Todo queda en familia

Marta Rodríguez (@MartaRMa) – Crítica.

Un invierno en la playa, supone el debut como director y guionista de Josh Boone. Este drama romántico con toques de comedia afronta el tema de las familias desestructuradas ydel amor, en todas sus facetas, como motor del mundo.

Con un estilo bastante indie esta cinta aborda a una familia de escritores. El experimentado novelista Bill Borgens, su hija Samantha, a quien han publicado su primera novela, y su hijo Rusty, fanático de la obra de Stephen King. A través de ellos recorreremos las etapas del amor (ingenuo, hipócrita y maduro) partiendo de un punto en común: el divorcio de Bill y Érica.

En su primera incursión en el cine, Boone ha tenido la suerte de contar con actores consagrados de la talla de Greg Kinnear (Pequeña Miss Sunshine) brillante como siempre en el personaje del sufridor Bill; y Jennifer Conelly (Una mente maravillosa) como Érica, la exmujer de Bill, en un papel poco lucido. También se suman jóvenes talentos como Lilly Collins (Blancanieves), como la fría y directa Samantha, y Logan Lerman (Las ventajas de ser un marginado), el adorable y tierno Lou.

El guion, que corre a cargo del propio director, y cuya historia tiene tintes autobiográficos se sostiene. No es un gran guion (es bastante presuntuoso las voces en off recitando pasajes de obras de escritores cada dos por tres) pero hay personajes, como Samantha, muy bien construidos y redondos. Otros en cambio, como Érica, dejan bastante que desear pues a pesar de ser un pilar fundamental en la película no llegas a saber mucho de ella.

Al principio la película tarda en arrancar y hasta puede que se llegue al aburrimiento, pero afortunadamente según avanza el metraje de la película, con la incursión del humor y unas actuaciones bastante decentes, uno va dejándose llevar. El resultado es una película sobre personas, optimista y con buenos momentos.

El mejor punto: un sorprendente Logan Lerman

El peor punto: demasiado predecible

Puntuación: 3/5

360: Juego de destinos

Título original: 360

Año: 2011

Duración: 110 min.

País: Reino Unido

Director: Fernando Meirelles

Guión: Peter Morgan (Obra: Arthur Schnitzler)

Fotografía: Adriano Goldman

Reparto: Anthony Hopkins, Jude Law, Rachel Weisz

Productora: Coproducción GB-Austria-Brasil

Género: Drama, romance, thriller

Calificación moral: PC

Sinopsis:

Una bella mujer eslovaca se encuentra en un estudio de fotografía embarcándose en una nueva carrera. Mientras Mirka es fotografiada por el proxeneta austriaco Rocco para su perfil online como escort, Anna , su hermana pequeña, siempre con la cabeza metida en sus libros, la observa en silencio desde el fondo. Michael Daly, un hombre de negocios británico, va a ser el primer cliente de Mirka, pero cuando se van a reunir en el bar de un hotel, es distraído por un colega, un vendedor alemán que quiere discutir un negocio. El vendedor observa a Mirka sentada sola en el bar y reconoce que es una prostituta. Michael, sintiéndose incó- modo con la situación y dándose cuenta de que pasarla noche con ella no es lo que quiere hacer, y decide abandonar el bar solo. El alemán descubre que Michael había contratado a Mirka y le chantajea para que firme un contrato con su compañía. Michael vuelve a Londres con su mujer Rose y su hija pequeña. Rose está envuelta en una aventura con un joven fotógrafo brasileño, Rui, pero ha decidido dejarlo. Mientras, la novia brasileña de Rui, Laura ha descubierto su infidelidad y cuando él vuelve al piso que comparte con ella, ésta ya se ha marchado para volver a Brasil. En París, un argelino, un viudo solitario, lucha con su deseo por su empleada que está casada, una mujer rusa llamada Valentina, y su devoción a su fé musulmana. Busca consejo en su imán y en un terapeuta a la vez que lucha con su dilema interno. Una destrozada Laura decide emborracharse en su vuelo de vuelta a casa cuando entabla conversación con el hombre mayor que tiene al lado. Él le explica que su hija desapareció hace muchos años y que viaja a Phoenix porque un cuerpo que encaja con su descripción ha aparecido. Llegan a Denver pero un gran tornado les sorprende y deben pasar allí la noche. Entre los otros cientos de pasajeros está un joven americano, Tyler, un delincuente sexual convicto recién liberado de una prisión de seguridad y de camino a casa. Está nervioso, y en un entorno público y llama a su psicóloga de la cárcel, Fran para pedirle ayuda.Al volver alrestaurante del aeropuerto encuentra a Laura sentada en su mesa, esperando al hombre mayor. Sin que el argelino lo sepa,Valentina es desgraciada en su matrimonio y comparte sus fuertes sentimientos. Cuando vuelve a París de un viaje a Phoenix para visitar a su hermana, encuentra a su marido Sergei, organizando un viaje de negocios a Viena para su jefe, que incluye recogerle en el aeropuerto en su coche de lujo, llevar su pistola y contratar a una prostituta para él. Mientras espera fuera del hotel en Viena en el coche, Sergei conoce a una joven leyendo un libro, y desarrollan un vínculo instantáneo. Están todos conectados.

