mi villano favorito” y “La Imaginación del Dr. Seuss”, se unen para llevar a cabo el largometraje de “Lorax- En busca de la Trúfula perdida”, adaptación en animación digital 3D de la obra de Theodor “Dr. Seuss” Geisel, “El Doctor Seuss y The Lorax”. Este fue uno de los autores de libros infantiles más vendidos de la historia. Sólo en Estados Unidos consiguió vender quinientos millones de ejemplares.

Al ser una obra con un presente en el guión, y siendo además infantil, encontramos un guión con pocas variaciones respecto de la obra original. Aprovecha a diferencia del libro para poner imágenes a la historia entre el Lorax y Una-Vez, sólo con la intención de dar más presencia a los personajes. Sin embargo, la intención de esta película es respetar a toda costa el relato original, para llegar además de a los más pequeños, a todos los seguidores del Doctor Seuss.

Con esta perspectiva, la película sólo podía poner todo su empeño en la imagen digital en 3D, consiguiendo unos dibujos entrañables, y por qué no, un tanto aterciopelados para poder ser más adorables ante los niños. Pongo la mano en el fuego por que dentro de poco comenzaremos a ver peluches de Lorax y de sus trúfulas,  que recuerdan en gran escala a los dientes de león que todos soplamos de pequeños para alcanzar nuestros deseos.  La otra gran apuesta  es aportar todo un abanico de colores vivos, mucho más en comparación con el original, que harán las delicias de los niños. Los momentos musicales tampoco faltan, con repentinas escenas un tanto propias de Broadway, que gustarán a los niños, y sobrarán a los demás.

No menos escaso es el reparto de doblaje, realizado con las voces de  los conocidos Danny DeVito (Lorax), Zac Efron (Ted), Taylor Swift (Audrey) o Betty White (Abuela Norma). DeVito también doblará su propia voz en español, ruso, alemán e italiano, convirtiéndose en el primer actor de doblaje de una película de animación en doblarse a sí mismo. La versión en español contará además con otras voces conocidas como la de la cantante Angy Fernández, que también dará su voz para algunas de las canciones.

El resultado es una historia entretenida, con un grandísimo mensaje cuya temática perdura en el tiempo: Cuidar de la naturaleza.  Gran moraleja para llegar al público infantil, sobre el que recaerá el peso de conservar el planeta en un futuro y por ello, para quien está dirigida la película. Los adultos, a parte de un par de chistes, solo podrán compartir este mensaje y disfrutar de una película animada, demasiado colorida, y poco más.

Mejor punto:  Las formas y texturas de Lorax, Las trúfulas  y de la vegetación de plástico.

Peor punto: Pocos guiños a los adultos.

Calificación: 3/5.

Cumbres borrascosas

La crítica de Punto de Encuentro:

Una historia de amor obsesivo y eterno

Lorena Rojo Ramos (@Lorensia_rr) – Crítica.

No es la primera vez que la novela homónima de Emily Bronte se adapta al cine. Hay que tener en cuenta que es uno de los libros más leídos y analizados de la literatura inglesa. Un total de siete versiones preceden a ésta. El director William Wyler fue el primero en hacerlo en 1939, con los actores Merle Oberon, Laurence Olivier y David Niven encabezando el reparto. En 1940 la cinta consiguió ocho nominaciones a los Oscars, alzándose sólo con el premio a la Mejor Fotografía en blanco y negro de Gregg Toland. Las siete restantes eran a las categorías de mejor película, mejor director, mejor actor principal, mejor actriz de reparto, mejor guión, mejor banda sonora y mejor dirección artística. La historia también inspiró una adaptación para la BBC en 1948, además de cómics y otros relatos para más cadenas de televisión.

Si trasladásemos esas nominaciones a la versión actual de Cumbres Borrascosas de Andrea Arnold, seguramente volvería a conseguirlas. La cinta cuenta con una excelente fotografía (esta vez en color), unos actores excepcionales y unas localizaciones acordes a la historia. Cuenta la directora y escritora del guión que nunca ha estado de acuerdo en las adaptaciones de un libro “porque es un idioma diferente al cine y nunca le hacen justicia”, pero que la historia escondía tantos elementos que no podía dejarla escapar. Tanto el productor Robert Bernstein como ella, quedaron fascinados con este drama tan profundo y con la personalidad de los personajes.

La cinta cuenta la historia de amor entre Catherine Earnshaw y Heatchcliff, un niño abandonado que recoge su padre. Aunque en teoría son hermanos adoptivos, la amistad principiante se convierte en un amor pasional. Cumbres borrascosas está narrada desde el punto de vista de Heatchcliff. Los planos subjetivos y la cámara al hombro forman casi el 80% de la cinta, y gracias a ellos el lenguaje se hace más cercano y agresivo.

La naturaleza, todo lo que rodea a la historia, es un personaje más. Ella se va intercalando con las escenas de pasión, y parece que es consciente de lo que pasa y siente, y se emociona con los personajes. Arnold afirma que era su deseo que esto fuera así. “Somos parte de ella, no estamos separados, a pesar de cómo vivimos. Somos animales y no siempre lo controlamos tanto como pensamos. Heatchcliff es una fuerza de la naturaleza. Todos lo somos. Tenía que tener una gran presencia, se teje en cada parte de la película”, explica.

