Melisa López (@Melisa_LoMa) – Reportaje.

Dos caras a las que, hasta hace bien poco, no les poníamos nombre: Emma Stone y Jennifer Lawrence. Dos actrices, de las llamadas jóvenes promesas de Hollywood, que empiezan a despuntar tras alguna incursión en series de televisión para dar el salto a la gran pantalla con papeles que ya quisieran algunas de las actrices más veteranas. Pero, ¿qué las hace tan especiales?, ¿qué lleva a un director a elegirlas casi como musas cuando apenas cuentan con experiencia?

Ambas comenzaron su carrera interpretativa a muy corta edad, con 16 años. Mientras Emma Stone hacía sus pinitos en la serie Drive de la cadena Fox allá por el 2007, Jennifer Lawrence era descubierta por unos agentes de la industria cinematográfica consiguiendo un papel principal en la sitcom The Bill Engval Show. Ese mismo año, Stone se hacían un hueco en el reparto de la comedia Supersalidos junto a otros rostros nuevos del cine “friki”. Lawrence probó suerte con varios films de corte independiente antes de participar en Lejos de la Tierraquemada en 2008 compartiendo cartel con nombres de la talla de Charlize Theron y Kim Basinger. Aunque la película pasó sin pena ni gloria por las salas de cine, su papel le valió el aplauso de la crítica que comenzó a fijarse en ella.

Dos mujeres con dos estilos muy diferentes y distinta forma de entrar por la puerta grande en el cine. En sus inicios Stone escogió papeles, principalmente, cómicos y de chica guapa mientras que, Lawrence se decantó por historias de autor metiéndose en la piel de jóvenes sufridoras de abusos o con un trauma profundo. No tienen una técnica depurada ni son actrices que sigan el llamado “Método”, como sí lo hacen Natalie Portman o Meryl Streep, para conseguir transmitir naturalidad a través de sus personajes. De hecho, Lawrence ha confesado que no tiene una manera concreta de trabajar, apenas memoriza el guión y prefiere amoldarse a las exigencias del director sin haberse formado una idea previa de la escena en su cabeza.

Punto de inflexión en sus carreras

Dicen que el que la sigue la consigue y ese debe ser el lema por excelencia entre los actoresambiciosos pero a la vez cautos en su recorrido hacia el estrellato. A todo actor con buenas dotes interpretativas le llega su gran oportunidad que, ya sea en un film sonado o de bajo presupuesto, supondrá un giro en su carrera. Bastará con llamar la atención de algún entendido del séptimo arte y todos empezarán a preguntarse de dónde ha salido tal o cualpromesa del celuloide.

En el caso de las actrices que nos ocupa, ese primer éxito vino acompañado de primeros premios que las catapultó directas a las alfombras rojas de algunos de los festivales de cine más seguidos por público y crítica. Para Emma Stone este punto de inflexión fue su papel protagonista en Rumores y mentiras, Will Gluck. En esta ácida comedia interpretaba a Olive, una adolescente que decide poner en circulación un rumor sobre su promiscuidad para salvar la reputación de su amigo homosexual en el instituto. Viendo la rápida acogida que tiene el chisme entre sus compañeros lo lleva hasta sus últimas consecuencias poniéndose a sí misma el cartel de una verdadera “letra escarlata”. Así fue como en 2011 Emma Stone fue premiada como mejor actriz de comedia romántica en los Teen Choice Awards y mejor actuación cómica en los Premios MTV Movie, además de estar nominada en la categoría de mejor actuación en dichos galardones. Por su parte, Jennifer Lawrence consiguió una inyección de popularidad y prestigio al filmar en 2010 Winter’s Bone de Debra Granik. Al igual que para Stone, este era su primer papel protagonista y, por ello, el nivel de exigencia interpretativa y física fue elevado, tuvo que aprender a cazar ardillas y a disparar un arma.Con tenacidad consiguió depurar el personaje de Ree Dolly, una chica que se ve obligada a hacerse cargo de sus hermanos y su madre discapacitada cuando descubre que su padre, un conocido fabricante de drogas, ha utilizado la titularidad de la casa para conseguir la libertad condicional. Ree iniciará una intrigante búsqueda por la red de crimen de su localidad en un último intento por salvar su hogar. La película tuvo muy buena acogida, tanto es así que fue incluida en la programación de eventos como el Festival de Cine de Detroit y el Festival de Estocolmo triunfando también en Sundance haciéndose con el premio del jurado. Pero, sobre todo, fue importante a nivel personal para la actriz ya que supuso su primera nominación a los Premios Oscar como actriz protagonista con tan solo 21 años.

Culminación del éxito y reconocimiento

No adelantemos acontecimiento porque este el momento de estas dos actrices en alza. Así lo corroboran los que hasta ahora han sido sus dos mejores interpretaciones. Tras su paso por varios films comerciales como la saga X-Men: Primera generación y protagonizar la adaptación de la novela Los Juegos del Hambre, a Lawrence le llegó el personaje que le ha hecho mundialmente conocida, Tiffany Maxwell en El lado bueno de las cosas de David O. Russell. Junto a Bradley Cooper y Robert de Niro borda el papel de viuda desquiciada e incomprendida metiéndose en el bolsillo al público más exigente. Su recompensa ha sido, nada más y nada menos, que un Oscar a mejor actriz, un Globo de Oro, el premio del Sindicato de Actores y otros tantos en diversos festivales de relevancia. 

La gran oportunidad para Stone se materializó al protagonizar Criadas y señoras de Tate Taylor, En ella interpreta a Skeeter, una aspirante a escritora que trata de defender los derechos de las sirvientas de color que trabajan en Mississippi. La película caló hondo y dio grandes alegrías a sus protagonistas. Aunque Emma no obtuvo ninguna nominación a los Oscar, sí fue premiada en los Black Reel Awards a mejor reparto junto a sus compañeras y en los Teen Choice Awards como mejor actriz de drama. Tras este reconocimiento se convirtió en la novia del hombre araña en The Amazing Spider-Man y ahora se rumorea que será la nueva musa de Woody Allen en su nuevo film europeo. Jennifer no se queda atrás, este año volverá a rodar junto a Bradley Cooper en Serena, participará en la siguiente película de X-Men: días del futuro pasado y estrenará la secuela Los Juegos del Hambre: En Llamas.

Son guapas, tienen talento y están en racha. Todo aquel que tenga la suerte de trabajar con ellas verá revalorizado su nombre. Solo el paso del tiempo nos dirá si la apuesta fuerte por ellas ha merecido la pena. Las expectativas son altas pero, a día de hoy, las han cumplido con creces.