Alba Freire Martín – Reportaje.

Muchas han sido las musas del genio neoyorkino a lo largo de su dilatada carrera, pero parece que para el artista nunca es suficiente y ha añadido a su lista a Emma Stone, con la que rodará este verano al sur de Francia una comedia que se estrenará el próximo año y que aún no tiene nombre.

Si hay algo que todas tienen en común además de haber trabajado con el artista y haberse convertido en sus musas, es que sus carreras, nunca han vuelto a ser las mismas, y el cambio siempre ha supuesto un gran reconocimiento de sus talentos más explícito que nunca, y es que parece que convertirse en musa de Woody Allen y ganar un premio por este trabajo es un hecho casi asegurado.

Parece ser que colaborar con el neoyorkino confiere un gran estatus dentro de Hollywood, y a partir de los próximos meses, puede que una nueva promesa (no por ello desconocida), del cine lo alcance y se convierta en una posible candidata a los más prestigiosos premios del séptimo arte en los próximos años. La afortunada se llama Emma Stone.

Empezó como muchas otras en la televisión y más tarde dio el salto a la gran pantalla con la comedia ligera con títulos como Un rockero de pelotas y Los fantasmas de mis ex novias, o dando voz a personajes de dibujos animados. Desde 2010 su carrera no ha parado de ascender, participó en el Show Saturday Night Live en Octubre de 2010, fue nominada a los Globos de oro al año siguiente por Easy A, y protagonizó una de las películas revelación de 2011 Criadas y Señoras.

Aunque ha ganado numerosos premios otorgados por el público adolescente como los Teen Choice Awards o los MTV Movie Awards, votados por la audiencia de la cadena este nuevo rumbo profesional puede otorgarle otros premios más prestigiosos si cabe.

Tal vez rodar este verano a las órdenes de Woody Allen y junto a Colin Firth existen muchas posibilidades, puesto que algo parecido les pasó a otras musas de Allen antes que a ella.

Diane Keaton ya era una estrella consagrada gracias a la saga de El Padrino además de muy reconocida en el mundo teatral cuando comenzó a trabajar con Allen a finales de los años 70, iniciando una relación profesional intermitente que tendría como fruto varias películas a lo largo de más de 2 décadas. Por una de ellas Annie Hall, Keaton consiguió su única estatuilla dorada hasta el momento en 1977.

Es casi a la par conocida por sus colaboraciones con Roman Polanski, que junto con Allen la encumbraron con obras como La semilla del diablo y Muerte en el Nilo, Días de radio y Hannah y sus hermanas, estas ya de Allen. Por esta última, otra de sus musas, Dianne Wiest ganó uno de sus Oscars.

Más cercana a nosotros Penélope Cruz era toda una estrella en nuestro país y empezaba a hacerse un hueco en Hollywood cuando fue nominada por primera vez a los Oscars en 2006 por Volver de Pedro Almódovar, pero no sería hasta 2009 cuando se consagraría su carrera, también de la mano de Allen con Vicky Cristina Barcelona su hasta el momento único gran premio de la academia, pero no su última nominación, ya que consiguió de nuevo optar a la estatuilla por Nine 2 años después.

Sin llegar a obtener un Oscar, pero sí una nominación a los globos de oro Scarlett Johansson consiguió ser tomada de nuevo en serio en la industria al trabajar con Allen en Scoop, Match Point (por la que obtuvo dicha nominación) y como coprotagonista de Vicky Cristina Barcelona.

Una actriz también joven como Mira Sorvino, que a pesar de ser hija de actor, no se formó para trabajar en la interpretación, consiguió el más alto reconocimiento por su carrera cinematográfica gracias a Poderosa Afrodita, también dirigida por Allen, que no solo le valió el Oscar, si no también el Globo de Oro al que ha estado nominada en otras 2 ocasiones posteriores y que no ha vuelto a alcanzar.

Diane Wiest puede ser tal vez el caso más parecido a Stone, tenía una corta carrera cuando en 1985 realizó su primera película a las órdenes del director en la primera de 5 colaboraciones durante las décadas de los 80 y 90 y ganó el primero de sus 2 Oscars (todos conseguidos por sus colaboraciones con el genio), por Hannah y sus hermanas y Balas sobre Broadway. A los que se sucedieron numerosos premios por estas colaboraciones.

No sabemos que le depara el futuro a la joven actriz de 24 años, pero Emma Stone está a punto de vivir un punto de inflexión en su carrera, que promete ser muy próspera.