El relato va pasando por diferentes etapas como la inocencia, el amor, la pasión, el castigo, la agresividad, la violencia, la obsesión…. Todo está muy logrado gracias a los planos tan cercanos, y a la importancia que le dan a los pequeños sentimientos, como la respiración o el llanto. El reparto de actores está compuesto por Kaya Scodelario y Shannon Beer, Katky mayor y joven respectivamente; James Howson y Salomon Glave, Heatchcliff adulto y niño respectivamente. Aunque está historia haya estado tantas veces en la cartelera, es una versión muy recomendable para todos los amantes del libro.

El mejor punto: La fotografía y el sonido.

El peor punto: A veces se hace un poco lenta.

Puntuación: 4/5.

La crítica de Punto de Encuentro:

El Bulli, un paseo para la vista y el estómago

Lorena Rojo Ramos (@lorensia_rr) – Crítica.

El restaurante El Bulli cerró sus puertas el pasado verano, después de ser considerado el mejor restaurante del mundo en cinco años (2002, 2006-2009). Durante los seis meses que permanecía cerrado, el equipo más cercano a Ferran Adriá trabajaba en un laboratorio-cocina para confeccionar el nuevo menú, dando paso a toda la creatividad posible. El director Gereon Wetzel y su equipo técnico tuvieron la oportunidad de grabar y conocer en primera persona cómo era éste proceso de elaboración, para plasmarlo en el documental.

Los planos subjetivos y cercanos, harán que el espectador se sienta dentro de la cocina. Una curiosidad es que Ferrán Adriá, el chef más innovador del mundo, solo toma decisiones y prueba las creaciones, no cocina en ningún momento. El documental es una buena oportunidad para conocer el trabajo previo que hay antes de abrir un gran restaurante como éste y, sobre todo, cuáles son los pasos a seguir hasta dar con el plato concreto. Una simple idea puede convertirse en algo grande. Un sólo ingrediente puede cambiar la textura y el sabor de una receta.

La cinta cuenta con dos partes bien diferenciadas: una que comprende los seis meses anteriores a la apertura del restaurante y, la otra, los primeros días de apertura. El espectador sentirá su presencia y participación en todo momento, con la pena de no poder degustar los platos que allí se preparan con el gusto, sino con la vista y el oído. El “Estanque con sabor a menta” es un ejemplo de receta que se puede comer con los ojos, ya que ofrece una gran presentación, y con el oído, después de romper el hielo que lo compone.

El restaurante El Bulli de 3 estrellas Michelín, estaba situado en la cala Montjoi de Roses (Girona), un entorno privilegiado en el que los comensales podían degustar platos únicos en un escenario especial y tranquilo. Digamos que aquél que entrara a comer un día, saldría de allí con la sensación de haber disfrutado 100% ese momento, ya que las condiciones eran perfectas para concentrarse en los sabores y dejarse llevar a través mundo gastronómico.

Durante toda la proyección de El Bulli:cooking in progress se irán presentando todos los platos que formaron parte del último menú del restaurante. El espectador aprenderá la importancia de un ruido en un alimento, de una textura… El documental que presenta Gereon Wetzel es una gran experiencia para el arte de comer.

El mejor punto: no hace falta comprar palomitas, comerás con los ojo.

El peor punto: hay escenas que se hacen largas porque sólo degustan platos.

Puntuación: 3/5.

Ira de titanes

Título Original: Wrath of Titans (Ira de Titanes)

Año: 2012

País: EEUU

Duración: 99 min.

Género: Acción, Ficción

Estudios: Warner Bros Pictures

Sinopsis:

Una década después de su heroica victoria sobre el monstruo Kraken, Perseo (Sam Worthington) hijo de Zeus (Liam Neeson) y semidios entre humanos, está tratando de vivir una vida más tranquila en un pueblo de pescadores junto a su único hijo, Helio (John Bell). Mientras tanto, una lucha por el reinado en el Olimpo está causando estragos entre los dioses y los Titanes. Peligrosamente debilitados por la falta de devoción de la humanidad, los dioses están perdiendo el control de los Titanes encarcelados y sobre su feroz líder, Cronos, padre de los hermanos que han gobernado durante mucho tiempo los mundos divinos: Zeus, Hades y Poseidón. La fuerza de los Titanes crece sin control cuando menos poder divino tenga Zeus, y con ello el infierno se desata en la Tierra. Con la ayuda de la guerrera Reina Andrómeda (Rosamund Pike) el hijo de semidiós de Poseidón, Agénor (Toby Kebbell), y del dios caído Hefesto (Bill Nighy), Perseo valientemente se embarca en una arriesgada aventura a los infiernos para rescatar a Zeus, derrocar de los Titanes y salvar a la humanidad.

La crítica de Punto de Encuentro:

Acción mitológica

Yaiza Martel Trapote (@YaaiMarteL) – Crítica.

En 2010 el remake de “Furia de Titanes”, la cinta de los años 80, aparecía en los cines bajo los efectos especiales de Ray Harryhausen. Con 492 millones de dólares recaudados en la taquilla mundial, era de esperar que “Furia de Titanes” tuviera segunda parte. Y así es como llega “Ira de Titanes 3D” en 2012.