[Atención: spoilers de la octava temporada]

OchoQuinceMagazine.- 23/05/2013

¿Qué nos deja el final de la octava temporada de How I met your mother? Una encrucijada para cada personaje, fundamentalmente. Al igual que ocurrió con Friends, parece que los amigos del MacLaren’s se enfrentarán a las grandes decisiones de su vida justo antes del final de la serie. Así lo demuestra el final de esta temporada que concluye (la octava ya, madre mía), que en los últimos capítulos ha indagado en los sentimientos de sus personajes muy por encima de su aspecto cómico, aunque sin dejar de lado éste.

¿Y por qué están en una encrucijada? Bien, vamos por partes. Primero, la eterna pareja de la serie, Lily y Marshall (con su bebé Marvin, claro), con los preparativos de su viaje a Roma. Por fin parece que… SIGUE LEYENDO AQUÍ

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Elena Suárez- Reportaje

Uno se plantea ser periodista, arquitecto, militar o abogado. Uno elige ser profesor o médico, escoge una carrera u otra. Pero, ¿uno elige ser bailarín, así, de la noche a la mañana? No lo creo. Para bailar no basta con querer. Eso, se tiene o no se tiene, se nace o no se nace. Hay que sentir algo fuerte, tan fuerte que te haga tener la voluntad de apartar otras muchas cosas para dedicarte por completo a la danza. La danza, o se ama o se odia, pero nunca te deja indiferente. En más de una ocasión habrá una relación de amor-odio entre el bailarín y la danza, pero como diría Tamara Rojo: ‘La danza no me ha robado nada. Me ha hecho más feliz como persona.’ Y es que aunque a veces es un mundo cruel, cuando sales a escena y recibes el aplauso del público, cuando el trabajo de meses y meses por fin sale, y sale bien, la satisfacción es tan grande que no se puede explicar.

Puedo hablar desde mi experiencia, pues empecé a bailar con tres añitos. La danza requiere mucho sacrificio, muchos ‘no puedo, tengo ensayo’, mucha fuerza de voluntad, mucho entusiasmo. Amar lo que se hace, por encima de todo.

Además de esa parte ‘sentimental’ donde la danza te toca y te deja huella para siempre, está la parte más ‘deportiva’. Esta es la parte en la que yo, personalmente, comparo a un bailarín con un deportista. Y sí, aquí es cuando pensaréis que voy a hablar de que los bailarines parecen las ovejas negras de este país, mientras futbolistas cobran millones y millones. Pero eso ya lo veremos más adelante. Ahora quisiera explicar un poco cómo debe entrenar un bailarín para estar en forma. Es fácil. Querer, querer y querer. Si algo he aprendido de la danza es que uno, si se lo propone y tiene unas ganas tremendas de mejorar y mejorar cada día más, puede hacer con su cuerpo lo que quiera. El cuerpo cede. Solo hay que saber por dónde llevarlo. ¿Qué son muchas horas de entrenamiento? Pues sí. Pero creo que Nadal, aun con un talentazo innato y naciendo con la raqueta en la mano, tuvo que echar horas y horas para ser el número uno del mundo.  Os aseguro que una vez sientes la pasión por la danza, ni todas las horas del mundo te parecerán muchas, ni todo el dolor del mundo te hará parar. Al contrario, siempre querrás más. Creo que en parte los bailarines y los deportistas somos algo masoquistas… hasta que no duele, no encontramos placer en lo que hacemos. Y aquí os cito a Josef Ajram, el último embajador estrella de la motivación deportiva: ‘El punto principal es el deporte, pero tanto en el deporte como en la vida, los límites se los pone uno mismo. Todo el mundo es capaz de hacer lo que se proponga, siempre y cuando luche por ello y agote todos los recursos posibles antes de rendirse.’ A esto solo puedo añadir: Amén.

Para una buena preparación física hacen faltan un par de cosas: un buen entrenamiento diario, y hago hincapié en ‘diario’, porque el cuerpo es como una máquina que guarda el trabajo hecho, lo almacena y lo convierte, pero si esa máquina solo funciona de vez en cuando, jamás almacenará información y trabajo, y así el avance es imposible. Solo llega quien es constante, quien va como las hormiguitas, un poco más y más cada día, trabajando sin cesar. Y os pongo el ejemplo que me ponía mi maestra, Carmina Ocaña: ‘esto es como una botella de agua en la que tú vas echando una gotita cada día, hasta que un día esa agua llega al borde y se desborda. ¿Es por la última gota? No. Es por todas las gotas que echaste antes, día tras día, sin parar.’

Y sin irnos del tema, la preparación física. Para estar en forma hace falta como he dicho un entrenamiento diario, agarrarse a la barra cada día con unas ganas locas, dejarte ahí hasta  la última gota de sudor, seguir a pesar del cansancio, de las heridas en los pies, de que se te caigan las uñas o tengas agujetas. Bailar con un esguince, con el gemelo roto o con un suelo resbaladizo en el que por poco te dejas los dientes. En eso consiste la danza, en sobrepasar los límites. Seamos realistas, no es lo mejor ni lo más aconsejable, pero es la única forma de llegar a lo más alto. Como decía, uno puede conseguir lo que quiera con su cuerpo, para ello debe tener claro sus puntos fuertes y sus puntos débiles, y en base a eso, trabajar de tal forma que los defectos no sean apenas visibles y las virtudes parezcan virtuosas.  ¿Explotar lo bueno para esconder un poco lo malo? No exactamente. El bailarín siempre busca mejorar lo que no le sale, lo que no tiene tan fácilmente por naturaleza, y eso le hace esforzarse y mejorar notablemente sus defectos, algo admirable, pues en la danza no existe el conformismo. Existe la perfección. Y eso es algo bueno y malo a partes iguales. Te ayuda a tener disciplina en otros ámbitos de la vida, como los estudios, las relaciones, acabar todo lo que empiezas, poner empeño y entusiasmo en todo. Pero esa búsqueda de la perfección también te hace obsesionarte a veces, como por ejemplo, con el tema de la comida y el peso.

Para estar en forma además de las clases diarias, también se pueden hacer otro tipo de ejercicios para completar la forma física como nadar, hacer pilates, gyrotonics (pilates con máquinas, aplicado a los bailarines), hacer algo de cardio, trabajar la potencia de salto, reforzar partes débiles como las rodillas con ejercicios de propiocepción para mejorar la estabilidad, hacer ejercicios con la banda elástica, trabajar la elasticidad antes y después de clase y algo muy importante: estirar muchísimo. Estirar para enlongar los músculos que de tanto trabajo se congestionan y se contraen.