Diaz: No limpiéis esta sangre

Título original: Díaz: Non pulire questo sangue

Año: 2012

Duración: 127

País: Italia

Género: Drama

Productora: Coproducción Ita-Rum-Fra; Fandango / Le Pacte / Mandragora Movies

Director: Daniele Vicari

Guionista: Daniele Vicari, Laura Paolucci, Alessandro Bandinelli, Emanuele Scaringi

Música: Teho Teardo

Fotografía: Gherardo Gossi

Reparto: Claudio Santamaria, Jennifer Ulrich, Elio Germano, Davide Iacopini, RalphAmoussou

Calificación moral: +18

Sinopsis:

Una película basada en los hechos ocurridos en 2001, en Génova, durante la conferencia del G8. Aunque la ciudad se había blindado para recibir a los dirigentes de las potencias mundiales, un grupo de activistas, la mayoría estudiantes, se encerraron en la escuela Díaz y fueron desalojados brutalmente por la policía.

La crítica de Punto de Encuentro:

Violencia

Roberto C. Rascón (@rcrascon) - Crítica.

Miedo, angustia, terror, desasosiego, ansiedad, pánico, preocupación, malestar,consternación, congoja, incertidumbre, temor, nerviosismo, horror, desolación, pavor, tristeza, perplejidad, conmoción, pena, desesperación, agotamiento, desamparo, aflicción,… Todos esos sentimientos debieron afluir a los seres humanos presentes en la Escuela Díaz un infame 21 de julio de 2001 a causa de la desmedida violencia ejercida contra ellos por unas bestias vestidas de uniforme.

Daniele Vicari, director de Diaz: No limpieís esta sangre, consigue transmitir todos esos sentimientos al espectador que asiste atónito a una espiral de violencia incomprensible e injustificada. El cineasta logra que el público sienta los golpes, tanto en el aspecto físico como en el psicológico, que reciben ese grupo de jóvenes y no tan jóvenes protagonistas de una historia de terror absolutamente real. Los minutos que transcurren entre la entrada de los ‘carabinieri’ a la Escuela y su salida se vuelven tan insoportables como necesarios para sacar a la luz un hecho opacado por el gobierno italiano.

Vicari no necesita elementos paranormales para generar miedo, basta con un grupo de policías sedientos de sangre movidos por un odio irracional. El realizador italiano ha creado un nuevo subgénero: El terror-realista. Para ello, hace uso de un tono documental que acrecienta la sensación de realismo, utilizando imágenes reales tomadas durante los incidentes que tuvieron lugar en Génova durante aquellos días. El movimiento antiglobalización invadió la ciudad italiana reivindicando que ‘otro mundo es posible’ y la respuesta recibida fue tajante.

El director no utiliza caras conocidas, sino que reúne un reparto coral que le permite contar varias historias que desembocan en la masacre de la Escuela Díaz. Desde un viejo sindicalista, hasta una joven idealista, pasando por un maduro hombre de negocios; todos ellos se vuelven iguales ante las porras de los ‘carabinieri’. Vicari congrega una torre de babel en la que el italiano, el inglés, el francés o el español fluyen con naturalidad. El papel de la prensa, que silenció lo ocurrido, también es analizado de forma crítica en la película.

Vicari no escatima a la hora de mostrar la violencia ejercida por los policías, lo que en determinados momentos hace pensar en un regodeo cercano al sensacionalismo. El propio director, presente en el preestreno de la cinta en España el pasado 20 de noviembre, se encargó de disipar dudas: “La película es más ligera que lo pasó allí en realidad”. Lo más incomprensible es que el día anterior la policía había asesinado al activista Carlo Giulani y en vez de intentar calmar los ánimos, se embarcó en una operación que la propia Amnistía Internacional calificó como la suspensión de derechos humanos más grave en un país occidental desde la II Guerra Mundial.

El mejor punto: La sensación de realismo.

El peor punto: En algunos momentos se vuelve reiterativa.

Puntuación: 3/5

El impostor

Documental sobre la desaparición de un chico de 13 años en Texas. Supuestamente fue encontrado muerto en España años después. Pero después se encontró a un chico que dice ser el mismo Nicholas.

La Mula

Título original: La Mula.

Año: 2013

Duración: 100 minutos

País: España

Género: Comedia, drama, histórico. Basado en hechos reales.

Productora: Coproducción España-GB; Gheko Films / Integral Films

Director: Anónimo

Guionista: Juan Eslava Galán y anónimo.

Música: Óscar Navarro.

Fotografía: Ashley Rowe, Ángel Luis Fernández.

Reparto: Mario Casas, María Valverde, Secun de la Rosa

Calificación moral: +12

Sinopsis: 

Al cabo Juan Castro (Mario Casas) le importa más la suerte de su mula que ganar la guerra. Por eso sale a buscarla y, tras atravesar la línea del frente, se ve implicado en un episodio tan peligroso como hilarante que, muy en contra de su voluntad, lo va a convertir en héroe de guerra. A través de la figura de Juan Castro, más preocupado por sus avances en el terreno amoroso que por la progresión del enemigo, se nos ofrece una visión insólita de la guerra civil: antiheróica, pícara y tierna a la vez. Basada en una historia real.

La crítica de Punto de Encuentro:

¿Sencillez o superficialidad?