En esta ocasión, el dicho “las segundas partes nunca fueron buenas” no se cumple. Bajo la dirección de Jonathan Liebesman en los efectos especiales, “Ira de Titanes” es un largometraje lleno de acción que supera al primer filme. No sólo en efectos sino en argumento. Estamos acostumbrados a conocer las mismas historias mitológicas de siempre, pero este filme juega con la novedad y la tradición.

“Ira de Titanes” además se estrena directamente con la posibilidad de verla en 3D; no como la primera parte, cuyo 3D llegó después del estreno y no con mucho éxito. Sin embargo, aunque los efectos especiales son dignos de admiración, el 3D no aporta todo el realismo que debiera. Los planos del largometraje son lo suficientemente buenos como para verse sumergido en la trama sin necesidad de las tres dimensiones. Puede que quizá el filme se aprecie más en una visión 2D, que en una versión 3D en la que sólo se acercan unas cuantas rocas. Cabe destacar que respecto a las localizaciones del rodaje de la película, España aporta su grano de arena. Tenerife y La Gomera fueron las islas elegidas para establecer el set de rodaje más grande del filme. El Teide, Abades, Los Derriscaderos, el Parque Rural de Teno, los acantilados de Los Gigantes o Roque de Agando fueron los paisajes canarios escogidos para ubicar la acción.

“Ira de Titanes” cuenta con un reparto envidiable. Muchos de ellos repiten en la secuela, como Sam Worthington, que vuelve a encarnar a Perseo. Desde “Avatar”, Worthington está consolidándose en el género de acción. En este largometraje de nuevo arrasa con la parte de acción pero cojea en la interpretación emocional. No obstante, al ser un largometraje en el que la mayoría de los minutos se desarrollan con múltiples efectos especiales y apenas diálogo, compensa su actuación. Otros que repiten y que dan muestra de su larga trayectoria profesional son Liam Neeson (Zeus) Ralph Fiennes (Hades) y Danny Houston (Poseidón). Los tres actores dan una credibilidad al largometraje que se agradece. “Ira de Titanes” también estrena nuevos actores. Rosamund Pike se adapta bien al género acción con su papel de Andrómeda, y deja a un lado la feminidad frágil que encarnó en otros éxitos como “Orgullo y Prejuicio”.  Otro de especial mención es Toby Kebbell (Agénor) que aporta el punto de humor al largometraje.

En resumen, “Ira de Titanes” encantará a los cinéfilos de acción y a los amantes de la mitología.

El mejor punto: Acción la mayor parte del tiempo. Juego de la mitología tradicional con nuevas versiones.

El peor punto: La versión 3D no aporta realismo al largometraje.

Puntuación: 4,5/5.

Almanya, bienvenido a Alemania

Título original: Almanya: Willkommen in Deutschland

Año: 2011

Duración: 97 minutos

País: Alemania

Género: Drama

Estudio: Golem Distribución

Sinopsis:

Después de vivir 45 años en Alemania como un “Gastarbeiter” (trabajador invitado) turco, Hüseyin Yilmaz, setenta años cumplidos, anuncia a su familia que ha comprado una casa en Turquía y que todos deben volver con él para hacer las reformas necesarias. La familia no se siente en absoluto atraída por la idea y todos empiezan a discutir acaloradamente. Por si no fuera bastante, Canan, una nieta de Hüseyin, decide anunciar que está embarazada y que el padre es su novio inglés, del que nadie sabía nada. Para consolar a su primo Cenk, de seis años, al que trataron de “extranjero” el primer día de colegio, Canan decide contarle la fantástica historia de por qué acabaron todos en Alemania a pesar de no ser alemanes.Viajan en el tiempo a un maravilloso lugar donde una pequeña familia turca descubre una tierra poblada de gigantes rubios que comen cerdo, sacan a unas ratas muy gordas a pasear con correa, beben agua llamada Coca-Cola, adoran a un hombrecito en una cruz de madera y usan un galimatías ininteligible, una tierra llamada ALMANYA .

La crítica de Punto de Encuentro:

Tobogán de sentimientos

Fernando Muñoz – Crítica.

La inmigración es un tema recurrente en el cine europeo. Se ha tratado desde múltiples puntos de vista a lo largo de las décadas. Últimamente nos estamos encontrando con películas que buscan tratar la inmigración desde un lado más humano e intimista, acercando la cámara a historias personales que consiguen que los espectadores empaticen con los protagonistas. Pero este tema permite a los directores múltiples enfoques. Así hemos visto recientemente obras trágicas como la  francesa  “Welcome” de Philippe Lioret o más recientemente la canadiense  “Amerrika”. Almanya tiene puntos en común con esta última, aunque está enfocada desde un punto más cómico.

La directora alemana de origen turco, Yasemin Sanderele, ofrece una visión costumbrista y quizá más realista que las otras películas, que son totalmente dramáticas. Plantea una historia en la que los personajes no sufren constantemente, si no que tienen tiempo para vivir su vida de forma natural, divertirse, reír, llorar, como cualquier otro, aunque con el problema de la identidad cultural siempre rondando por sus mentes.