También es importante llevar una buena alimentación, sin llegar al extremo y obsesionarse y desde aquí hago un llamamiento a todas las bailarinas, y digo bailarinas, porque normalmente es el sexo femenino el que sufre de anorexia y bulimia, algo muy típico, y que por desgracia no solo pasa entre bailarinas, sino también en chicas que no bailan. Hago un paréntesis, y sin juzgar ni regañar, solo pido que se tenga el valor suficiente para salir de ese infierno y que la tentación de vomitar o dejar de comer sea superada por la sensación de mirarse al espejo y sentirse a gusto con lo que se es. Ni más ni menos. Que el mundo del baile, y la sociedad en general, tienen impuestos unos cánones de belleza que nos llevan a una delgadez extrema, a una imagen poco sana y lo más triste: a una imagen en la que un kilo menos supone felicidad y belleza, aunque nuestra sonrisa delate una enorme miseria. Está claro que para bailar hace falta tener unas líneas, una figura esbelta y bien proporcionada, pero jamás se debería llegar a superar esa barrera. Pero, supongo, que como he dicho antes, esto es una consecuencia más de esa búsqueda de la perfección, de no estar conformes nunca, de querer siempre más.

La alimentación, como la de cualquier persona que se dedique en cuerpo y alma a una actividad física, debe ser completa y equilibrada.  Soy partidaria de la idea de que una buena alimentación evita muchas lesiones. Hay que tener muy fuertes las articulaciones, y todo el organismo en general, para soportar las horas y horas y de ensayos y machaque físico, pues el cuerpo en cualquier momento se puede resentir. Como en cualquier alimentación, hay que evitar el consumo excesivo de dulces y grasas, e introducir alimentos más frescos, ricos en fibra y bajos en grasa. Llevar una dieta sana ayuda a rendir mejor en el ejercicio, a tener un tono muscular más adecuado y a estar ágil y en forma para sobrellevar la actividad sin problemas.

Las lesiones también es algo a tener en cuenta. Y vuelvo a hablar desde la experiencia. Tras dos operaciones del ligamento de la rodilla y dos años de parón, creo que es importante trabajar al 100% cada día y siempre dar más, pero ¡cuidado! El cuerpo es una máquina y si tú fuerzas la máquina hasta los límites más insospechados, la máquina se rompe. Hay que saber escuchar al cuerpo y que las ansias de querer bailar y mejorar, no te hagan perder la cabeza. Para bailar hace falta inteligencia, y saber cómo manejar esa inteligencia. Me explico: saber cuándo es conveniente parar, tomarse los descansos necesarios y darle al cuerpo un respiro, pues el cuerpo también tiene un límite y si lo pasas continuadamente, no solo tendrás que parar el doble de tiempo de lo que antes no quisiste parar, si no que puede que no puedas volver a bailar más. Para ello hay que cuidarse, como ya he dicho antes, estirar, acudir frecuentemente a un especialista que nos arregle y nos pase la ITV. Un chequeo semanal por nuestro fisioterapeuta u osteópata, para descargar los músculos y reponerlos de tanta tensión, para poder seguir al 100% y a estar a tope para las actuaciones.

Las actuaciones es otro punto importante. Es el punto. Uno se prepara durante meses y meses, para una gran ocasión, quizá tu única oportunidad, la oportunidad de que te vea el director de una compañía o el programador de teatros, y los nervios, siempre juegan en tu contra. Es algo inevitable, sales al escenario y estás solo ante el peligro. Estar ahí siempre es algo salvaje, como el gladiador frente a la bestia. Te mueve algo de dentro. Y por eso, por encima de quien te pueda estar viendo bailar… se baila por y para uno mismo, o al menos debería ser así, pero me temo que la danza se mantiene mucho de la aceptación de los demás, de la aceptación de nuestros superiores y eso le quita amor a la danza.

La danza en España, por desgracia, es la oveja negra, al igual que el resto de la cultura y el arte en general. Con escasas o nulas subvenciones, la danza se mantiene a base de la pasión y empeño de un colectivo que ama lo que hace, por difícil que sea. Que sobrevive más que vive. Para hacer una buena carrera como bailarín, hay que salir fuera de España, y ahí tenéis el ejemplo de Tamara Rojo, actual Directora Artística del English National Ballet, Carlos López o Ángel Corella, al que no le han dado ni una ayuda para mantener su compañía en el país que le vio nacer. Triste, ¿verdad? Pues sí. Pero mientras se sigan cerrando teatros para abrir tiendas de H&M, mientras se siga excluyendo a la danza de las ayudas económicas, mientras los bailarines sigan sin ser profetas en su tierra, mientras se sepa antes quién es Ylenia de Gandía Shore que Antonio Gades, habrá que cruzar nuevos horizontes, tener el valor de dejar todo aquí por un sueño e intentar ser felices en otro país, donde por suerte, sí valoren todo nuestro potencial y trabajo.

Tras muchos años de esfuerzo, tras muchos concursos, muchas lesiones, mucho sacrificio, varias operaciones… tras mandar mil vídeos por todo el mundo y luchar por entrar en alguna compañía donde mis 1’53 cms fueran menos importantes que el cómo bailo o el trabajo que llevo a mis espaldas, el Cirque du Soleil me escogió de entre seiscientos y pico bailarines, y la verdad, puedo decir, que la danza sigue teniendo futuro, pero solo está hecha para quienes la aman de verdad. Que es una pena que tengan que venir de fuera para valorar el producto nacional, pero que dentro de la danza hay muchos senderos que recorrer. También se puede ser coreógrafo, director, profesor… y que ese el reto de todos los que hemos bailado. Transmitir la danza, hacer a todos partícipes de un arte tan maravilloso, acercar la danza a la gente, aunque sea como yo estoy haciendo ahora, simplemente escribiendo, promoviendo actividades, o luchando con uñas y dientes por hacer que viva la danza en este país. Luchar por abrir nuevas compañías, no desistir. Que el dinero nunca ha llenado el bolsillo de los bailarines. Que el amor al arte es lo nuestro, y que quizá hay que aguantar un poco el tirón y hacerlo por la danza. Por poner a la danza en el lugar que merece.

Como diría Quique González: ‘La vida te lleva por caminos raros, por la esquina más perdida de los mapas, por canciones que tú nunca has cantado…’ La vida te lleva por caminos raros. Pero la danza sigue ahí, retándote un día más, haciéndote amarla hasta llegar al punto de no poder pasar ni un solo día de tu vida sin ella.