Laura Pérez Cagigas (@BlondieBlue_ ) – Crítica.

La Mula llega por fin a cartelera tras superar numerosos baches por el camino. Una visión más, aunque algo original, sobre la guerra civil nos llega directamente del Festival de Málaga de este mismo año, desde la sección oficial a concurso, para intentar, una vez más, que el público apueste por el cine español.

Acostumbrados a ver una visión generalmente dramática, y desde el bando republicano, La Mula se presenta como una innovación no politizada y que pretende hacer reír al público mostrando de manera sencilla lo que de verdad significó para muchos un episodio como la guerra civil. Es una visión de carácter sencillo que nos presenta Juan Castro (Mario Casas), un joven proveniente de un pequeño pueblo de Jaén que pertenece al bando franquista, si bien, lo único que desea es que acabe la guerra, volver a su hogar y encontrar una mujer con la que poder formarse un futuro y una familia. Además, aparece en escena Valentina, una mula que encuentra perdida y que decide quedarse, como aliciente para una futura vida mejor.

A pesar de una premisa atrayente, La Mula es una película en definitiva simple, nos presenta una serie de premisas que podrían tener un desarrollo interesante, pero se quedan en el “podrían”. Si bien es verdad que proporciona alguna risa, sobre todo en la gente de mayor edad, no ahonda en los temas que toca, como es el caso de vecinos y amigos de la infancia luchando en diferentes bandos, el amor inocente de quien busca alguien a quien querer en tiempos difíciles, la necesidad de pintarse un nuevo futuro mejor al terminar la guerra, etc. Todos estos temas, estas subtramas, podrían llegar a desarrollar una gran película, pero sin embargo construyen tan sólo una película que podríamos definir de simpática, que bien puede recordar a un capítulo de Amar en tiempos revueltos, o cualquier otra serie histórica con el sello de TVE.

Por supuesto, no todo es malo en esta película, ya que la visión alegre y despreocupada, sencilla, que mezcla con los momentos dramáticos vividos por muchos en aquella época y que permiten empatizar con el personaje, transmite sentimientos tanto buenos como malos, aunque solo roza al espectador impidiéndole sentirse uno más en la historia que se muestra, además, la fotografía no impulsa ni ayuda al argumento.

Quiero matizar, sin embargo, que hay que tener en cuenta que hasta el estreno, la película ha tenido muchos problemas para llegar a las salas (el rodaje se inició en 2010). La productora se enfrentó a muchos problemas legales en los que destacan las deudas e impagos, propiciando la salida del proyecto del director Michael Radford que finalmente no figura en la obra. Con esto, salieron del proyecto la productora del propio director así como una homologa irlandesa, entrando en una dura batalla legal que ha permitido por fin estrenar la película. Su caso bien recuerda al de la también española Manolete.

El mejor punto: El retrato humanizado de ambos bandos.

El peor punto: La excesiva simpleza.

Puntuación: 2/5

Objetivo: La Casa Blanca

Título original: Olympus Has Fallen

Año: 2013

Duración: 120 minutos

País: EE.UU.

Género: Thriller, Acción

Productora: eOne Films

Director: Antoine Fuqua

Guionista: Creighton Rothenberger & Katrin Benedikt

Música: Trevor Morris

Fotografía: Conrad W. Hall

Reparto: Gerard Butler, Aaron Eckhart, Dylan McDermott, Morgan Freeman.

Calificación moral: +16

Sinopsis:

Mike Banning es un agente del Servicio Secreto estadounidense que, tras un accidente de coche en el que únicamente puede salvar la vida del presidente Asher, decide dejarlo para trabajar en el Departamento del Tesoro. Pero cuando un comando coreano liderado por Kang ataca La Casa Blanca tomando como rehenes al Presidente y su equipo, Banning se verá obligado a entrar de nuevo en acción.

La crítica de Punto de Encuentro:

…Y que Dios bendiga América

Marta Rodríguez (@MartaRMa) – Crítica.

Antoine Fuqua, director curtido en películas  de acción como Training day (2001), Lágrimas del sol (2003), El tirador (2007) o Los amos de Brooklyn (2009), nos lleva en esta ocasión hasta el interior de una Casa Blanca tomada por terroristas norcoreanos (muy apropiado).

Han pasado 18 meses desde que Mike Banning (Gerard Butler), jefe de seguridad del presidente Benjamin Asher (Aaron Eckhart), no pudiera impedir la muerte de la Primera Dama (Ashley Judd). Banning, martirizado y con un nuevo empleo de oficina, tendrá la oportunidad de eximirse de esa culpa salvando la vida del presidente tras el ataque a la Casa Blanca por un grupo de terroristas norcoreanos.

Con un planteamiento y un guión bastante absurdo (atentos a las frases ‘demoledoras’ de Banning) de la mano de los debutantes Creighton Rothenberger y Katrin Benedikt, esta película no hace más que intentar evocar las cintas clásicas de acción de los 80, en especialLa jungla de cristal, quedándose en eso, un intento. Las escenas de acción, chorrean violencia, tiros, bombas, cadáveres… la existencia misma de un guión cargado  de tópicos.