Sanderele aprovechó la experiencia de su juventud para crear la historia. Para ello estuvo trabajando en el guión, junto con su hermana, durante más de diez años y tras más de cincuenta borradores dio por fin con el definitivo. Y ese esfuerzo en la construcción del guión se hace patente en la pantalla. Una obra cincelada a base de personajes bien construidos, que muestra el ciclo vital de la vida de una familia en constante cambio pero con un punto de apoyo fijo, la figura del abuelo, que a lo largo de la historia va traspasando ese poder a su joven nieto. La historia se redondea ella sola casi como un ente vivo, adquiriendo conciencia propia y completando su mismo círculo , desde la vida hasta la muerte.

Así nos encontramos ante una película tierna, conmovedora y dramática, que lleva al espectador desde la risa floja a los ojos vidriosos. Todo un tobogán de sentimientos por los que el espectador disfruta deslizándose.

El mejor punto: El final en el que los personajes descubren su camino interior. La directora no cae en los clichés típicos a los que el tema se podría prestar.

El peor punto: Que los cinéfilos se queden sin ver la película por los prejuicios que este tipo de film suele levantar.

Puntuación: 4/5 .

Blancanieves

Título Original: Mirror, Mirror

Año: 2012

Duración: 106 min.

País: EEUU

Género: Fantasía, Comedia

Estudios: Rat Entertainment / Relativity Media

Sinopsis:

Esta nueva versión del clásico cuento está protagonizada por Lily Collins y Julia Roberts, que interpreta a la malvada madrastra que reina en lugar de Blancanieves. Siete valerosos y rebeldes enanitos ayudarán a Blancanieves a prepararse para que pueda reclamar su derecho al trono, que le pertenece por nacimiento, y también a conseguir a su príncipe. Esta aventura está llena de comedia, celos, romance y traición. La película cuenta además con Armie Hammer, que interpreta al príncipe Alcott, y Nathan Lane como el torpe y desdichado sirviente de la reina.

La crítica de Punto de Encuentro:

“Érase una vez…”

Yaiza Martel Trapote (@YaaiMartel) – Crítica.

“Érase una vez un reino muy lejano donde las estaciones duraban décadas, la reina gastaba el dinero en tratamientos de belleza, y el príncipe del cuento era la damisela en apuros…” A priori ya podemos imaginar que “Blancanieves” romperá con la versión del clásico cuento de los hermanos Grimm. Sin embargo no faltan los míticos iconos de la historia: el reino, la bruja, el espejo, el príncipe, la magia, los enanitos, la piel blanca como la nieve y el pelo oscuro como el ébano…y, por supuesto, la manzana.

“Blancanieves” es una comedia romántica que entretiene a todos los públicos. Si bien es cierto que la película se aleja de la tradición, nos sigue evocando nostalgia. Para los más pequeños el filme será una trepidante historia de aventuras; pero la película también guarda un guiño para los mayores, en especial las mujeres. En el largometraje podemos apreciar la rivalidad de una bella bruja malvada pero que no puede competir con la juventud. Una magnífica Julia Roberts sale de su clásico papel de protagonista buena y se convierte en la odiada de la película. Sin embargo, más que odio, nos causa una identificación plena con la realidad de hoy en día: el físico. La malvada bruja sólo se preocupa de ser la más hermosa y para ello recurre al espejo mágico, quien le sirve fielmente no sin advertirle de las consecuencias. No obstante, la magia no es suficiente y la reina es capaz de someterse a tratamientos de belleza ostentosos e inimaginables con tal de atraer la atención del príncipe. Una clara crítica a la idea tan arraigada a la sociedad, que identifica “envejecer” con “pérdida de la belleza”. Finalmente en el cuento vemos que no hay magias ni tratamientos posibles para retrasar el paso de los años, realidad perfectamente trasladable a la vida real.

El descubrimiento de Lily Collins para interpretar a Blancanieves es acertado. Hemos podido ver a esta actriz inglesa en películas como “The Blind Side” o “Abduction”, pero es “Blancanieves” su destacado salto a la gran pantalla. Collins tenía complicado destacar con un elenco estelar de actores como lo son Julia Roberts, Sean Bean o Nathan Lane. Aunque encarna perfectamente la dulzura de Blancanieves y le aporta el punto caballeresco que requiere la nueva versión, tal parece que la actriz necesita todavía experiencia. Es un diamante sin pulir que sin duda no ha comenzado nada mal, al compartir cartel con Julia Roberts. Su compañero de película, Armie Hammer, quien interpreta al Príncipe, sí da al largometraje una credibilidad que se agradece. Aun sin tener mucha experiencia en el cine, Hammer consigue no sólo potenciar el físico que requiere el personaje sino los matices de comedia que necesita la nueva versión.

En resumen, “Blancanieves” no defraudará a los pequeños, quienes cada día demandan más acción. Pero tampoco lo hará a aquellos mayores que acompañen a los niños al cine. Las sonrisas y la nostalgia están aseguradas.

El mejor punto: Aunque parezca una película infantil, sorprende comprobar que más bien es una comedia romántica.

