Melisa López (@Melisa_LoMa) – Información.

Comienza la temporada estival y las productoras españolas piensan en todo tipo de estrategias para animar al público, tanto nacional como internacional, a ver cine. Dada la poca afluencia de espectadores en las salas, la exportación ha pasado a ser una prioridad. Por ello, esta semana se celebra la octava edición del Madrid de Cine- Spanish Film Screenings, un evento dirigido a profesionales del sector para la promoción internacional del cine español, que tendrá como padrino a José Coronado. Más de 400 entendidos en la materia se reunirán con el objetivo de vender 70 films a compradores extranjeros. El presidente de la Federación de Asociaciones de Productores Audiovisuales de España (FAPAE), Pedro Pérez, confían en que se repitan las buenas cifras de otros años al cierre de este “gran zoco”. Y es que en 2011 se recaudó casi el doble en las salas extranjeras que en los cines españoles con más de 30 millones de espectadores europeos. Para Enrique González Macho, presidente de la Academia de Cine, “es lo mejor que le puede ocurrir al cine español…que viajen mucho nuestras películas, a lo más lejos del mundo”. El acto tendrá lugar en los cines Princesa donde se proyectarán 39 títulos españoles, 9 son primicia mundial y 14 se verán por primera vez en el mercado exterior. Algunas de las cintas seleccionadas son Impávidos; 2 francos, 40 pesetas; Presentimientos o Encierro.

Sin embargo, el mercado europeo también está sufriendo la crisis, de ahí que importantes cineastas hayan querido reunirse con el presidente de la Comisión  Europea (CE), José Manuel Durao Barroso, para exponerle sus demandas. Barroso ha confirmado que “la excepción cultural no es negociable. No habrá regateo con la cultura”. Durante el encuentro aseguró que “la diversidad cultural estará plenamente protegida en las futuras negociaciones con Estados Unidos”. Pero directores allí presentes como Costa Gavras se han mostrado decepcionados y aseguran que sin protección frente a la industria americana “volverá la publicidad a las películas en televisión, desaparecerá el cine europeo de la cartelera y las grandes distribuidoras y productoras americanas invadirán nuestra sociedad”.La CE ha propuesto a los Veintisiete una serie de medidas para garantizar la llamada excepción cultural. Primero que en la negociación con EE.UU no se vea afectado “ninguno de los mecanismos existentes en la UE o los Estados miembros para la promoción de trabajos europeos”, el segundo protege “todos los tipos de subsidios” que se otorgan al sector audiovisual y el tercero exige que haya un margen para aumentar la protección, sobre todo, de cara a la adaptación digital. Para Bruselas estas disposiciones serían suficientes para la salvaguardia de las producciones europeas. Pero en la opinión de directores como Steven Spielberg y George Lucas, la industria tendrá que hacer frente a varios cambios para evitar que se produzca “una implosión en la que tres, cuatro o quizá media docena de superproducciones se estrellarán contra el suelo, y eso cambiará el paradigma”. Ambos cineastas dieron una charla en la University of South California en la que adelantaron que habrá variaciones sustanciales en el precio de las entradas y cambios en los modelos de exhibición, se estrenarán menos películas y estarán más tiempo en la cartelera a precios más elevados. 

Ante este panorama solo queda seguir trabajando. Es lo que está haciendo Ridley Scott, director de Gladiator, buscando localizaciones por tierras andaluzas para un posible proyecto. Aunque no ha concretado nada, su equipo de trabajo ha solicitado información sobre la guía de producción de Andalucía Film Commission donde aparece una relación de profesionales e información sobre la Red de Ciudades del Cine así como fotografías y todo lo relacionado con alojamiento hotelero. Durante su visita en la ciudad de Málaga mostró interés por rodar en Europa pero tendremos que esperar a su confirmación ya que, de momento, todo son rumores. Y es que aún en tiempos malos para proyectos arriesgados, son muchos los que se atreven a luchar por su oficio. Ejemplo de ello es la actriz de la archiconocida serie Friends, Courteney Cox, que está decidida a probar suerte en la dirección de su primer largometraje, Hello I must be going. Ya tiene experiencia tras las cámaras pues dirigió el film Talhotblond para televisión y algún episodio de la serie en la que era protagonista, Cougar Town. La cinta estará producida por la propia Cox y su exmarido, y también actor, David Arquette. Del guión se encargará David Flebotte, que ha participado en series como Mujeres desesperadas o Boardwalk Empire. Será un drama protagonizado por Seann William Scott que interpretará a un hombre que regresa a la localidad en la que nación para solucionar ciertos problemas antes de suicidarse.  

José Colmenarejo @Colmenarejo89 - Reportaje

“¿Cómo puedo odiar a John Wayne, y a su vez amarle en el último rollo de ‘Centauros del Desierto’?” Jean Luc Godard

Una puerta cerrándose. No son pocas las grandes películas que terminan así: el Encadenados de Hitchcock, El Padrino de Coppola, los Centauros del Desierto de Ford. Ninguna tan poética y tan apasionada como en esta última. La puerta, que casi no se siente como tal, es pura negritud, se cierra sola y con violencia, chocando con la apacible música y los tranquilos movimientos de los personajes, que han conseguido su misión. La hija huérfana ha sido rescatada y llevada a casa de sus tíos; el contraluz más famoso, mágico e imitado del Séptimo Arte. Todos entran en la casa a descansar, a contarse las historias que quedaron, a vivir sus vidas. Todos menos uno: Ethan Edwards no cruza la puerta. Se queda en el porche, y contempla solo por unos segundos la bonita escena. Nadie le invita. Tampoco lo espera. Es un extraño, un héroe sin paraíso, un Ulises sin Ítaca. Se sabe derrotado: luchó en el bando equivocado en la guerra, y perdió, aunque no fuera suya, a la amada en un incendio. Sin lugar en la nueva América, sin hogar, le da la espalda a la felicidad, y parte solitario hacia el desierto, hacia la inmensidad que le azota con un fuerte vendaval. Y la cámara se queda con él. Con Ethan Edwards, con John Wayne, al que ese portazo, esa escena de arrebato cinematográfico, le abría el libro de la eternidad.