Desirée Fina – Información

Tras una exitosa gira por América Latina y EE.UU., Alejandro Sanz vuelve a España para  presentar su esperada gira de más de 20 conciertos por toda la geografía española,  que dará el pistoletazo de salida el próximo 29 de mayo en la ciudad condal de Barcelona.

La gira ‘La música no se toca’ ha sido presentada en una multitudinaria rueda de prensa realizada en el Palacio de los Deportes de Madrid en la que el cantante no ha tenido tapujos a la hora de contestar a todo tipo de preguntas, tanto de corazón como de política: “No fueron unas declaraciones ni muy acertadas ni muy justas, pero un día malo lo tiene cualquiera” ha declarado al referirse a las declaraciones que dio el ministro de Hacienda, Cristóbal Montoro, respecto a los artistas españoles que no pagaban impuestos en el país.

Dejando claro que su residencia está en Madrid y que nunca ha estado empadronado en otro país, Alejandro Sanz  ha señalado que es parte de la marca España, “España va conmigo donde voy, me siento muy orgulloso de lo que soy y de que, cuando voy a cantar fuera, los titulares pongan, ‘el cantante español’”.

El artista español más laureado de la historia de los premios Grammy Latinos regresa a los escenarios españoles en una gira que se prolongará hasta el 11 de agosto. Un regreso que para él “es un premio” en los que sus conciertos durarán alrededor de 2 horas y 15 minutos y el madrileño ha asegura que se dejará todo lo que tenga en cada uno de ellos.

Además de la puesta en escena de la gira, el espectáculo contará con cien mil vatios de sonido, junto a una banda de primer nivel formada por diez músicos, cinco de ellos mujeres, a los que el artista se ha referido como “una pedazo de banda”.

Alejandro Sanz estrenó a finales de 2012 ‘La música no se toca’, su noveno disco de estudio, que alcanzó el número 1 en EE.UU., México, Argentina, Colombia y España, con un doble platino en ventas en su primera semana en el mercado.

Este éxito de ventas ha sido acompañado por el de sus conciertos de la gira, que arrancó en octubre de 2012. Desde entonces, más de 300.000 personas han visto y escuchado a Alejandro Sanz en Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, Estados Unidos, Panamá, Perú, Puerto Rico y Uruguay. Ahora es el turno de la tierra que le vio nacer y estas son las ciudades que el cantante visitará:

29/05/2013 – Barcelona Palau Sant Jordi

30/05/2013 – Barcelona Palau Sant Jordi

01/06/2013 – Bilbao Bilbao Arena

07/06/2013 – Murcia Plaza de Toros

08/06/2013 – Alicante Institución Ferial Alicantina de Elche

12/06/2013 – Valencia Explanada del Veles e Vents Marina Real Juan Carlos I

13/06/2013 – Zaragoza Pabellón Príncipe Felipe

15/06/2013 - La Coruña Coliseum

19/06/2013 - Sevilla Estadio Olímpico La Cartuja

21/06/2013 - Granada Palacio de los Deportes

22/06/2013 - Málaga Palacio de los Deportes Martín Carpena

26/06/2013 – Madrid Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid

27/06/2013 – Madrid Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid

29/06/2013 –  Valladolid Latino Plaza de Toros

03/07/2013 – Palma de Mallorca Plaza de Toros

05/07/2013 Córdoba Plaza de Toros (Festival de la Guitarra)

06/07/2013 – Cádiz Estadio Ramón De Carranza

27/07/2013 – Almería Campo Anex Estad.Juegos del Mediterráneo

07/08/2013 – Perelada (Gerona) Festival Castell de Perelada
Castillo de Perelada

08/08/2013 – Tarragona Tarraco Arena Plaza

11/08/2013 – Marbella – Starlite Festival La Cantera de Nagüeles

María Cerro Diego – @MariaCerro_ – Crítica

Como cada semana, en Punto de Encuentro tenemos el placer de dejaros una pequeña joya de la gran colección de piezas que es la historia de la música. Hace poco y por casualidad llegó a mis manos el disco de Asaf Avidan. Un joven israelí que ha probado suerte con su voz y su guitarra, y en mi opinión, sabe aportar algo novedoso y atrayente que no se ve todos los días.

Asaf Avidan nació en Jerusalén hace unos 30 años y fue allí donde en 2006 probó suerte con  Asaf Avidan & the Mojos, una banda de folk rock con la que publicó tres álbumes, el primero de ellos, “The Reckoning”, que aunque no tuvo internacionalmente mucha repercusión en su momento, le serviría en enero de este 2013 para hacer un remake llamado One Day/ Reckoning con el que ha revolucionado las pistas de baile de media Europa.

“Different pulses” es el primer y único disco en solitario hasta la fecha de Asaf Avidan, publicado en 2012 con canciones como el single que comparte título con el disco, Love it or Leave it o 613, con el que ha llegado a un público mucho más amplio y con el que nos deja con una sensación de tranquilidad y confusión. Once canciones que mezclan los sonidos más exóticos e inusuales con su voz, que como dije antes, confunde a más de uno y de una por su cadencia poco masculina en el timbre y por la capacidad de subir y bajar el tono sin ningún esfuerzo.

Quizá por esto, su carácter original y auténtico, dejamos que el disco suene una y otra vez sin agotarnos, porque aunque cada vez haya más grupos y más amplitud en el mercado musical, no es fácil encontrar hoy en día discos hechos con gusto y con sonidos que consiguen atraparnos.

TRACKLIST:

1. ”Different Pulses” (4:30)
2. ”Setting Scalpels Free” (3:41)
3. ”Love It or Leave It” (4:30)
4. ”Cyclamen” (4:02)
5. ”613″ (4:00)[1]
6. ”Thumbtacks in My Marrow” (3:27)
7. ”Conspiratory Visions of Gomorrah” (5:24)
8. ”A Gun & a Choice” (3:17)[2]
9. ”Turn” (4:05)
10. ”The Disciple” (4:49)
11. ”Is This It?” (3:40)

Sara Pérez (@Sarapl18).- Reportaje

Como todos los años, en cada categoría del mundial de motociclismo vemos los principales candidatos al título. Esta temporada había numerosos participantes pero el papel más importante recaía sobre el actual campeón del mundo de MotoGP, Jorge Lorenzo, y los subcampeones Pol Espargaró en Moto2 y Luis Salom en Moto3, ambos ganadores de la primera carrera de Catar. Pero si algo hay que destacar es la participación del resto de pilotos, de esos que han dado la sorpresa en los tres grandes premios que se han disputado, y como no, que intentan unirse a las peleas por subirse al podio.