En el plano artístico, en general los actores dejan bastante que desear, aunque se les puede perdonar teniendo en cuenta el tipo de personaje que les toca defender. Gerard Butler, mucho más decente en películas de acción como esta o Gamer (2009) que en románticas como Un buen partido (2012), se perfila como nuevo prototipo de actor nacido para repartir tortas a diestro y siniestro. Se pasean por la película también actores de la talla de Aaron Eckhart (El Caballero oscuro) , como el Presidente Asher, con una interpretación y un papel a olvidar; Morgan Freeman, haciendo de presidente en funciones; Melissa Leo; Rick Yune como Kang, líder de los terroristas; Dylan McDermott; Radha Mitchell y la esporádica Ashley Judd.

Otro punto positivo, aparte de la acción, son los efectos especiales en los que se sustenta la película. Tanto los efectos de sonido como los efectos visuales están muy logrados, y muy bien acompañados por una sobria banda sonora de Trevor Morris (Los Tudor).

El mejor punto: la acción

El peor punto: el extremo patriotismo americano

Puntuación: 3/5

Rebelde (War Witch)

Título original: Rebelle (War Witch)

Año: 2012

Duración: 90 minutos

País: Canadá

Género: Drama, Bélico

Productora: Item 7 / Shen Studio

Director:  Kim Nguyen

Guionista: Kim Nguyen

Fotografía: Nicolas Bolduc

Reparto: Rachel Rwanza, Alain Bastien, Serge Kanyinda, Ralph Prosper, Mizinga Mwinga

Calificación moral: +12

Sinopsis:

Komona es una niña africana de 12 años  que vive en una aldea con sus padres, hasta que los rebeldes la secuestran y debe convertirse en una niña soldado. Tras un tiempo es nombrada bruja de guerra, y su único apoyo será Mago, un chico albino perteneciente al ejército rebelde. Dos años más tarde, Komona le cuenta al hijo que lleva en su vientre la historia que vivió durante la guerra.

La crítica de Punto de Encuentro:

Rebelde, una lucha por la vida

Ana Mª Martínez – Crítica.

Antes de visionar Rebelde, el espectador debe saber que se va a enfrentar a una película dura, intensa y en ocasiones desagradable. Pero ante todo estamos ante una obra dotada de una gran sensibilidad y coraje, que acerca a la pantalla una realidad que muchas veces olvidamos. Rebelde es, por ello, una historia de supervivencia, que plasma con acierto la tristeza del reclutamiento infantil.

Lo primero que llama la atención de esta película es el modo en el que está narrada, pues es Komona, la protagonista, la que cuenta en off en voz la historia al bebé que lleva en su vientre. De esta forma, la niña va desgranando la historia de su vida, desde que es capturada por el ejército rebelde. Así, a lo largo del metraje se ven diferentes episodios en el desarrollo de los acontecimientos, empezando con una parte de una crudeza desgarradora que también deja lugar para momentos de alivio. Y aquí está el contrapunto del filme, las innumerables desgracias y la intención de los protagonistas, no obstante, por sobrevivir a toda costa.

Rebelde se acerca, por tanto, al género documental por la forma en la que está dirigida. Y esto hace que en ciertos momentos pueda resultar lenta, falta de acción. Pero al visionar el filme nos damos cuenta de que esa es su verdadera intención: mostrar el horror de la guerra de la manera más verídica posible. Sin embargo, el director falla en el modo de enfocar la historia, pues en cierto modo deja entrever demasiado rápido su desarrollo y le resta parte de emoción.

A pesar de esto, Kim Nguyen consigue que los personajes nos lleguen al corazón, y gran culpa de ello lo tienen sus intérpretes. Rachel Rwanza, por su parte, es la gran revelación deRebelde, pues su interpretación está llena de realismo. La cámara nos muestra en todo momento a Komona, esa niña condenada al sufrimiento que lucha por seguir adelante. Y, dejando aparte la evidente crudeza narrada, nos deja un punto de esperanza con la historia entre Komona y Mago, parte del filme en el que percibimos momentos profundamente conmovedores.

Además, la selección musical hace que la película sea aún más disfrutable, unido a una impecable fotografía que refleja lugares inhóspitos de un modo acertado.

En definitiva, Rebelde es una propuesta interesante y original con una clara intención de denuncia social. Así, la película logra trasmitir al espectador una historia profunda y difícil, que queda deslucida en ciertos momentos por su estructura, pero cumple el propósito de mostrar el horror y la supervivencia a la violencia desmesurada.

El mejor punto: Su protagonista, Rachel Rwanza.

El peor punto: En algunos momentos resulta monótona y falta de ritmo.

Puntuación: 3.5/5

Sinopsis:

Una joven mujer tras la muerte de su padre vuelve a entrar en contacto con su excéntrico tío.