Marion Robert Morrison, nacido en Iowa en 1907 en el seno de una familia humilde, sacaba buenas notas en el instituto y destacaba en el equipo de fútbol americano. Su andadura en el cine comenzó desde abajo, como extra en películas, un trabajo de verano para pagarse las entradas de los partidos de fútbol. Poco a poco, empezó a obtener frases y pequeños papeles en multitud de westerns de serie B, hasta que dio el salto al estrellato de la mano de John Ford con La diligencia interpretando a Ringo, un fuera de la ley. La introducción del personaje es antológica, deteniendo la diligencia con un grito mientras voltea su rifle, apareciendo de la nada, y presentándonoslo con un zoom a su cara. Ha nacido una estrella. Y no sabemos si con conocimiento de causa o porque no había una toma mejor (más probable esta última), una estrella algo desenfocada…

El John se lo puso él mismo, y el Wayne se lo sugirío el gran Raoul Walsh. Lo del apodo, ese “Duque”, no tiene mucho misterio, aunque diese pie a muchas leyendas; ni desciende de aristócratas, ni interpretó de forma magistral a un duque en una función escolar. Simplemente le llamaron como al perro del hogar. Ojos azules, dos metros de altura y una imponente presencia ante la cámara le sirvieron para hacerse con el récord de número de películas como protagonista: 142. La mayoría fueron westerns, el género que según él “más se acerca al Arte de todo el negocio cinematográfico”. Le ayudó e inspiró mucho Harry Carey, su ídolo y a la postre amigo, una de las primeras estrellas del cine del oeste, que tenía como peculiar seña de identidad agarrarse el codo derecho con la mano izquierda. Curiosamente, ambos padecieron del mismo complejo profesional: el encasillamiento. Wayne estuvo muchos años acomplejado porque no hacía más que de… John Wayne. ¿Limitado como actor? Seguramente. Eso decían algunos críticos de la época. Hay actores que más que ser intérpretes, creadores de personajes, son iconos. Como Humphrey Bogart, como Cary Grant, como Marilyn Monroe. Los guionistas saben cómo escribir papeles para ellos,  los directores saben cómo dirigirles, los productores los quieren en sus estudios, y los espectadores quieren ver cómo su mera presencia llena la pantalla. Tras un consejo de la mujer de Carey (“¿Tú quieres ver a Harry actuar de otra manera? Por supuesto que no. El público americano no te quiere ver en otros papeles. Debes ser lo que ellos quieren que seas”.), Wayne le dio la vuelta al problema e hizo de él su mayor virtud: “todos los papeles que interpreto están hechos a mi medida. Hago de mí mismo en todas las películas sin importame el personaje. Y lo hago bastante bien.”

Con el maestro John Ford, el director del parche y los 4 Oscar de la Academia, formó una de las más gloriosas asociaciones de Hollywood, dando luz a títulos maravillosos como El hombre tranquilo, Misión de audaces, El hombre que mató a Liberty Valance o Río Rojo. Prácticamente, trabajó con los realizadores norteamericanos más respetados: Howard Hawks, John Huston, Michael Curtiz, George Stevens, Otto Preminger, Nicholas Ray, John Sturgess… Y ganó un Oscar por su interpretación en “Valor de ley”, uno de esos galardones que más que por una obra concreta, se entregan por una carrera entera; carrera extensa y, por lo tanto, no exenta de puntos negros. Sus batacazos actorales más sonados coinciden con salidas de tono de su registro habitual: hizo de Genghis Khan en El conquistador de Mongolia, y de soldado del Imperio Romano en La historia más grande jamás contada. Ni los rasgos asiáticos ni la falda le sentaron bien.

Sobre el celuloide, el Duque era la quintaesencia del star-system de Hollywood, y uno de los máximos exponentes del cine clásico norteamericano, una manera de entender el arte y la industria  que en los años 60 entró en decadencia. Soplaban nuevos vientos que traían cambios de valores en la sociedad, y a su vez cambios artísticos; y Wayne venía de otro tiempo y de otra América.

Una de sus grandes virtudes era la profesionalidad: esa que le llevó a no usar dobles en muchas escenas de riesgo y romperse 3 costillas tras caerse del caballo, o a parar una fiesta celebrada por el mismísino Sinatra en un hotel en Las Vegas (no sin antes romperle una silla en la espalda al guardaespaldas del cantante) porque hacían mucho ruido y él tenía que dormir para trabajar bien a la mañana siguiente. Otra virtud era su lealtad a sí mismo, a sus principios: “un hombre debe tener un código, un credo por el que vivir, no importa su trabajo. Yo siempre he seguido el consejo de mi padre. Me dijo que siempre mantuviera mi palabra, y que nunca insultara a nadie de forma inintencionada. Si te insulto, puedes estar seguro de que era mi intención”. Y así lo hizo; el último cowboy no cambió a pesar de los vientos, y murió con las botas puestas. Dejó desgraciadas perlas como “defiendo la supremacía blanca”, o “hicimos bien en quitarles las tierras a los indios nativos”, mientras a su vez se declaraba homófobo, adalid de los valores ultraconservadores, y del fanatismo patriótico. Mostró su repulsa por todas aquellas nuevas películas del joven y convulso Hollywood de los 60 plagadas de violencia y sexo explícito (por ello rechazó virulentamente la petición de Clint Eastwood de trabajar juntos), se posicionó a favor de la Guerra de Vietnam (hasta se pasó detrás de las cámaras para dirigir la impopular Boinas verdes para demostrarlo), y apoyó al Senador Goldwater, que votó contra la Ley de los Derechos Civiles de 1964. Defendió hasta el final un estilo de vida, un modelo de cine y de hombre, el suyo: “los hombres deben ser duros, justos, valientes, y nunca mezquinos. No deben buscar pelea, pero tampoco esconderse de ninguna”. Él sabía, en sus últimos días, que su tiempo había pasado, pero sin importarle siguió cabalgando recto, siempre según sus propias directrices. En la sala de montaje de El último pistolero, film que sirvió al Duque para despedirse antes de su muerte, había una escena del duelo final en la que disparaba a un hombre por la espalda. Exigió que se quitara esa imagen del corte definitivo, y así se hizo. Sin embargo, Don Siegel, director de la película, no pudo contener un lacónico “Clint Eastwood lo hubiera hecho”.

John Wayne, la estrella que el gran público conoció desenfocada, sabía que tenía mucho del racista, violento y lleno de odio Ethan Edwards, el protagonista de Centauros del Desierto. A su primogénito le bautizó como Ethan, y a Harry Carey, su ídolo y amigo, ya fallecido, le brindó un sincero homenaje antes del portazo eterno: se agarró el codo derecho con la mano izquierda.