Cal Crutchlow destaca entre los 4 fantásticos

El nombre de la opción al podio de MotoGP se llama, Crutchlow. El británico ha conseguido hacerse un hueco entre los mejores de la categoría reina, donde los 4 fantásticos, Lorenzo, Pedrosa, Rossi y Márquez, ocupan las primeras plazas pero donde el inglés ha aprendido a hacerse un hueco, muy merecido.

En la primera carrera de Catar, vimos que las cuatro primeras posiciones eran ocupadas por los pilotos de Yamaha y Honda, pero con todos sus intentos, vimos a Crutchlow intentando luchar en el cuerpo a cuerpo con Valentino Rossi e incluso intentado no alejarse del grupo de cabeza. Aun así, y con todos sus esfuerzos, la única posición que pudo conseguir con su Yamaha del Tech 3 fue una quinta posición.

En la segunda carrera, y en el recién estrenado GP de Austin, el británico logró colarse entre los 4 mejores, logrando una cuarta posición en carrera por delante de su anterior rival, el italiano Rossi que se quedaba en una retrasada 6ª posición. Una vez más, Crutchlow lograba sorprender y se declaraba como posible candidato al podio en el GP de Jerez. Pero en ese circuito, una vez más las condiciones y la moto le hicieron volver a las quinta plaza de final de carrera, cogiendo 11 puntos que sumar a su fantástico comienzo de temporada, pero del que esperamos ver en algún podio, si la moto y las mejoras de Yamaha le permiten colocarse donde se merece.

Nakagami, Torres, Schrotter… La categoría más igualada da numerosas sorpresas

El año empezó con Pol Espargaró en el papel de favorito, tras la temporada que disputamos con él y con Márquez en 2012, era lógico que todo el peso del título recayera en el subcampeón tras la marcha del campeón. Pero si hay algo que tiene Moto2 es la igualdad que hay entre los pilotos, y como aseguraba el ganador del GP de Austin, Nico Terol ‘en un segundo estamos 20 pilotos’ y así hemos podido ver en las tres pruebas que se han celebrado.

En la primera prueba en territorio qatarí nos sorprendió el japonés Takaaki Nakagami, que conseguía el tercer puesto del podio tras un fin de semana brillante donde demostraba ser unos de los posibles rivales para Polyccio en la pelea por el título. Y es que aunque en Austin tuvo que abandonar por fallos mecánicos, en Jerez volvía a la carga y nos daba un duelo apasionante por la tercera posición del podio contra el hermano pequeño de los Espargaró, que finalmente ganaría la batalla.

Otro piloto que ha dado la sorpresa ha sido Jordi Torres, el campeón de Moto2 del CEV disputa su primer año en el mundial de Moto2 de la mano del Aspar Team, y si algo le sobra a este piloto, es talento. Le ha costado alcanzar ese hueco que tiene en el box, pero no ha defraudado en su debut en el campeonato. En Catar terminó el 11º, en Austin el 14º y en Jerez subía hasta la 7ª posición ¿en qué posición terminará en LeMans? Lo cierto es que no le metemos presión, porque eso ya lo hace él mismo, pero si que los resultados irán mejorando, no descartamos un podio cercano.

Y por último, destacar la actuación de Marcel Schrotter, que con la moto del equipo de Desguaces La Torre ha estado en todas las carreras entre los 15 primeros, y teniendo en cuenta la inversión que reciben los equipos, ver ahí la Kalex del alemán hacen ver que este mundial no sólo se basa en dinero, sino también en el talento del piloto. Y eso a Schrotter le sobra.

El pequeño de los Márquez también destaca

Podría ser el nuevo rookie de 2013, aunque con sólo tres carreras disputadas es pronto para hablar de eso. Álex Márquez demostró en el circuito qatarí que ha venido al mundial a coger experiencia y si puede ganar, lo va a intentar hasta el final, algo típico de su hermano mayor. En ésta carrera terminó en cuarta posición, por detrás de Salom, Viñales y Rins, completando así en los cuatro primeros puestos posiciones españolas, algo que por lo que nos demostraron, veremos más veces a lo largo de la temporada.

Mala suerte tuvo en Austin, que antes de que se suspendiera la carrera, por el accidente de Iwema, iba en 5º lugar pero tras reanudar la carrera se tenía que retirar de la carrera por fallos mecánicos en su moto. Y en el último, en el circuito jerezano terminaba por el suelo en las primeras vueltas pero intentaba volver a pista para coger experiencia en carrera y terminaba en 23º posición. En LeMans, la nueva promesa del Estrella Galicia 0,0 dará que hablar si consigue sumarse una vez más a la lucha por las plazas de podio.

Otro piloto que consigue destacar con la Mahindra es Oliveira, aunque también su compañero Efrén Vázquez, ambos consiguiendo buenos resultados con ésta moto.

Veremos qué pasa el próximo gran premio de Francia del 17 al 19 de mayo con estas nuevas promesas y con nuevos pilotos que intentan hacerse un hueco entre los mejores. No será fácil con la rivalidad que hay, pero no descartamos un podio para los pilotos aquí mencionados.

Alberto Cañas de Pablos (@AlbertoCdP)

En las últimas décadas todos hemos oído hablar de guerras repartidas por todo el globo: Irak, República Democrática del Congo, Siria, Afganistán, Libia, o incluso Yugoslavia si vamos un poco más atrás en el tiempo… Sin embargo, en ellas no encontramos los tradicionales frentes, ofensivas y ocupaciones propias de las guerras del siglo XIX (protagonizadas por la Francia de Napoleón o la Prusia-Alemania de Bismarck, en según qué momento) o de la primera parte del XX (las dos Guerras Mundiales o la Guerra Civil Española). ¿Por qué? ¿Qué caracteriza a las nuevas guerras de nuestros días?

A estos interrogantes trata de responder Mary Kaldor en este libro, que ofrece una visión de los conflictos más contemporáneos. Se trata de guerras contextualizadas en la globalización en las que la violencia se ha privatizado y el Estado pierde su monopolio de la violencia legítima, frente a las viejas guerras estatales de las que hablaba Clausewitz hace dos siglos. Su difícil resolución se debe a una estrechez de miras de los dirigentes de los países desarrollados, que se basan en una visión tradicional. A esta visión clásica opone otra de carácter cosmopolita según la cual habría que prestar más atención a las características concretas de las poblaciones afectadas, y oponer políticas de ideas a las excluyentes políticas de identidades.