El peor punto: Las versiones tradicionales de los cuentos se están rompiendo en el cine, pero quizá “Blancanieves” lo rompa demasiado, hasta el punto de ser una historia casi distinta.

Puntuación: 4/5.

Emocionar como objetivo

Nazareth Meijide – Crítica.
Negar que el último largometraje de Stephen Daldry es intenso sería mentir pero hay un largo trecho entre una buena película y una película que, simple y llanamente, sólo busca emocionar.
El hilo argumental de este film, la tragedia del World Trade Center, o lo que es lo mismo el atentado del 11 de Septiembre de 2011, convierte a esta película en una de esas que tanto gustan a la crítica estadounidense y que ya de por sí le consiguen un par de candidaturas al Óscar.
La aparición de un Tom Hanks, que parece no darse cuenta de que está encasillado, y una Sandra Bullock, que intenta emocionar sin resultado, los convierte en meros títeres en todo el entramado de esta película de la que, sin dudarlo, lleva todo el peso Thomas Horn; el que, a pesar de su juventud, consigue transmitir todas las sensaciones que no logran hacer llegar el resto de personajes.
Si hay algo que realmente sería a destacar de esta película reside en el aspecto técnico. Tanto la labor de la fotografía y vistosidad de los planos como la mportancia del sonido, o mejor dicho del “ruido”, consiguen dar un trasfondo al que no llegan la mayoría de personajes de este film.
El mejor punto: Thomas Horn como protagonista.
El peor punto: exageradamente y, casi fingido, sentimentalismo.
Puntuación: 2/5

De tu ventana a la mía

Título original: De tu ventana a la mía

Año: 2011

Duración: 107 min.

País: España

Género: Drama

Estudio: Amapola Films/Oria Films

Sinopsis:

Violeta (Leticia Dolera) Inés (Maribel Verdú) y Luisa (Luisa Gavasa) son tres mujeres de edades diferentes, que viven en mundos alejados entre sí, y cuyos días transcurren silenciosamente, al otro lado de la ventana, casi al margen de la historia. De tu ventana a la mía retrata esas mujeres calladas, cuyas vidas transcurrieron en aparente placidez, pero cuyos recuerdos guardaban secretos, pasiones, sueños. La historia va entretejiendo sus días, sus ratos de soñar y coser junto a la ventana, sus temores y deseos silenciados. Hasta que un día, sufren un golpe inesperado: la ausencia, la pérdida y el dolor se abalanzan sobre ellas. Y las tres tendrán que luchar por su dignidad, por buscar un sentido vital y una cierta felicidad en un paisaje árido y hostil. Esta película es su retrato íntimo y emocional, un visillo tejido con sus hilos, luchas, silencios y pequeñas victorias. Porque, a veces, la imaginación es capaz de volar más allá de todas las ventanas.

La crítica de Punto de Encuentro:

Hay historias de amor que son como amapolas

Yaiza Martel Trapote (@YaaiMartel) – Crítica.

Paula Ortiz nos presenta en “De tu ventana a la mía” un apasionado y dramático filme. La directora aragonesa debuta cinematográficamente y lo hace de la mano de Maribel Verdú, Leticia Dolera y Luisa Gavasa.  Si en las carteleras siguen éxitos patrios como “Luces Rojas”, otra joven directora, como lo es Paula Ortiz, se anima a rivalizar en las taquillas.

“De tu ventana a la mía” no sólo posee una catarsis cómplices entre el género femenino, sino que supone una nostalgia a momentos clave de la historia española. Las protagonistas se contextualizan en el período de Primo de Rivera (1923) la postguerra civil española y la instauración de la dictadura de Francisco Franco (1940) y el fin del régimen franquista (1975). Paula Ortiz no sólo juega con las etapas significativas, aún en el recuerdo, de España sino que también establece la edad como diferencia entre las protagonistas. Tres formas distintas de amar: el primer amor en la adolescencia, trágico e inolvidable; el amor de una vida, madurez encarnada en la etapa media de la vida con proyectos de futuro; y el amor familiar, que permanece siempre fiel.

Especialmente significativa es la interpretación de Maribel Verdú, Leticia Dolera y Luisa Gavasa. Las tres actrices consiguen emocionar al público con lo que es una actuación plenamente pasional. Este filme va más allá de una simple película de amor trágico. Paula Ortiz manifestó que la pretensión del largometraje era “evocar las soledades, melancolías, caricias, sensualidades, miedos, angustias, encierros y contradicciones que vivieron dentro de casa, detrás de sus ventanas.” Sin ser dueñas de su destino, los tres personajes se ven envueltos en una serie de desgracias arbitrarias.