Melisa López (@Melisa_LoMa) – Información.

El protagonista de la semana en Madrid ha sido el Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna que, como os contábamos la semana pasada, nace de la necesidad de querer mostrar multitud de proyectos de este género tan poco valorado con el objetivo de convertirse en un referente y cita ineludible para sus fans. A lo largo de estos días se han proyectado en el cine Palafox un total de 38 largometrajes, 9 de ellas compitiendo en la sección principal, y otros tantos cortometrajes. No solo se han presentado las últimas novedades internacionales de la ciencia ficción y el terror sino que también han tenido cabida películas míticas como Gremlins al contar con la presencia de su director, Joe Dante. El evento arrancaba con el estreno de Silent Hill Revelation 3D, secuela del film basado en el conocido videojuego y se clausurará con Expediente Warren: The Conjuring, lo nuevo de James Wan, director de Saw e Insidious. El festival, que cuenta con cuatro secciones de competición, ha acogido de manera paralela presentaciones de libros, una clase magistral sobre música en el cine de miedo, rodajes y la premiere de un capítulo de la serie Juego de Tronos. Con esta iniciativa el cine fantástico vuelve a ocupar un lugar destacado entre las citas cinematográficas del año desde que en 1993 se celebrara el último Festival de Cine Imaginario y de Ciencia Ficción, Imagfic.

El festival que no veremos peligrar es el de Venecia que ya va por su 70 edición. Este año el cineasta estadounidense William Friedkin, director de películas como El exorcista (1973) será homenajeado por toda su carrera dedicada el cine y recibirá el León de Oro. La organización del certamen italiano se lo entregará coincidiendo con la proyección de la restauración de uno de sus mejores films, Carga maldita. Por su parte, Friedkin ha declarado que “Venecia, especialmente durante la Mostra es una casa espiritual para mí. El León de Oro a toda una carrera es algo que no me esperaba, pero siento un gran honor al poder aceptarlo con gratitud y amor”. Tras mucho pensarlo, finalmente se presentará fuera de concurso la controvertida película de Paul Schrader, The Canyons, protagonizada por Lindsay Lohan y el actor porno James Deen. El hecho de que el citado director presida el jurado de la sección Orizzonti ha ayudado a incluir la película en el cartel, cuando anteriormente fue rechazada en el Festival de Cine de Sundance y el Festival de Cine SXSW de Texas. Ha sido producida mediante una campaña de crowdfunding y ha dado mucho de qué hablar a la prensa, sobre todo, por la elección del reparto. Pero también cuenta con el apoyo de grandes nombres como Steven Soderbergh quien ha calificado el film de “fascinante” y que contiene “una escena de sexo espectacular”. El director de la organización, Alberto Barbera, también ha dicho que está “feliz de poder ofrecer al público internacional la premiere de esta largamente esperada película, una lúcida reflexión del Hollywood actual y, al mismo tiempo, un ejemplo de una nueva manera de producir filmes”.

Para ejemplo el que dará la compañía Warner Bros. cediendo los derechos de sus personajes más conocidos para alegrar a niños enfermos de cáncer. Aunará fuerzas con el Hospital AC Camargo de Sao Paulo (Brasil) poniendo en las cajas con el tratamiento de quimioterapia los logotipos de los superhéroes junto con cómics que explicarán en qué consiste el proceso de curación. Batman, Superman o Linterna Verde son algunos de los protagonistas que expondrán en el folleto, de manera que sea comprensible para los más pequeños, el motivo por el cual sus héroes necesitan dicha “Superfórmula”. Por ejemplo, en la viñeta en la que aparece Batman, el Joker lo envenena. A continuación, el hombre murciélago recibe esa receta mágica recobrando las fuerzas necesarias para derrocar a su temido enemigo. Esta propuesta viene a apoyar a los niños que tienen que enfrentarse a la quimioterapia haciendo que se sientan igual de poderosos que sus personajes preferidos. Igual de popular es el agente 007 quien tendrá su película número 24 de la mano del cineasta Sam Mendes. Y todo apunta a que Penélope Cruz podría ser la nueva chica Bond. La actriz está en conversaciones con Sony y MGM para formar parte del reparto. Según una fuente cercana a la producción, “los productores han intentado trabajar con ella en otras ocasiones, pero nunca ha estado disponible por otros compromisos. Las dos partes se han reunido varias veces y ahora están negociando las condiciones del contrato”. De llegar a buen puerto las negociaciones, Penélope será la chica Bond más mayor de la saga. Además, los productores confían en que la protagonista de Volver recupere rápidamente la figura después de dar a luz a su segundo hijo en los próximos meses ya que el rodaje del film comenzará en el verano de 2014.

​Esta semana nos toca despedir a la que fue considerada la sirena de la Meca del cine, Esther Williams. La actriz norteamericana ha fallecido a los 91 años en su casa de Beberly Hills. Williams dejó de practicar natación sincronizada cuando se suspendieron los Juegos Olímpicos de 1940 y se dedicó por completo a la interpretación siendo protagonista de muchas películas del tipo “aquamusicales”. Algunos de los títulos más conocidos en los que ha participado son Escuela de sirenas (1944), Juego de pasiones (1945) y La hija de Neptuno (1949). También nos dejado el conocido productor guipuzcoano Elías Querejeta a los 78 años de edad. Gracias a su profesionalidad vieron la luz proyectos de directores como Carlos Saura, Víctor Erice y su propia hija Gracia Querejeta. Películas como La caza (1966), Los lunes al sol (2002) o Siete mesas de billar francés (2007) llevan su marca.

La joya escondida del cine español

Roberto C. Rascón (@rcrascon) – Reportaje.

Hace 50 años daba comienzo el rodaje de El mundo sigue, un proyecto personal de Fernando Fernán Gómez que no vio la luz hasta dos años después. La censura franquista se interpuso en su camino dificultando tanto la filmación como la posterior distribución y exhibición de esta adaptación de una novela de Juan Antonio de Zunzunegui. Desde entonces carga con el sambenito de ‘película maldita’, convirtiéndose en una gran desconocida para el gran público. Una injusticia que desde Punto de Encuentro buscamos enmendar en la medida de nuestras posibilidades.