Como ejemplo, Kaldor toma la guerra de Yugoslavia y expone la multitud de faltas producidas por la perspectiva errónea de los gobernantes europeos y norteamericanos. Las nuevas guerras suponen un giro radical si se comparan con las guerras de los últimos siglos. Cualquier rasgo varía enormemente. Muchas de las cuestiones de la visión propuesta por Kaldor son comprobables. Ya no hay grandes batallas como en las dos Guerras Mundiales, sino guerras mucho más breves y centradas en la población civil. Las fuerzas que intervienen no son exclusivamente profesionales (niños-soldado). Incluso las etapas posteriores al conflicto cambian.
Las nuevas guerras no pueden concebirse territorialmente. Por ello, la pacificación es de gran dificultad. Kaldor afirma que en todas las épocas existe una relación compleja entre los procesos de la gobernanza (cómo se gestionan los asuntos humanos), la legitimidad (sobre la que reposa el poder de gobernar) y las formas de seguridad (cómo se controla la violencia organizada). Sin legitimidad no pueden aplicarse todos estos elementos. La autora se plantea cómo puede marginarse a las formas privatizadas de violencia dejando clara la existencia de dos tipos de ciencia política: la ciencia política tradicional (que aplica fórmulas inservibles) y la ciencia política crítica (que apuesta por la participación de la población).

La visión cosmopolita presta atención a los rasgos concretos de las colectividades perjudicadas por las guerras. Los expertos locales conocen mejor el “terreno” en todos los sentidos en el que debe moverse la intervención internacional.

A pesar de llevar ya unos años publicado, sus postulados pueden aplicarse, por ejemplo, a conflictos actuales como el de Siria. Así pues, se trata de una obra muy útil, tanto por los datos y ejemplos históricos que aporta como por la claridad de sus planteamientos, fácilmente aplicables a las guerras y conflictos que se viven en la actualidad. Kaldor trata tanto aspectos económicos como políticos de esos nuevos conflictos, con lo que la visión es más global. Asimismo, deja claro cuáles son los fundamentos básicos de la teoría cosmopolita, centrada en el respeto al derecho humanitario y los derechos humanos. Por otro lado, resulta de gran interés el conjunto de teorías de autores como Huntington, Falk o Kaplan, que sirven para conocer otros enfoques y visiones sobre la organización mundial y sobre los posibles modos de gobernanza aplicables al mundo actual en el que vivimos.

KALDOR, Mary. New and Old Wars. Organized Violence in a Global Era. Stanford University Press. Stanford. 2012. [La versión castellana más actual es: KALDOR, Mary. Las nuevas guerras. Violencia Organizada en una Era Global. Tusquets. Barcelona. 2001.]

Magaceda Serrano- Crítica

‘La función por hacer’ se despide de la capital madrileña en el Teatro Abadía, es la última oportunidad para poder disfrutar de una de las mejores obras que han pasado por el teatro español. Y no sólo lo digo yo, lo avalan los siete premios que recibió en 2011 en la XIV edición de los Premios Max y cualquiera que acuda a ver esta representación se dará cuenta de su gran nivel, entendiendo que no se haya dejado pasar por alto en el mundo de las artes escénicas.

La función comienza a oscuras y como telón de fondo se escuchan unos gemidos. Se trata de dos enamorados que nos hacen testigos de su pasión. Él es pintor y como tal, ha representado a su amada. Así, desde el primer momento las risas inundan a los espectadores y es que ante semejante retrato no cabe otra cosa que las carcajadas pero, tampoco, ante la simpatía de los personajes que nos hacen partícipes de su historia. De repente cuatro personas irrumpen en el teatro confundiendo al público pues parece que alguien ha llegado tarde a la función. Pero no, no son espectadores, son cuatro personajes que quieren unirse al espectáculo. La actriz, interpretada por Miriam Montilla y el actor, al que da vida Cristóbal Suárez, ven como su representación es interrumpida por cuatro personas que dicen ser personajes de verdad. Los actores no pueden dar crédito a lo que oyen y el espectador tampoco. Tal es la verosimilitud de la escena que parece de verdad que cuatro ‘chiflados’ se han colado en el Teatro Abadía esta tarde. Son cuatro personajes que fueron abandonados por su autor, olvidados en un cajón y que, ahora, se atreven a pisar un escenario, unos para escapar de su historia y otros para volver a vivirla y mostrársela a los demás. Quieren que sus vivencias no queden en el olvido como lo hacen las de aquellos autores que dejan a sus personajes desamparados en medio del camino.

Para los actores esto es una locura y es que ahora, ante sus ojos, se abre una nueva frontera: ¿es el actor el que encarna a un personaje o es al revés,  ¿es el personaje quien llena de vitalidad al actor?

El actor quiere que los personajes cuenten su historia y la actriz, aunque más reticente, finalmente también acabará cautivada por ella, pues estos personajes son como una avalancha que se lleva consigo todo lo que encuentra a su paso. Israel Ejaldre interpreta al hermano mayor, pura palabrería, un hombre que engancha a los actores y al público con su filosofía. Manuela Passo interpreta a su mujer que, perturbada por la muerte de su hijo y la infidelidad de su marido, es la angustia en persona.  Raúl Prieto es el hermano pequeño, un personaje que no quiere participar en la historia por lo que ha hecho, su nerviosismo, su furia y  su agresividad constante nos dejan patente que él no quiere volver a revivir lo sucedido. Y por último, nos encontramos con Teresa Hurtado de Ory que da vida a la mujer de éste pero, sin embargo, ella está locamente enamorada de su cuñado y su pasión es tan desbordante que sería capaz de dejarlo todo por él.

Una trama compleja que se presenta ante dos actores que ven ante ella una oportunidad para llevarla al escenario pero, juntos, comprueban que aunque lo hicieran no tendrían el mismo éxito y rotundidad que estos personajes pues ellos están más vivos que la propia vida.

El atrezo es casi inexistente, un pequeño banco y una silla les sirven a los actores para recrear sus escenas, pero no hace falta nada más. La cercanía con el espectador es constante, el escenario se sitúa a pocos pasos pero, además, los actores se van mezclando entre el público, buscándole con la mirada e, incluso, intentan entablar conversación con él.  Sin duda, la espontaneidad es la esencia de esta función que se aleja de escenas artificiosas. La iluminación es otro de los puntos fuertes, no hay para nada efectos sorprendentes, pero en todo momento sirve de señal para que el espectador encuentre al personaje al que está buscando.

El relato atrapa desde el primer instante al espectador que, ensimismado y fascinado, no puede dejar de prestar atención. La impaciencia por conocer qué es lo que atormenta a cada personaje, la risa constante que inunda al público y la idea de encontrarse ante una ilusión que tiene todas las cualidades para ser realidad, enganchan al público de tal manera que al acabar la función se han quedado con ganas de más. El tiempo pasa rápido en esta obra en la que los aplausos finales no se convierten en una torpeza para el espectador porque, sin duda, no quiere dejar de aplaudir.