Violeta (Leticia Dolera) es la encarnación de la dulzura. “Háblame para que no se duerman mis sentidos”, escuchamos decir a esta joven. En pleno contexto de persecución a los infieles por parte de Primo de Rivera (1923) Violeta vive apartada del ajetreo. Las noticias llegan a través de cartas y rumores. Con su padre, aprende a valorar la belleza de la naturaleza. Las flores, las mariposas, y el columpio del jardín son sus mejores amigos. Una vida monótona y segura que se ve alterada con la aparición de Manuel (Pablo Rivero) Con él experimenta la parte sentimental de la propia naturaleza. Las fórmulas químicas y biológicas pasan a ser incomprensibles e impredecibles. Violeta vivirá ese primer amor que marca y nunca se olvida. También conocerá el fracaso. Esas cartas que nunca llegaron, esas promesas de amor que quedaron vacías…A partir de entonces, Violeta sufrirá una grave depresión que le hará sobrellevar la parte mala de la vida. Ésa que todos queremos ahorrarnos pero de la que no podemos escapar. Más aún cuando se es joven y la pasión es el estandarte en tu vida. Leticia Dolera consigue que compartamos con ella sus sentimientos más oscuros.

Inés (Maribel Verdú) nos recuerda la España más típica de los años 40. Los campos de trigo de Castilla y el trabajo de sol a sol son muestra de ello. “Que me sé tu calor de memoria. Por si un día te vas o te escondes”, oímos a Inés decir. En el verano de 1940, esta campesina espera la vuelta de su amor, Paco (Roberto Álamo), en un período donde el terror está latente. Pero con él, los miedos quedan de lado y se da paso al amor. De este modo, Inés es más mujer y se aparta del sudor del trabajo. Inés refleja el amor maduro de la edad adulta. La puesta en común de proyectos y ambiciones…siempre compartidas. Maribel Verdú ya nos tenía acostumbrados a sus grandes actuaciones. En “De tu ventana a la mía”, la actriz vuelve a emocionarnos.

Pero sin duda es Luisa (Luisa Gavasa) el personaje con más catarsis. “Dame un beso como en las películas”, dice Luisa. Esta mujer vive el final de su vida en color grisáceo. Coincidiendo con el fin del régimen franquista (1975) Luisa ve sus últimos días entre paredes de hospital y sintonías de Alfredo Kraus. La enfermedad terminal de la época, cáncer de mama, llega a Luisa. Este personaje es profundamente emotivo no sólo por la enfermedad aún vigente en la sociedad, sino por el tempus fugi reflejado en el largometraje. La historia de Luisa nos hace comprender que el ayer es pasado y el hoy es lo único que tenemos. Si esperamos al mañana, puede que éste nunca llegue. La racionalidad no está hecha para el amor. No hay pautas a seguir. Es lo que apreciamos con este papel que Luisa Gavasa encarna a la perfección.

“De tu ventana a la mía” nos cuenta que “hay historias de amor que son como amapolas: rojas, frágiles, casi viento…Y aun así, se pegan a la garganta”. El estreno de Paula Ortiz en el largometraje ha comenzado de la mejor manera. El filme consiguió tres nominaciones a los Goya de 2012: mejor director novel, mejor canción original, y mejor actriz (Maribel Verdú) Aunque no consiguió ganar en ninguna candidatura, Paula Ortiz parece ser una directora de cine prometedora.

El mejor punto: La catarsis que provoca el largometraje.

El peor punto: Los continuos saltos en las historias puede provocar la pérdida del hilo en las mismas.

Puntuación: 4,5/5

John Carter

Sinopsis:

Narra la historia de un veterano de guerra, el ex militar Capitán John Carter, quien inexplicablemente es transportado hasta Marte donde, pese a su reticencia, se verá inmerso en un conflicto de proporciones épicas con los habitantes del planeta, entre los que se encuentran Tars Tarkas y la cautivante Princesa Dejah Thoris. En un mundo al borde del colapso, Carter redescubrirá su humanidad al advertir que la supervivencia de Barsoom y su gente está en sus manos.

La crítica de Punto de Encuentro 

La historia se repite

Laura Cervera (@LauraCerveraC)- Crítica.

Allí, a lo lejos en el tiempo, en el lejano Oeste que ha sido testigo de la Guerra Civil americana, entre desiertos y cañones, se encuentra una cueva capaz de llevarnos hasta Marte, rebautizado con el nombre de Barsoom. Esta historia tiene el mérito de conseguir enlazar escenas de Western, con ciencia ficción encarnada en los extraterrestres y con historias de amor entre princesas que sacrifican su vida por su reino y el héroe que las salva.

La película está basada en la novela de Edgar Rice Burroughs, “La princesa de Marte”. Una historia que lograría un argumento totalmente original en “la gran pantalla”, si no fuese porque otras películas como Star Wars, o Avatar ya bebieron de esta fuente para inspirarse. El resultado por tanto es una mezcla de escenas durante dos horas, que dan la sensación de haber sido vistas demasiadas veces.

 Al menos la poca fuerza de la interpretación en los actores es compensada por los efectos especiales, que dejan algunas grandes escenas como las batallas entre naves espaciales, o la persecución en una especie de “motos voladoras”. En cualquier caso, el director, Andrew Stanton, queda por el momento desacreditado como alguien capaz de dejar la imagen animada para centrarse en la real, con algunos saltos argumentales entre batalla y batalla que dejan un poco desubicado al espectador. Una sorpresa teniendo en cuenta su gran trabajo en otras películas de animación como “Wall-e”, “Bichos” o “Buscando a Nemo”.