Visionando esta película uno se da cuenta de la evolución que ha sufrido este país en las últimas décadas, algo necesario para elevar la moral en estos tiempos de crisis. Un progreso que llegó de la mano de la democracia y del que todos deberíamos sentirnos orgullosos. El mundo sigue refleja a la perfección el retraso de la sociedad española durante la dictadura franquista. Especialmente complicada era la situación de la mujer, un tema recurrente en el cine de esa época y que denunciaron otras películas como La Tía Tula, Calle Mayor o Surcos.

En El mundo sigue el protagonismo recae en dos hermanas que se profesan un odio cimentado en la envidia y el rencor, sentimientos profundamente arraigados en la idiosincrasia española. Una de ellas (Lina Canalejas) es honrada y trabajadora, pero lleva una vida mísera junto a un marido ludópata, irresponsable y maltratador (Fernando Fernán Gómez). La otra (Gemma Cuervo), ante un oscuro presente y un incierto futuro decide tomar el camino fácil vendiéndose al mejor postor. Dos hermanas antagónicas, cuyo único objetivo es sobrevivir en una sociedad que situaba a la mujer en el último escalón. Por eso, la película ni juzga ni señala a una como mejor que la otra.

En los primeros minutos se produce una brutal pelea entre las hermanas que adelanta lo que nos deparará la película. Mención especial para Lina Canalejas, que se convierte en una Sofía Loren a la española repleta de carisma, fuerza y sensualidad. Cuando desaparece de la pantalla, la obra se resiente y esa es la mejor muestra de la impresionante actuación de esta actriz. Gemma Cuervo, la inocente viejecilla de Aquí no hay quién viva y madre de Cayetana Guillén Cuervo, luce espectacular a los 27 años y da perfecta réplica a su hermana en sus múltiples enfrentamientos verbales y físicos.

Ver El mundo sigue es un privilegio, tanto por su estreno restringido allá por 1965 como por sus escasos pases por televisión posteriormente. Así se ha convertido en una película cuasi clandestina que muy pocos han tenido el placer de observar. Su artífice, Fernando Fernán Gómez, casi se arruina con el objetivo de sacarla adelante. Finalmente lo consiguió, pero los problemas mencionados precipitaron su fracaso. En esa época rodar una obra tan atrevida como El mundo sigue fue un acto de rebeldía y tenacidad de Fernán Gómez, seguramente uno de los españoles más brillantes del siglo XX. Ahí ha quedado su labor como actor, director, guionista, dramaturgo y escritor para corroborarlo. Una pena que muchos solo le recuerden por su famoso: “¡A la mierda!”. Pero así es este país y eso ni la democracia ha podido cambiarlo.

Se agradece que alguien como Fernán Gómez, que no hubiera tenido problemas en rodar insulsas comedias como las que se estilaban en España durante esa época, decidiera jugarse su prestigio y su dinero haciendo una película por amor al arte. Seguramente sabía que la censura destrozaría la vida comercial de El mundo sigue, pero pasados los años nadierecuerda esas comedias y si aquellas obras que se atrevieron a desafiar al régimen y mostrar su verdadera cara.

En un momento de la película, alguien le dice al protagonista tras tocarle la Quiniela: “Esta era para entendidos y en España de otra cosa no, pero de toros y de futbol…” Esta frase define perfectamente a esa España ignorante que quedó atrás. Ahora tenemos libertad para entender, como no, de fútbol y de toros, pero también para acceder a conocimientos que los españoles de hace no tantos años tenían vetados. No desperdiciemos un regalo tan valioso y un primer paso podría ser echar un vistazo a esta obra maestra.

Melisa López (@Melisa_LoMa) – Información.

Hay películas que, aún pasados meses de su estreno y boom inicial, siguen recogiendo premios a diestro y siniestro. Es el caso de la versión muda y en blanco y negro del cuento Blancanieves, obra del cineasta Pablo Berger que acaba de llevarse a casa el Premio Ariel a mejor película iberoamericana en la 55º edición de los Premios Ariel celebrados por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC). El film se impuso a otros títulos favoritos como la ecuatoriana El pescador y la chilena No. El Premio de la argentina Paula Markovitch ha sido la gran triunfadora siendo galardonada en las categorías de mejor película, mejor guión original, mejor edición y mejor ópera prima. Se trata de una historia autobiográfica sobre una niña de apenas siete años que debe ocultar su verdadera identidad durante la dictadura militar argentina. Una vez más, se aprovechó el evento para hacer una alegato a favor del cine, en este caso mexicano, que en palabras del director de la academia, Juan Antonio de la Riva, está muy reconocido internacionalmente pero no atrae a las salas tanto espectadores como debiera.

Espectadores que son cada vez más exigentes y que al parecer están cansados de que los trailers proyectados en las salas antes de cada película sean demasiado largos y contengan demasiada información sobre la trama. Por ello, la Asociación Nacional de Propietarios de Salas de Cine va a presentar una serie de peticiones a las productoras para contentar al público. Actualmente, según las directrices de la Motion Picture Association of America (MPAA), los trailers deben tener una duración de dos minutos y medio. Así los propietarios de los cines propondrán que se reduzca a dos minutos como máximo para evitar contar demasiadas cosas del argumento al intentar mostrar muchas imágenes de la película. Por ejemplo, muchos fans de El hombre de acero, lo próximo de Superman, se han quejado de su trailer por la gran cantidad de spoilers que contiene. Los estudios, por su parte, temen que los dueños de las salas impongan sus propias normas y empiecen a rechazar los trailers que no se ajusten a ellas. Veremos quién gana la batalla.

Otro tipo de polémica es la que mantienen los productores de Twiharder, el film que parodia a la saga Crepúsculo, con los estudios Lionsgate y Summit Entertainment por supuesta conducta anticompetitiva. Ambos han sido demandados, por la módica cifra de 500 millones de dólares,acusados dehaber abusado de la Ley de Propiedad Intelectual alregistrar para su franquicia más de una docena de nombres en la oficina de marcas y patentes. En la demanda se recoge que la distribución de la parodia, cuyo estreno estaba pensado para coincidir con Amanecer: parte 2, fue obstaculizada por los demandados al difundir una carta de cese que ahuyentó a sus distribuidores potenciales. Hace unos meses se dio el mismo caso con El Hobbit: Un viaje inesperado. Un juez de California impidió el estreno del spoof movie (película de parodias) de esta saga, Age of the Hobbits, dándole la razón a Warner Bros. que había acusado a la productora de aquella de incumplir los derechos de autor y atentar contra la propiedad intelectual.