Nos encontramos como una obra magistral dirigida por Miguel del Arco que, en compañía de Aitor Tejada, ha desmembrado ‘Seis personajes en busca de un autor’ del reconocido dramaturgo Luigi Pirandello y ha creado una versión que busca la sincronización con el espectador, convirtiéndole en un actor más de la representación, muestra de que la máxima “el teatro está más vivo que nunca” es más cierta aquí que en ninguna otra ocasión. Imprescindible para los amantes del teatro e imprescindible también para los que lo son menos porque ante una obra de tales características, tan sólo quedan ganas de acudir a ver otra función y si está por terminar mejor que mejor.

INFORMACIÓN DE LA OBRA

Teatro: Abadía

Dirección: c/de Fernández de los Ríos, 42

Fechas:del 16 de mayo al 9 de junio

Horarios:de martes a viernes a las 20:00h, sábado 18 de mayo a las 20:00h, sábados 1 y 8 de junio a las 19 y 22:00h y domingos a las 19:00h

Jesús Villaverde S. (@jesusvs_txetxu)- 21/05/2013

Si te mueves en el mundo del Arte, ya sea profunda o tangencialmente, probablemente su nombre te sea familiar. Miguel Ángel Hernández es autor de varios ensayos y libros sobre crítica de arte, entre los que se destacan Materializar el pasado. El artista como historiador (benjaminiano) o La so(m)bra de lo Real: el arte como vomitorio, entre otros. Además, es profesor de Historia del Arte en la Universidad de Murcia y publica de forma regular en revistas de arte, tanto nacionales como internaciones, así como en su reputado blog No(ha)lugar, desde 2006.

En cambio, para los que pertenezcan más al mundo literario, su nombre comienza a sonar muy fuerte justo ahora. Intento de escapada es su primera novela y en ella tampoco deja de lado el mundo del arte, que tan bien conoce. No obstante, podéis encontrar su narrativa también en los libros de relatos Cuaderno […] duelo e Infraleve: lo que queda en el espejo cuando dejas de mirarte, quizás uno de los títulos más poéticos que haya leído nunca.

En Intento de escapada, Miguel Ángel Hernández nos cuenta una historia, relacionada estrechamente con el arte, sobre los límites del ser humano y su condición dentro del mundo. Sin duda, una de las novelas españolas a tener en cuenta en este 2013.

¿Por qué te decidiste por una novela para contar algo relacionado con el mundo del Arte?

Quizá porque quería “contar” algo que no era totalmente verdad. La novela es el género que mejor permite contar cosas que podrían pasar pero que no han pasado, o que no lo han hecho tal y como se cuenta. Y sobre todo, la novela, a través de la historia que se cuenta, transmite una experiencia del mundo que quizá es más difícil de encontrar en otro tipo de género literario. De todos modos, si decidí escribir una novela fue también por un interés en lo narrativo que viene desde tiempo atrás, y que he ido desarrollando casi en paralelo a mis textos más académicos sobre arte.

¿Es más sencillo apoyarse en una historia que en un ensayo para hablar de algo?

Eso no lo tengo tan claro. Al final todo depende de lo que quiera hacer uno y de lo que pretenda transmitir en cada momento. En Intento de escapada yo intentaba sobre todo escribir una novela sobre el aprendizaje de un joven, sobre cómo afronta ciertos desafíos éticos y cómo progresivamente va tomando conciencia del mundo real. El arte es el vehículo que mueve esa transformación, pero la novela intenta ir más allá de las reflexiones sobre el arte para mostrar una experiencia. En ese sentido, en lugar de apoyarme en una historia para hablar de algo, quizá sea que me apoyo en ese algo –el arte– para contar una historia.

¿Es el Arte la manifestación que más polémica genera en torno a la sociedad actual?

Depende de lo que uno entienda por polémica. A mí me parece mucho más polémica la situación política y económica del mundo. Lo polémico y lo catastrófico es lo que vemos todos los días y ya ni siquiera consigue indignarnos, porque la indignación se ha generalizado tanto que casi se ha desactivado. En medio de todo lo que ocurre en nuestra sociedad contemporánea, el arte es algo anecdótico que, como mucho, cierra los telediarios junto a las noticias de nouvelle cousine, con suerte.

¿Tiene límites el Arte o se puede decir que “vale todo”?

Por supuesto, el arte tiene límites. Muchísimos. La idea del todo vale sólo se puede manejar si uno no conoce las reglas y protocolos del arte. En arte se pueden hacer muchas cosas, pero hay un sinfín de barreras infranqueables. Afortunadamente existen. Y el artista puede trabajar con ellas. Creer que se trata de un espacio de libertad absoluta es una ingenuidad. Si alguna lección nos enseñó el arte contemporáneo, sobre todo el arte conceptual, es que el espacio artístico no es neutro, ni inmaculado, sino que forma parte de las estructuras de poder. Está tan contaminado como el resto.

¿Qué objetivo dirías que tiene el Arte hoy en día? ¿Se podría equiparar al que puede conseguir la Literatura?

No puedo decir cuál es el objetivo del Arte, en general, porque hay de todo, pero sí del arte que me interesa. Y el objetivo de ese arte, para mí, es mostrar que las cosas no funcionan tal y como creemos; es despertarnos, hacernos conscientes de aquello que tenemos frente a nuestros y que no queremos –o no sabemos– ver. El objetivo del arte es hacer visible, hacer consciente. Y a partir de ahí, intentar movilizar, inquietar y transformar la sensibilidad. Ese puede ser también el objetivo de la literatura, de cierta literatura: hacernos mirar y sentir lo que habitualmente pasa desapercibido. Por supuesto, la literatura, como el arte, también puede pretender entretener, satisfacer ciertos deseos… y esto en sí no tiene por qué ser malo; si uno es consciente de lo que hace, claro.

En Intento de escapada, nos presentas a Jacobo Montes, un artista que recuerda vagamente a Santiago Sierra, ¿tiene influencias de él o de cualquier otro artista concreto?

Jacobo Montes realiza algunas obras que podría haberlas realizado Sierra. O al revés, Sierra hace obras que podría hacer Montes. Y también comparten una cierta visión del mundo y sobre todo algunas ideas sobre el arte. En ese sentido, Montes y Sierra tienen mucho en común. Pero Montes va más allá de Sierra en muchas de sus formulaciones. Se arriesga más, es más transgresor, y tiene obras muy buenas. Algún crítico ha llegado a decir que Montes es mejor artista que Sierra y que es una pena que no exista en el mundo real. Estaría bien que alguien hiciera sus obras.