7 Cajas

Título original: 7 cajas

Año: 2012

Duración: 100 minutos

País: Paraguay

Género: Acción, Suspense

Productora: Vertigo Films

Director: Juan Carlos Maneglia, Tana Schembori

Guión: Juan Carlos Maneglia

Música: Fran Villalba

Fotografía: Richard Careaga

Reparto: Lali González, Celso Franco, Víctor Sosa

Calificación moral: +16

Sinopsis:

Víctor, un carretillero de 17 años que trabaja en el Mercado 4 de la ciudad de Asunción, se distrae imaginando ser famoso y admirado en la televisión de un puesto de ventas de DVD en pleno Mercado 4, lo que causa la pérdida de un cliente a manos de otro carretillero que se le adelantó. El mundo del mercado es hostil, competitivo y hay miles como él esperando llevar las compras de los clientes a cambio de una pequeña remuneración. Víctor entiende que necesita moverse para conseguir algo de dinero ese día. Entonces recibe una propuesta algo inusual, transportar 7 cajas de las que desconoce su contenido, a cambio de la mitad de un billete rasgado de 100 dólares. La otra mitad del dinero se le entregaría cuando éste termine su trabajo. Con un teléfono móvil en préstamo, Víctor emprende el viaje. Cruzar las 8 manzanas que cubre el mercado parecía fácil pero las cosas se le van complicando: Le roban una caja, pierde el teléfono móvil y la policía rodea el mercado buscando algo que él ignora por completo. A esto se suma un grupo de carretilleros dispuestos a escoltar las cajas por una suma ínfima de las ganancias.

La crítica de Punto de Encuentro: 

El orgullo del cine paraguayo

Laura Cervera – Crítica.

El director y productor Juan Carlos Maneglia presenta su ópera prima de la mano de su compañera Tana Schémbori, con quién fundó la productora Maneglia Schèmbori Realizaciones, desde la que se ha hecho posible este proyecto. Un gran trabajo procedente de un país en el que la tradición cinematográfica es muy jóven.

La obra cuenta la historia de Victor, un carretillero que trabaja en el emblemático Mercado 4 de Paraguay. Una de las bondades de esta película es que únicamente utiliza dicho punto como localización, y sin grandes decorados ni despilfarros en ubicaciones consigue que la trama no necesite más espacios.

Es una película rodada con bajo presupuesto, que de hecho tuvo que ganar el premio de Cine en Construcción que otorgaba el Festival de San Sebastián para salir adelante, y a pesar de ello, y con gran maestría en el guión consigue ponerse a la altura de cualquier thriller hollywoodiense producido con el triple de recursos.

El guión consigue provocar el suspense en el público y argumentar una historia que resulta totalmente plausible y sin necesidad de mayores recursos. Además, de forma casi perfecta consigue reflejar la personalidad y los ambientes más puramente paraguayos, haciendo prácticamente una Historia de Vida con este trabajo. Por último, el guión también consigue convertir con gran maestría temas dramáticos en situaciones cómicas,  producto de una sátira oculta a que esas situaciones puedan seguir teniendo lugar en la vida real.

La interpretación, orquestada por Celso Franco como Víctor, y Lali González como Liz, están a la altura de la originalidad y creatividad del guión, que supera con creces todas las limitaciones que la cinta ha encontrado durante su recorrido.

La Música merece una mención especial, ya que entre cumbias y vallenatos,  se consigue una perfecta fusión con la música procedente de una flauta de pan, que acaban poniendo la guinda al pastel. Por tanto, buen trabajo de Fran Villalba que consigue recopilar una idea del folclore musical latinoamericano.

En definitiva, una película que demuestra que el cine americano no sólo procede del norte, y que con poco presupuesto ha alcanzado un nivel sorprendente que bien le merecen los premios y nominaciones conseguidos hasta ahora.

El mejor punto: La calidad con bajo presupuesto.

El peor punto: A veces es difícil comprender a los protagonistas cuando hablan.

Puntuación: 4/5

Guión: Andrew Stanton, Bob Peterson, David Reynolds

Música: Thomas Newman

Fotografía: Animation

Reparto: Animation

Calificación moral: TP

Sinopsis:

El pequeño Nemo, un pequeño pececillo hijo único, muy querido y protegido por su padre, ha sido sacado de la gran barrera del arrecife australiano y ahora vive en una pequeña pecera en la oficina de un dentista de Sidney. El tímido padre de Nemo se embarcará en una peligrosa aventura con Dory al rescate de su hijo. Pero Nemo y sus nuevos amigos tienen también un astuto plan para escapar de la pecera y volver al mar.

Alacrán enamorado

Título original: Alacrán enamorado

Año: 2013

Duración: minutos

País: España

Género: Drama

Estudio: Alta Films

Sinopsis:

Julián es el líder de un grupo de jóvenes radicales, un chico cargado de ira, envenenado por el odio al que es diferente. Sin embargo, hay nobleza en su alma. La descubrirá en un gimnasio de boxeo, gracias a Carlomonte, un exboxeador alcoholizado -alguien que lo tuvo todo y todo lo perdió-. Allí Julián aprenderá a combatir con reglas, se irá vaciando de odio y conocerá el amor por Alyssa, una joven de raza negra que trabaja en el gimnasio. Julián tendrá que tomar una decisión cuando sus antiguos camaradas los pongan a todos a prueba…

La crítica de Punto de Encuentro:

Laura Cervera Cabañas (@LauraCeveraC) – Crítica.