Y es que el cine fantástico es un género que está muy bien considerado fuera de nuestras fronteras pero no tanto en nuestro país. De hecho, desde 1993 con la última edición del Festival de Cine Imaginario y de Ciencia-Ficción, Imagfic, no ha habido en Madrid ningún evento internacional dedicado a este tipo de cine que tantos beneficios da. Conocedores de esta necesidad, José Luis Alemán, Sergio Molina y Luis M. Rosales aprovecharon el Festival de Fantasporto 2010 para establecer los contactos requeridos para poner en marcha Nocturna, Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid. El certamen nace con el objetivo de convertirse en una cita ineludible para los fans del género a los que se ofrecerá las últimas películas de terror, thriller, ciencia ficción y animación. Tendrá lugar entre el 3 y el 9 de este mes en los cines Palafox del centro de Madrid. Aún está abierto el plazo de presentación de films y cortometrajes a concurso. Con esta iniciativa se pretende llenar ese vacío que había en el panorama de festivales dedicados a todo tipo de géneros cinematográficos.

Y del cine fantástico a alguien que hace tiempo fue un galáctico, David Beckham. Sí, el futbolista. Al parecer fuentes cercanas a Beckham y Tom Cruise afirman que el actor de podría ayudar a su amigo a cumplir su sueño de interpretar en la gran pantalla. La producción de la quinta parte del agente Ethan Hunt sería el momento elegido para debutar ya que el jugador, que se plantea su retiro de los campos de juego, considera que aún es lo bastante joven como para conseguir papeles de importancia. Ambos comenzaron una estrecha relación cuando el futbolista se fue a vivir a Estados Unidos para jugar en el Galaxy de Los Ángeles. Además, Beckham estuvo entrenando durante un tiempo a Connor, hijo de Cruise, por lo que es una buena oportunidad de devolverle el favor pasando de las millonarias campañas publicitarias a buscar fortuna en el mundo del celuloide de la mano de uno de los grandes.

Isabel Reviejo García – Reportaje

Carey Mulligan vuelve a estar en el punto de mira, esta vez por su papel de Daisy Buchanan en El Gran Gatsby. Tímida y de aspecto frágil, esta actriz británica es el ejemplo ideal de cómo moverse con el mismo acierto entre las grandes producciones y las películas independientes. A pesar de su juventud, Mulligan ha sabido ir construyendo una sólida trayectoria en el cine, gracias a la cual ha conseguido rozar el Oscar y con la que se ha ganado el aplauso de la crítica. Incluso la revista Variety llegó a decir de ella que era “la nueva Audrey Hepburn”. Este ha sido su camino hacia el éxito.

Sus comienzos

Su debut cinematográfico fue por la puerta grande, con la adaptación de Joe Wright de la novela Orgullo y prejuicio, de Jane Austen. El director buscaba rostros desconocidos que interpretaran a las hermanas de la protagonista y Mulligan, que contaba entonces con 19 años, consiguió hacerse con el rol de Kitty. Fue en el rodaje de esta película donde conoció a Keira Knightley, con la que inició una amistad que continúa hasta la fecha. Ambas actrices volvieron a coincidir en la gran pantalla con Nunca me abandones, un film de ciencia ficción dirigido por Mark Romanek en el que formaban un triángulo amoroso junto con Andrew Garfield.

Después de Orgullo y prejuicio, la carrera de Mulligan se centró en el terreno televisivo. De esta etapa podemos destacar su trabajo en la tv-movie La abadía de Northanger, que supuso su reencuentro con la obra de Jane Austen, y su colaboración en series como Doctor Who, Casa desolada o Caso cerrado. Su primer papel de peso en el cine fue con la película El mejor, en la que compartía escenario con dos estrellas de renombre: Susan Sarandon y Pierce Brosnan. Pero la película que cambiaría la vida de la actriz estaba a la vuelta de la esquina…

An education, el gran salto

Basada en las memorias de la periodista Lynn Barber y ambientada en los años 60, An education narraba la historia de una adolescente que, mientras se prepara para ir a la universidad de Oxford, conoce a un hombre mayor que ella, del que se enamora y con el que descubre un mundo lleno de posibilidades que hasta entonces no podía ni imaginar. Interpretar a la protagonista de esta película dirigida por Lone Scherfig supuso un antes y un después en su carrera cinematográfica. La repercusión de su primer papel como protagonista fue tal que ganó el BAFTA a la Mejor actriz e incluso recibió una nominación para el Oscar, que finalmente acabaría llevándose Sandra Bullock.

A pesar de la derrota, los ojos de Hollywood ya estaban puestos en ella, y con esto, el peso de la fama. Algo que la actriz nunca ha llevado muy bien: “No quiero la presión del éxito sobre mis hombros”, confesó Mulligan en la revista Interview. “Sólo quiero hacer papeles interesantes. En realidad, creo que es muy difícil obtener un rol femenino interesante como protagonista de una película”. Tras An education, vino el estreno de largometrajes más comerciales en los que la actriz realizaba pequeños papeles de reparto: Enemigos públicos, Brothers y Wall Street 2: El dinero nunca duerme. Trabajos que, aunque vieron la luz con posteridad, habían sido ofrecidos a Mulligan mucho antes del boom que vivió tras el éxito del film de Scherfig.

2011, su año

Uno de los puntos fuertes de Carey Mulligan es su buen ojo a la hora de escoger guiones. Y si hay dos proyectos que lo confirman, estos son Drive y Shame, las películas que la convirtieron en la nueva musa del cine independiente y que hicieron que el 2011 se convirtiera en su año. Todo ello con la compañía de sus compañeros de rodaje, Ryan Gosling y Michael Fassbender, respectivamente.

Con Drive, Mulligan se convertía en la princesa del particular cuento de hadas de Nicolas Winding Refn. La película, salpicada por grandes dosis de violencia, se convirtió en un film de culto de manera casi instantánea. Debido a sus pocos diálogos, Drive constituía un reto interpretativo para cualquier actor. Mulligan llegó a resumir el rodaje de la película diciendo que básicamente consistió en “mirar fijamente a Ryan Gosling durante horas cada día”.