 Aún con todo esto, no deja de ser una película de acción en la que es fácil entretenerse. La gran riqueza visual de los efectos especiales llena la pantalla durante todo ese tiempo, solucionando el resto de defectos.  No es que sea mala película, el problema es que llega demasiado tarde, cuando ya hemos visto todas las ideas posibles sobre esta historia.

 Los expertos auguran un batacazo para esta película, que ha gastado más dinero en promoción del que probablemente gane en taquilla. Igual que pasó con el Capitán Trueno, la película se queda corta para los fieles de John Carter, que engrosa la lista de los personajes de ficción eclipsados por su propia historia original. Y es que las comparaciones son odiosas, pero útiles.

El mejor punto: Los efectos especiales.

El peor punto: Duración excesivamente larga.

Puntuación: 3/5.

Los idus de marzo

La crítica de Punto de Encuentro

El poder lo es todo

Lorena Rojo Ramos (@lorensia_rr) – Crítica.

En un momento en el que la precampaña de las elecciones andaluzas y asturianas marcan la agenda informativa de estos días, llega a la gran pantalla Los idus de Marzo, un thriller político que cuenta todos los entresijos que hay detrás de un acto así. Ryan Gosling encabeza el reparto interpretando a Stephen Meters, un asesor de comunicación que plantea una estrategia para que el gobernador Mike Morris (George Clooney) gane las elecciones primarias del Partido Demócrata. Una relación con la becaria Molly Stearns (Evan Rachel Wood) y una conversación con su contrario, Tom Duffy (Paul Giamatti), cambiarán el transcurso de su destino.

El peso fuerte de la cinta recae sobre el personaje de Gosling, que posee grandes dotes de confianza y seguridad en todo lo que hace y dice. Estas facetas le convierten en un gran orador, y hay ratos en los que el espectador se preguntará por qué él no es el candidato. El lenguaje audiovisual cargado de planos picados, unido a una buena iluminación, aumentan el poder de Gosling que llena cualquier espacio con su presencia y convierte al silencio en un compañero. El personaje desempeña y sufre tres momentos en la película: el poder, la traición y la estrategia unida a más poder. La moraleja puede ser algo así como el que tiene y sabe usar las herramientas necesarias para llegar al poder, tendrá lo que desee.

La adaptación del guión que procede de la obra teatral Farragut North, escrita por Beau Willimon, le valió a George Clooney una nominación a Mejor Guión Adaptado en la pasada ceremonia de los Oscars. Clooney también interpreta, dirige y produce esta cinta que, en una entrevista realizada por Rocío Ayuso para El País, confesó que le había costado nueve millones de euros.

Los idus de marzo es una película política con aspectos dramáticos, que envolverán al espectador en una situación de estrategias, conspiraciones, venganza, comunicación y poder.

El mejor punto: los planos que engrandecen a Gosling.

El peor punto: la poca humanidad que representan los protagonistas a ratos.

Puntuación: 3/5.

Intocable

Título Original: Intouchables (Untouchables)

Año: 2011.

Duración: 109 min.

País: Francia.

Género: Comedia, Drama.

Estudio: Quad Production.

Sipnopsis:

“Intocable” es una comedia centrada en la inesperada amistad que surge entre dos personas con nada en común y maneras muy diferentes de entender la vida: un millonario que se ha quedado tetrapléjico debido a un accidente y el hombre al que contrata para que lo cuide, un inmigrante proveniente de los suburbios de París que acaba de salir de la cárcel.

La crítica de Punto de Encuentro:

Amistad sin prejuicios

Yaiza Martel (@YaaiMartel) – Crítica.

Inspirada en hechos reales, “Intocable” nos relata la historia de Phillippe (François Cluzet) y Driss (Omar Sy). Phillippe es un millonario tetrapléjico que contrata a un inmigrante recién salido de la cárcel para que lo cuide, Driss. La vida de Phillippe es rutinaria y monótona hasta que Driss le da la emoción y la fuerza que necesita para seguir viviendo.

Dirigida por Olivier Nakache y Eric Toledano, el filme francés se situó como la número uno de la taquilla francesa. El largometraje juega con la mezcla de drama y comedia. Por muy dura que se presente la vida del personaje Phillippe, Driss demuestra que siempre hay motivos por los que seguir adelante. Sus puntos de humor hacen que lo trágico se haga más llevadero. Driss y Phillippe representan una amistad cómplice, una confianza recíproca y un aprendizaje mutuo. Driss comienza a valorar la importancia de la familia y la cultura; mientras que Phillippe vuelve a recuperar la confianza en sí mismo. La resignación de Phillippe se irá convirtiendo en optimismo.

El filme también muestra el prejuicio aún existente entre razas. La sociedad blanca se manifiesta sin problemas económicos y en un contexto donde aparentar es vital. Por su parte, la comunidad negra se sitúa total marginación, condiciones desfavorables y juicios raciales. Más allá de eso, los personajes discrepan en la selección de música y en el arte. Pero en vez de ser intolerantes, lo ven como un modo de conocer cosas nuevas.

En resumen, “Intocable” es una historia profundamente emotiva que nos enseña el valor de la amistad, la apreciación de la vida y la incoherencia de los prejuicios raciales.