Los alacranes enamorarán a su público.

Los hermanos Bardem son el principal reclamo de esta película, dirigida por Santiago Zannou, y basada en la novela del propio Carlos Bardem con el mismo nombre. Sin embargo, y a pesar de que ambas actuaciones son impecables, las estrellas de renombre acaban conduciendo al descubrimiento de Alex González, Miguel Ángel Silvestre, y Hovik Keuchkerian. Para los dos primeros, Alacrán Enamorado supone, hasta el momento, el mejor papel de sus trayectorias mientras que para el segundo implica un debut en cine totalmente espectacular.

Javier Bardem, representado a un ídolo nazi, consigue la perfecta fusión entre la más pura ideología aria, y el alejamiento de los estereotipos estéticos, encontrando a un señor atractivo, de confianza, y que bien podría ser cualquier hombre de negocios.

Alex González consigue superar su cara inocente y convertirse en una “bestia” del boxeo, donde claramente se ve que ha trabajado duro. Cada golpe es una pincelada de realidad a la película.

Judith Diakhate, quizá un poco eclipsada por tanto descubrimiento, realiza la difícil tarea de tratar la presencia de la mujer en la sociedad, y muy especialmente, de la mujer inmigrante y su integración, pero alejado de los clichés. Es un tema que al lado de los demás parece un poco marginado, pero es interpretado y llevado a cabo de manera correcta, pasando de tener una presencia casi desapercibida, a acarrear toda la carga del desenlace.

Carlos Bardem y Hovik Keuchkerian, perfectamente involucrados con su gimnasio y el boxeo, desprenden vida, rapidez en el guión e incluso – por qué no decirlo- consiguen que aquellos que no hemos estado interesados por el boxeo, encontremos atractiva esta disciplina.

Miguel Ángel Silvestre, sorprende por su papel de matón nazi, uno de sus mejores trabajos hasta el momento. Desprende potencial, y empuja la trama incluso sin aparecer. Su presencia en toda la película es imprescindible, y para mí, junto con Hovik, son las dos sorpresas más gratas de la obra.

Sólo por las interpretaciones de todo el reparto la película merece todos mis respetos. No obstante, la calidad no acaba ahí, ya que el trato con el que se llevan a cabo temáticas tan escabrosas como el nazismo, racismo, machismos y en definitiva, todos los prejuicios que lacran esta sociedad, merecen la atención. Como bien dijo en rueda de prensa su director, Santiago Zannou, “el nazismo queda reflejado de forma elegante, sin acaparar toda la trama, pero con la suficiente fuerza para que pueda permanecer apartado el resto de la película”. Por otro lado, el trato del boxeo se aleja de esa unión por asociación con la violencia extrema, la falta de pureza en el deporte, y demás barbaridades a las que nos tiene acostumbrado. El boxeo queda reflejado como un apoyo con el que el protagonista, Julián (interpretado por Alex González), así como su entrenador Carlomonte (Carlos Bardem), consiguen cambiar sus vidas, aprendiendo a aceptar su pasado, y a asumir “los golpes”. En palabras de Carlos Bardem, la obra es una metáfora de la vida “no importa que te tiren, te levantas para luchar”.

A pesar de tener temáticas que inevitablemente inducen a la violencia, la película no debe considerarse de una violencia extrema. Queda bien reflejada la intención del reparto de plasmarla en la pantalla como un sentimiento existente, y que atrae, pero que tiene el peligro de perseguirte de por vida si entras en su juego. La violencia se trata como arma de doble filo.

Alacrán Enamorado es elegante, pero no debemos olvidar que no son temas fáciles de digerir, y que aquellos que no toleren la sangre en la pantalla, deben tener en cuenta que será inevitable encontrársela. Por lo demás, película altamente recomendable, atractiva, un poco lenta en ocasiones, pero con un resultado final muy sorprendente. Es la mezcla perfecta de los actores insignia en nuestro país, con los que están en el camino de serlo, y cómo no, los que acaban de empezar. Todos y cada uno de ellos, completamente destacables.

El mejor punto: Interpretaciones y reparto.

El peor punto: A veces se hace predecible y pierde el ritmo.

Puntuación: 4/5

Cuatro días en mayo

Título alternativo: 4 días de mayo

Título original: 4 Tage im Mai

Año: 2011

Duración: 97 minutos

País: Alemania

Género: Drama, Guerra

Estudio: Paycom Multimedia

Sinopsis:

El mundo contiene la respiración. Faltan cuatro días para el final de la Segunda Guerra Mundial en Alemania. Un capitán soviético y su patrulla han ocupado un orfanato junto al mar, una unidad del ejército alemán está acampada en la playa, y un romance secreto florece contra viento y marea. Todo el mundo está cansado de luchar, a excepción de Peter, un huérfano de 13 años, que quiere demostrar que es un héroe e intenta, con toda su astucia y poder, instigar disputas entre las tropas opuestas. Hasta que entabla amistad con el capitán y debe aprender que el verdadero oponente se esconde en otra parte. Esta vez, ya no hay límites entre amigos y enemigos, esta vez solo hay fronteras entre el bien y el mal.