Por otro lado, en Shame fue la hermana en la ficción de Michael Fassbender. Este retrato de un adicto al sexo, firmado por Steve McQueen, concedió a Mulligan la oportunidad de brillar con luz propia en una de sus escenas más memorables. En ella, la actriz interpretaba el tema New York, New York, bajo la atenta mirada de Fassbender y de otro de los actores del film, James Badge Dale. La secuencia se grabó a tiempo real, y las reacciones de los personajes que se ven en la pantalla fueron totalmente espontáneas, incluyendo las lágrimas de que se le escapaban a Fassbender.

El Gran Gatsby, el retorno a los flashes

Ahora, con su papel de Daisy en El Gran Gatsby, vuelve al cine más comercial, con la mayor producción en la que jamás ha trabajado. El siempre excéntrico director Baz Luhrmann ha realizado una adaptación de la novela de Scott Fitzgerald utilizando el barroquismo al que nos tiene acostumbrados, reflejando así el exceso de las fiestas del protagonista, Jay Gatsby, interpretado en esta ocasión por Leonardo DiCaprio.

Para preparar el personaje de Daisy, el gran amor de Gatsby, Mulligan recibió la ayuda de Luhrmann. Este le proporcionó libros sobre la mujer del escritor, Zelda Fitzgerald, que fueron la materia prima con la que trabajó para construir el papel, ya que la Daisy original estuvo inspirada en Zelda, así como en Ginevra King. Descartadas quedaron las revisiones de las adaptaciones previas de El Gran Gatsby, sobre todo la de 1974, para evitar que inconscientemente copiara rasgos de la Daisy de Mia Farrow.

Su trabajo en la película ha hecho que vuelva a las grandes giras de promoción, a las premieres y a la constante atención de la prensa. Es decir, a todo de lo que había intentado alejarse tras el estreno de An education. Y es que, a pesar del tiempo que ha pasado desde su debut, Mulligan conserva parte de su timidez inicial, y sigue rehuyendo los focos y el verse a sí misma en la gran pantalla.

Próxima parada: los hermanos Coen

Dentro de poco podremos verla en lo nuevo de los hermanos Coen, Inside Llewyn Davis, que obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes de este año. La película sigue los pasos de un cantante de folk en los años 60 y cuenta con la presencia de Justin Timberlake y Oscar Isaac. Aunque ya tiene distribuidora en nuestro país, aún no hay una fecha de estreno.

Además, la actriz tiene confirmados otros dos proyectos que vuelven a demostrar su facilidad para desplazarse entre lo comercial y lo independiente: protagonizará junto a Robert Pattison la película Hold on to me, de James Marsh, y también estará en Far from the Maddening Crowd, el próximo trabajo de Thomas Vinterberg. Está visto que, a sus 28 años, a Mulligan todavía le queda mucho que ofrecer.

Alba Freire Martín – Opinión.

Aunque pueda resultar un fenómeno muy reciente, el cine en tres dimensiones tiene una larga historia que se remonta a los años 20 del siglo pasado y que puede dar un giro en los próximos meses con el rodaje del drama Everything will be fine del director Wim Wenders.

La primera película comercializada como tal llegó a las cines de Los Ángeles en 1922 y se tituló The Power of love. Se separaban los colores de la imagen en rojo y verde, para más tarde ser captados cada uno con un ojo a través de unas gafas cuyos cristales estaban pintados uno de rojo y otro de verde. Con el crack del 29 este avance quedó estancado en su innovación, pero los métodos ya conocidos se siguieron utilizando.

Un ejemplo de ello fue el ministerio de propaganda nazi que proyectaba películas en 3D en los años 30, o la Llegada del tren de Louis Lumière que se proyectó en cines con la técnica del visionado en 3D y que tuvo un gran éxito en Europa, además de algunos cortos producidos por la Metro Golden Mayer.

Con la llegada de los años 60 se introdujo el color, al utilizarse las gafas con filtros polaroid que permitían ver más allá del blanco y negro. Durante las siguientes décadas se siguió innovando en la superposición de imágenes para lograr la mayor sincronización. Todos estos avances culminaron en la siguiente década con la llegada del formato IMAX, el más conocido hasta hace poco tiempo.

Ya entrados en este siglo XXI el director James Cameron utilizó este formato para su película Ghost of the abyss en 2003. Y ha sido este director el que ha popularizado este modo de filmar con la película Avatar en el año, a la que han seguido otras muchas en los años siguientes. Títulos tales como Cars 2, Toy Story 3, Madagascar 3, Harry Potter y las reliquias de la muerte, Kun Fu Panda 2, The Amazing Spiderman, han seguido la estela de Cameron. Algunas películas han sido incluso reconvertidas a este formato, siendo el caso más famoso Titanic, también de Cameron.

Casi todas ellas de animación o con un componente de acción, cuyos efectos especiales se veían multiplicados debido al uso del 3D.

Debido a la repercusión, muchas marcas de televisores se han visto obligadas a adaptar la pequeña pantalla a la tridimensionalidad y han empezado a producir aparatos que permiten la visión en 3D.

De esta manera puede que se convierta en el formato definitivo, ya que se ha instalado para quedarse y ha traspasado los límites de la animación y de la acción. Aunque bien es cierto que habrá que ver el éxito del drama Everythings will be fine, protagonizada por James Franco, cuya trama girará en torno a un escritor causante accidental de la muerte de un niño, que se está rodando y llegará a los cines el año que viene y de la que no se conocen muchos más detalles.

Solo el tiempo dirá si se impone o no, pero lo cierto es que aún le quedan muchos campos por explorar y seguir evolucionando.

Roberto C. Rascón (@rcrascon) – Reportaje.

El cine español no pasa por su mejor momento. Esta frase, mil veces repetida, no deja de ser verdad y menos ahora que la crisis económica azota sin piedad a la industria cinematográfica patria. La reducida cuota de pantalla frente a las producciones ‘hollywoodienses’ y la escasa recaudación obtenida en taquilla agravan aun más la situación. Sorprendentemente, esto no ha impedido que en lo que llevamos de año numerosas óperas primas hayan visto la luz.