El mejor punto: Los puntos de humor que dan optimismo y vitalidad.

El peor punto: Inspirada en hechos reales, pero es la adaptación cinematográfica y por lo tanto con factores ficticios.

Puntuación: 4/5.

Indomable

Año: 2012

La crítica de Punto de Encuentro:

La interminable retirada de Steven Soderberg

Roberto C. Rascón. @rcrascon – Crítica.

¿Dónde está el director de esa obra maestra llamada Traffic? Han pasado 11 años desde que Steven Soderberg recibiera el Oscar al Mejor Director por su excelente retrato del mundo del narcotráfico. Poco queda de aquel director a tenor de lo visto en su última película, Indomable. En los últimos tiempos, el director estadounidense es más noticia por sus continuos amagos de retirada que por sus películas, situación muy triste para los amantes del séptimo arte a tenor de su enorme talento. Un adiós que va camino de alargarse, ya que el cineasta tiene en cartera proyectos como Magic Mike, Behind the Candelabra o The Bitter Pill.

Mientras Steven Soderbergh sigue deshojando la margarita para decidir su retirada definitiva del mundo del cine, podría aprovechar para dejar un buen sabor de boca filmando películas que funcionaran como su testamento cinematográfico. Por el contrario, el creador de Sexo, Mentiras y Cintas de Vídeo parece empeñado en dilapidar su prestigio con bodrios como Indomable. En esta ocasión no tiene excusas, ni es una película grande como Ocean´s Thirteen para financiar un proyecto más personal, ni es una película de carácter experimental como Bubble. Si no tiene mejores historias que contar, quizás debería cumplir su promesa.

Como ya hizo en su anterior película, Contagio, Soderbergh tira de ‘amiguetes’ y consigue rodearse de reconocidos actores. Realizan pequeños papeles intérpretes como Antonio Banderas, Michael Douglas, Ewan McGregor, Channing Tatum, Michael Fassbender, Mathieu Kassovitz o Bill Paxton. Si prestan su rostro a Soderbergh por amistad (no creo que hayan cobrado mucho por participar en Indomable), también podrían tener el valor de decirle que el proyecto que tiene entre manos no merece la pena. Ni qué decir tiene que todos ellos sacan adelante sus personajes con el piloto automático. Aunque la gran protagonista de la película es Gina Carano, famosa luchadora de artes marciales mixtas, que se defiende mejor repartiendo estopa que interpretando. Esta peculiar elección no es nueva en el director, ya que en The Girlfriend Experience convirtió a una estrella del porno, Sasha Grey, en actriz. ¿Es ese el legado que quiere dejarnos Soderbergh?

Al director norteamericano le gustan los homenajes, como ya demostró con la infravalorada El Buen Alemán, y hay en Indomable un regusto a Serie B que no termina de cuajar. Si como homenaje no funciona, al menos tendría que hacerlo como divertimento tratándose de una película de acción, pero ni eso. Y es que a una trama pobre, que además te subrayan sin necesidad a escasos minutos del final, hay que añadirle unas peleas y persecuciones absolutamente anodinas. Es sorprendente que a una película protagonizada por una luchadora de artes marciales le falte ‘punch’. La cinta se cierra con Banderas diciendo “shit” (mierda en castellano) y si él lo dice…

El Mejor Punto: La capacidad de Barcelona para venderse al mundo a través del cine.

El Peor Punto: Un reparto desaprovechado.

Puntuación: 1/5.

 No existen límites cuando surge el amor

Yaiza Martel Trapote @YaaiMartel – Crítica.

“No existen límites cuando surge el amor” es lo que trata de decirnos esta comedia romántica italiana. Gianfrancesco Lazotti, director, guionista y creador del argumento, nos trae una emotiva historia donde la evolución de los personajes es palpable.

La interpretación de Cristiana Capotondi como Katia es inspiradora. La protagonista es una chica joven en silla de ruedas debido a una distrofia muscular. A lo largo de la película vemos como Katia pasa de ser una mujer insegura a una romántica dispuesta a hacer lo que sea por su amado. El largometraje no deja de tener puntos típicos de las grandes historias románticas, como lo son las cartas diarias que Katia escribe a Danilo.  El cambio de la personalidad del personaje también se refleja en Danilo (Filippo Nigro) La violencia como punto de partida es sustituida por las ganas de superación y la racionalización.

“De cintura para arriba” no sólo plantea el amor romántico, sino también el deseo y la pasión. Danilo y Katia se casan y con ello obtienen un permiso de dos horas para estar juntos. Las relaciones sexuales entre ellos son complicadas debido a la minusvalía de Katia. Además del plano físico, también se aprecia el debate moral de Danilo. Finalmente, una vez más, el amor gana a la razón.

El filme se compone de una trama presente que se va desarrollando mientras se combina con flashback. Es un formato atractivo ya que vemos la correlación de hechos. Sin embargo, hace que en ocasiones se pierda el hilo presente de la historia. Podremos verla en España el próximo marzo.

El Mejor Punto: Es una historia de superación personal.

El Peor Punto: No hay una trama lineal sino con continuos flashbacks; se pierde el hilo presente.

Puntuación: 2/5

En Tierra de Sangre y Miel