LOL

Título alternativo: Bienvenido al mundo de LOL

Título original: LOL

Año: 2012

Duración: 97 minutos

Presupuesto: 11.000.000 euros

País: EE.UU.

Género: Comedia, Drama, Romance

Estudio: Mandate Pictures, TriPictures

Sinopsis:

Remake de la película francesa ‘LOL’: LOL son las siglas de “Laughing Out Loud” (muerto de risa) en la jerga de Internet. Y así llaman a Lola sus amigos. Sin embargo, el día de la vuelta al instituto después del verano, Lola no tiene ningunas ganas de reírse: Arthur, su amigo, la provoca diciéndole que la ha engañado durante las vacaciones. Y su pandilla tiene la virtud de complicarlo todo, como su madre, Anne, con la que cada vez le resulta más difícil hablar de sus cosas, y no sólo porque no sabe lo que significa LOL… Todo se complica, Lola cree estar enamorada de su mejor amigo, su madre se ve en secreto con su ex marido mientras coquetea con un policía y el diario de Lola parece haber sido descubierto… y leído.

Oblivion

Título alternativo: Horizons

Título original: Oblivion

Año: 2013

Duración: 125 minutos

Presupuesto: 130.000.000 euros

País: EE.UU.

Género: Ciencia ficción, Acción, Aventura

Estudio: Universal Pictures

Sinopsis:

Jack Harper es uno de los últimos mecánicos de aviones no tripulados destinados a la Tierra. Forma parte de una enorme operación dirigida a extraer recursos vitales después de décadas en guerra con la aterradora amenaza que representan los Scavs. Pero la misión de Jack toca a su fin. Recorre y patrulla el cielo a miles de metros de altura hasta que su ?elevada? existencia se derrumba cuando rescata a una preciosa desconocida de una nave derribada. Su llegada pone en marcha una serie de acontecimientos que obligarán a Jack a cuestionarse todo lo que sabe y que acabarán poniendo el destino de la raza humana en sus manos.

October Baby

Título original: October Baby

Año: 2011

Duración: 107 minutos

País: EE.UU.

Género: Drama

Estudio: European Dreams Factory

Sinopsis: 

Al levantarse el telón, Hannah da sus primeros pasos vacilantes en el escenario teatral de su Universidad. Sin embargo, antes de que pueda pronunciar las primeras líneas de su diálogo, se derrumba delante de una audiencia totalmente atónita. Después de innumerables pruebas médicas, todas las señales apuntan a un factor subyacente: el difícil parto de Hannah. Esta revelación no es nada comparable con la confesión que le hacen sus padres: fue adoptada por ellos, al ser rechazada por su madre biológica después de un aborto fallido. Descentrada, enojada y confundida, Hannah se embarca en un viaje por carretera, para descubrir su pasado oculto y tratar de encontrar a su verdadera madre.

Tipos legales

Título original: Stand Up Guys

Año: 2013

Duración: minutos

País: EE.UU.

Género: Comedia, Crimen

Estudio: Filmax, Lionsgate

Sinopsis:

Val sale de la cárcel tras cumplir 28 años de condena. Su mejor amigo, Doc le espera a la salida y juntos van en busca de otro viejo colega, Hirsch. A pesar de la edad, los tres ex gánsteres deciden empezar a recuperar esa misma noche los días de gloria y las décadas de crimen, drogas y sexo perdidas. Pero Doc tiene un trabajo urgente que hacer, encomendado por el jefe de la antigua banda: matar a Val y saldar así su propia cuenta pendiente. El dilema para un gánster es imposible y el tiempo para encontrar una salida se agota.

To the Wonder

Título original: To the Wonder

Año: 2012

Duración: 112 minutos

País: EE.UU.

Género: Drama, Romance

Estudio: Studio Canal, Vertigo Films

Sinopsis:

Neil, un aspirante a escritor, y Marina, una joven madre, están juntos en la isla francesa de St Michel, conocida en Francia como la maravilla del mundo occidental, revitalizados por las sensaciones de estar de nuevo enamorados. Neil ha dejado Estados Unidos buscando una vida mejor, dejando atrás una serie de hechos dolorosos. Mirando a Marina a los ojos, Neil está seguro de que ha encontrado a la mujer que puede amar con dedicación. Pero cuando años más tarde, una serie de circunstancias personales y profesionales resquebrajan su relación, otra mujer aparece en la vida de Neil, con igual o incluso mayor fuerza: Jane. ¿Logrará este hombre mantenerse fiel a su promesa inicial o aprovechará para cambiar su vida hacia el futuro que siempre anheló?