En las últimas semanas se han estrenado películas como Ali, La última isla, La fotógrafa o El cosmonauta de los debutantes Paco R. Baños, Dácil Pérez Guzmán, Fernando Baños Fidalgo y Nicolás Alcalá respectivamente. Este último ha financiado parte de su película a través del sistema denominado ‘crowdfunding’ (financiación colectiva). En las próximas semanas y meses directores como Jesús Monllaó Plana (Hijo de Caín), Pepe Carbajo (Clara no es nombre de mujer), Juan Carlos Medina (Insensibles), Alejandro Ezcurdia(Tres60) o Juanra Fernández (Para Elisa) también estrenarán en pantalla grande por primera vez.

Sacar a la luz una ópera prima es complicado, pero la cantidad de principiantes presentes en la cartelera española demuestran que no es misión imposible. Por el contrario, parece mucho más difícil sacar adelante un segundo proyecto. No hay más que echar la vista atrás y observar que directores que debutaron con el aplauso de crítica y, en algunos casos, de público no han vuelto a estrenar. Muchos encuentran refugio en la televisión, mientras otrostrabajan en nuevos proyectos. Entre ellos, destacamos cinco nombres:

Jorge Sánchez Cabezudo. Su primera película, La noche de los girasoles, fue calificada por la crítica como: ”Excelente” (Carlos Boyero), “Uno de los mejores guiones del cine español de los últimos años” (Javier Ocaña) o ”Magnífico ejemplar de cine fuerte” (E. Rodríguez Marchante). La obra, protagonizada por Carmelo Gómez, era una thriller de alta tensión con ecos de los hermanos Coen. Desde entonces, este director ha centrado su labor en la televisión realizando capítulos para series como Desaparecida, Guante blanco, Hispania o Gran Hotel. También fue el director de la excelente Crematorio, donde pudo demostrar todo su talento.

Felix Viscarret. Este director navarro debutó con Bajo las estrellas, una película que arrasó en el Festival de Málaga donde se alzó con los galardones a película, director, actor y guión novel. En los Goya tampoco pasó desapercibida y conquistó los premios a actor principal, un esplendido Alberto Sanjuán, y guión adaptado, para el propio Viscarret. ”Una crónica de perdedores simpáticos con sabor a cine de antes”, dijo de ella el crítico Luis Martínez. Posteriormente Viscarret firmó un documental sobre El Canto del Loco y la miniserie de televisión, Marco.

Mar Coll. La ganadora del Goya a la mejor dirección novel en 2009 con Tres días con la familia no ha vuelto a estrenar, pese a tener finalizada su segunda película, El Desconcierto. Su primera obra, con la que también se llevó el galardón a la mejor dirección en el Festival de Málaga, fue aplaudida por la crítica que la dedicó numerosos elogios:·”Mar Coll marca tiempos y silencios de su lenta catarsis con mano firme” (Javier Cortijo) o ”Algo (o mucho) más que un prometedor debut” (Jordi Costa). Todos destacaron las influencias francesas de esta alumna del ESCAC (Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña).

David Pinillos. En 2010, los Goya acreditaron a este segoviano como el mejor director novel por Bon Appétit. Los críticos alabaron este melodrama gastronómico protagonizado por Unax Ugalde: ”Es en el mejor sentido sentimental, es de verdad, tiene algo conmovedor y auténtico” (Carlos Boyero), ”Fresca, ligera y sorprendente” (Irene Crespo). Tras este éxito, Pinillos ha continuado con su labor de montador en película como Primos, Invasor o Combustión, además de dirigir algunos capítulos de la serie Gran Hotel.

Belen Macías. El patio de mi cárcel fue el primer largometraje de esta directora estrenado en cines y se llevó cuatro nominaciones a los Goya, entre ellos el de mejor dirección novel. Lo más destacado de la película fue la interpretación de Verónica Echegi, que se llevó los halagos de la crítica: ”Verónica Echegi deslumbra” (Luis Martínez) o ”Una mirada que no es original, pero sí entusiasta y tiene a una actriz aún más entusiasta” (E. Rodríguez Marchante). Antes del estreno de esta cinta, Macías había realizado el telefilm La Atlántida y capítulos de la serie Hospital Central. Tras El patio de mi cárcel regresó a la televisión donde ha realizado dos miniseries (La princesa de Éboli e Historias robadas) y participado en series como La señora o El don de Alba. En estos momentos trabaja en la preproducción de Marsella.

Melisa López (@Melisa_LoMa) – Información.

El gran protagonista de la semana ha sido el Festival de Cannes. En su 66ª edición ha habido muchas sorpresas a cargo de nuevos cineastas y también alguna que otra decepción por parte de consagrados directores. La preciada Palma de Oro ha recaído sobre el tunecino Abdellatif Kechiche y su La vie d’ Adèle, que narra la historia de amor de una pareja de mujeres jóvenes. Los hermanos Coen también han salido por la puerta grande llevándose el Gran Premio del Jurado por Inside Llewyn Davis, donde plasman con su estilo característico el ir y venir de un cantante de folk en los años 60. Y el premio a Mejor dirección ha sido para el mexicano Amat Escalante, autor de Heli. Pero no solo han gustado las películas premiadas, también hay que destacar títulos como Behind the Candelabra de Steven Soderbergh en la que Michael Douglas interpreta al pianista Liberace en la que dicen es su mejor papel hasta la fecha. La gran decepción del festival ha sido Only God Forgives de Nicolas Winding Refn a la que han tachado de fallida y carente de tensión.

En los próximos días le dará el relevo al Festival de Cine de Alicante, que este año concederá el Premio Ciudad de Alicante a la actriz Natalia Verbeke como reconocimiento a su carrera cinematográfica. La entrega de la estatuilla tendrá lugar durante el acto de inauguración del certamen el 1 de junio en el Auditorio de la Diputación de Alicante (ADDA). La actriz argentina ha sido la elegida en esta ocasión ya que esta edición coincide con la celebración de sus 15 años en el cine desde que se estrenó su primer film, Un buen novio.Verbeque no será la única premiada, Maribel Verdú también será galardonada con el Premio de Honor. Su programación se extenderá hasta el 8 de junio y el jurado estará presidido por el presidente de la Federación Europea de compositores para cine y audiovisual (FFACE), Luis Ivars.