¿Utilizar el Arte como denuncia puede llevar a situaciones tan “comprometidas” como las que vemos en la novela? ¿Existe algún caso cercano?

Las situaciones que vemos en la novela creo que pueden llegar a suceder en la realidad. De hecho, es posible que hayan tenido lugar situaciones mucho más duras y extremas que las que se muestran. Ciertas acciones de Sierra serían los mejores ejemplos. Pero también podríamos establecer una nómina de artistas y obras que han llevado el arte a ese límite. La única obra de Montes que no es de él, la del perro que muere de hambre –obra del costarricense Guillermo Vargas–, por ejemplo, pone todo al límite. O las obras de maltrato animal de Adel Abdessemel, o las obras con cadáveres de Teresa Margolles… La realidad supera a la ficción.

¿Sería posible conseguir algo parecido con la Literatura?

Creo que no exactamente. La potencia del arte plástico se encuentra en el trabajo con lo real, con la vida real. Se pueden conseguir cosas, pero no en el mismo sentido. No se trata del mismo régimen de experiencia. El texto sigue siendo texto. Aún así, yo confío mucho en las palabras. De hecho, es mi territorio. Si no confiase en la potencia de la literatura, dejaría de escribir. Pero también sé hasta dónde puede llegar. Lo que hace Montes es llevar la teoría a la práctica. Lo que hago yo en esta novela es tan sólo la teoría de algo cuya práctica es lo que me resulta incómodo.

Muchas de las obras que se citan en tu novela tratan de hacer cómplice al que la ve de una “verdad incómoda” para que reaccione. ¿Vivimos en una sociedad tan pasiva que es necesario que nos empujen de esa manera para reaccionar ante una injusticia?

Creo que es necesario ese traqueteo al espectador. Estamos todos dormidos, hipnotizados, y necesitamos un shock que altere nuestras conciencias. Ese shock, por supuesto, no siempre tiene que ser literal, no siempre se consigue a través de la provocación o de lo terrible, sino que puede ser más sutil, alterando de un modo diferente nuestras condiciones de percepción del mundo. Pero lo que está claro es que sin alteración sólo hay continuidad de la experiencia cotidiana. El arte debe ser una interrupción. Un frenazo, un choque, un accidente.

¿Estás de acuerdo con Helena cuando dice que “un artista puede ser un hijo de puta”?

Absolutamente. Que una cosa sea una buena obra de arte no quiere decir que sea una buena acción social. Ética y arte son cosas diferentes. Lo que ocurre es que también es cierto que el espectador debe saber que eso es así, y no creer que el espacio artístico es una especie de estado de excepción donde todo se anula. Uno puede admitir y valorar una cosa en tanto que arte, y repudiarla por las ideas que transmite o por lo que genera. No es incompatible. Aunque es cierto que para eso se necesita un espectador, o un lector, emancipado, activo y capaz de posicionarse frente a lo que ve o lee de modo crítico.

Jorge Andrés Concha Calle (@jgeandres)

Si algo faltaba para aniquilar la poca credibilidad y confianza que tiene el régimen Kirchnerista en la población argentina, es el haber sido denunciados, en esta ocasión, por retirar sistemáticamente dinero en bolsas, sumado a la aseveración de la existencia de una bóveda en su residencia de Santa Cruz, lugar donde se habría resguardado el dinero obtenido ilícitamente.

Definitivamente, y no es un secreto mal guardado, la gestión de gobierno de Cristina Fernández no atraviesa sus mejores momentos. Sumada a la alta y creciente tasa de inflación, el desbalance económico, la inseguridad social, la inestabilidad y descontento popular, se añaden nuevas denuncias de corrupción que involucrarían directa y específicamente a la mandataria y al ex mandatario, su esposo ya fallecido Néstor Kirchner.

El descontento se respira en Buenos Aires y demás ciudades del país. Un último sondeo realizado por la consultora Management & Fit realizado el 26 de abril pasado -días después de la divulgación de gruesas denuncias de corrupción por parte del periodista Jorge Lanata- expresa que el 59,6% del total de encuestados desaprueba y rechaza la administración de Cristina Fernández, cifras además muy contrarias a las obtenidas en octubre de 2011, fecha en la cual fue reelegida, contando con 64% de aprobación.

Y es que las acusaciones del reconocido periodista, crítico acérrimo de la gestión de Fernández de Kirchner, contribuyeron al incremento de rechazo hacia el gobierno. Lanata presentó en su muy sintonizado programa “Periodismo para todos” a Miriam Quiroga, quien se había desempeñado como directora de Comunicación presidencial entre los años 2003 y 2010 y sobre la cual corrían rumores de haber mantenido un supuesto “affaire” con el ex presidente Kirchner. Quiroga fue separada de sus funciones meses después del deceso del ex presidente; así, la mandataria decidió prescindir de ella y sus servicios en la Casa Rosada.

Según manifestó Quiroga, ella fue testigo de cómo bolsas con dinero desfilaban delante de ella por los pasillos de la Casa de Gobierno, las mismas que después eran transportadas a Santa Cruz, provincia donde se ubicaba la residencia del matrimonio Kirchner y donde Quiroga presume existían bóvedas construidas específicamente para resguardar ese dinero. “Cristina tenía conocimiento de todo” arguyó la ex encargada de Comunicación Presidencial.

Por su parte, el ex jefe de Gabinete entre los años 2003 y 2008, Alberto Fernández, mencionó no haber visto durante su estancia en la Casa Rosada tales bolsas de dinero; no obstante, no deslindó la posibilidad de que esto haya ocurrido en alguna de las otras salas de la sede presidencial.

Una investigación del diario El Clarín, detalló que la planta baja de la casa de la familia Kirchner en Santa Cruz cuenta con escasos ambientes, uno de los cuales con dos metros de ancho por un metro de profundidad y dos metros con cincuenta de altura sería el depósito del dinero ilícitamente obtenido y valiosos documentos de la administración Kirchner. Esta información ha sido confirmada, a su vez, por el programa periodístico de Lanata.

Afirmando estas declaraciones, el arquitecto de la casa de Santa Cruz de la pareja presidencial, Antonio Cañas, corroboró la existencia de ese ambiente, el cual habría sido construido, previa modificación del plano original, a solicitud del difunto presidente Kirchner para preservar documentos y objetos importantes.

Estas informaciones coinciden con lo pronunciado por el ex vicegobernador de Santa Cruz, Eduardo Arnold, quien aseveró haber conocido dicho ambiente. “Cada bóveda debe ser como una media habitación grande” enfatizó.