Tras el cierre de la productora de González Macho, Alta Films, no hay más que malas noticias para el cine patrio. El descenso de la afluencia de espectadores a las salas, como consecuencia de la subida del IVA, ha supuesto el fin de muchos cines españoles. Esta semana le ha tocado el turno al cine Urgel, el más grande de Barcelona.Propiedad del grupo Balañá, la sala cuenta con 1.832 butacas cuyo equipamiento se había quedado algo atrasado desde el punto de vista tecnológico y era uno de los cuatro cines de una sala que quedaban en la ciudad condal. Se inauguró el 20 de septiembre de 1963 con la proyección de la película Carmen Jones de Otto Preminguer. Cincuenta años más tarde verá sus puertas cerradas después de haber ofrecido al público las películas más taquilleras. Su última sesión será la nueva entrega de Fast & Furious 6.

Y es que corren malos tiempos para el cine. Por ello, son muchos los cineastas que optan por reinventarse. Francis Ford Coppola ha decidido retomar su inspiración mafiosa, que le valió el éxito de El Padrino, para enfrascarse en el guión de su nuevo proyecto que tendrá como protagonista a una familia italo-americana un tanto especial. De momento se ha instalado en la oficina de la Paramount y ha contratado a Nicole Daniels y Courtney Bright para seleccionar a la plantilla del film, como también hizo su hija Sofía Coppola en The Bling Ring, presentada este año en el Festival de Cannes. Y Ridley Scott le ha cogido el gusto al género documental tras producir La vida en un día, que se convirtió en todo un fenómeno en 2011 al estar compuesto por fragmentos de la vida de miles de personas anónimas a las que se les pidió que grabaran a sí mismos. Ahora vuelve con un documental sobre la música de Bruce Springsteen como homenaje a sus 40 años de carrera. Los fans han ayudado a recolectar material fotográfico tomado a lo largo de todas las giras que ha ofrecido el cantante. Su estreno está previsto para el próximo 22 de julio.

Al que no le faltan manos para sacar adelante la tercera entrega de Los Mercenarios es a Sylvester Stallone. El creador de la saga ya cuenta con Mickey Rourke, Jackie Chan, Jason Statham, Bruce Willis, Dolph Lundgren, Wesley Snipes y el propio Stallone para dar continuidad a la exitosa franquicia. La próxima incorporación se espera que sea la de Steven Seagal con el que ya anda en negociaciones. La película comenzaría a rodarse este año para poder estrenarla en 2014.

Marta Rodríguez (@MartaRMa) – Información.

Doce días y sus noches ha durado la 66 edición del Festival de Cannes. Doce días en los que hemos visto a directores y actores desfilando por la alfombra roja. Entre ellos se encontraban los más esperados, los últimos trabajos de Roman Polanski, Françoise Ozon, Steven Soderbergh, PaoloSorrentino o los hermanos Coen, por poner algunos. El 15 de mayo tuvo lugar la ceremonia de apertura de la mano de la actriz francesa Audrey Tautou, y la proyección fuera de sección de El Gran Gatsby, de Baz Luhrman.

A lo largo de este festival se han podido ver un total de diecinueve películas, entre las que han destacado Jeune & Jolie de François Ozon, Heli de Amat Escalante, El pasado de Asghar Farhadi, LikeFather Like Son de Hirokazu Koreeda, Inside Llewyn Davis de Joel & Ethan Coen, Behind the Candelabra de Steven Soderbergh, La Grande Belleza de Paolo Sorrentino, Only God Forgives de Nicolas Winding Refn, Nebraska de Alexander Payne, La vida de Adèle de Abdellatif Kechiche, The Inmigrant de James Gray,Venus in Für de Roman Polanski, Only Lovers Left Alive de Jim Jarmusch, y Zulu de Jérôme Salle, encargada de clausurar el festival.

Como en todo evento cinematográfico que se precie, no podían faltar las quinielas, que situaban entre las favoritas a la Palma de Oro a Hirokazu Kore-eda con Like father, Like son, el drama de unos padres que descubren que su hijo de 6 años no es biológicamente suyo y  La vida de Adéle, de Abdellatif Kechiche, la apasionada historia de amor entre dos mujeres. Ambas han salido ganadoras en el festival, la primera con el Premio del Jurado, y la segunda con la tan codiciada Palma de Oro de Cannes.

En el apartado de Mejor Director, el premio ha sido para Heli del mejicano Amat Escalante, una historia de violencia y drogas; y el Mejor Guión es para la feroz A touch of sin del director chino Jia Zhangke.

En las categorías de mejor actor/actriz, se encontraban Michael Douglas por su papel del pianista gay Liberace, en la película Behind The Candelabra (Steven Soderbergh) y Oscar Isaac, por Inside Llewyn Davis, como el Llewin Davis al que hace referencia el título, cantautor de música folk, última cinta de los hermanos Coen. Entre las actrices favoritas se encontraba la pareja protagonista de La vida de Adéle, Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux. Finalmente el premio a Mejor Actor ha sido para Bruce Dern por Nebraska, la road movie dirigida por Alexander Payne, y el de Mejor Actriz para una sorprendidísima Bérénice Bejo por El pasado de Asghar Farhadi, drama sobre una pareja en trámites de separación y exiliada en Francia.​Entre los apartados menos conocidos y más infravalorados del festival se encuentran la Palma de Oro al mejor cortometraje, para Safe de Moon Byoung-gon y la Cámara de Oro para Ilo Ilo de Anthony Chen.

Palmarés del Festival de Cannes

Sección oficial

Palma de Oro: La vie d’Adèle, de Abdellatif Kechiche.

Gran Premio del Jurado: Inside Llewyn Davis, de Joel y Ethan Coen.

Mejor director: Amat Escalante, por Heli.

Premio del Jurado: Like father, like son, de Hirokazu Kore-Eda.

Mejor actor: Bruce Dern, por Nebraska, de Alexander Payne.

Mejor actriz: Bérénice Bejo, por Le passé, de Asghar Farhadi.

Mejor guión: Jia Zhangke por A touch of sin.

Cámara de Oro a la mejor ópera prima: Ilo Ilo, de Anthony Chen.

Palma de Oro al mejor cortometraje: Safe, de Moon Byonung-Gon.

Sección “Un certain regard”

Premio “Un certain regard”: The missing picture, de Rithy Panh.

Premio del Jurado de “Un certain regard”: Omar, de Hany Anu-Assad.

Premio mejor director de “Un certain regard”: Alain Guiraudie, por L’inconnu du lac.

Premio del futuro: Fruitvale Station, de Ryan Coogler.

Premio de interpretación: Reparto de La jaula de oro, de Diego Quemada-Díez (Karen Martínez, Brandon López y Rodolfo Domínguez)