· Al llegar al Thyssen me propuse que cualquier exposición pudiera atraer a todo el mundo

· Este museo va a superar los años de crisis sin que se note en la actividad

· Una entrada de 10 euros solo cubre una mínima parte del gasto total de una exposición

Entrevista de Violeta Izquierdo (@artesigloxx)*- (07/05/2013) 

Ha sido un lujo que Guillermo Solana (Madrid, 1960), nos prestara su tiempo para esta entrevista. Con El Museo y su Director, queremos conocer cómo funcionan, las estrategias, los entresijos de estos templos de la cultura de masas. Os puedo asegurar que Solana ha respondido con sinceridad, sin cortapisas, su cordialidad, entrega y sencillez han traspasado todas mis expectativas, y estamos orgullosos de contar con sus reflexiones en torno al Museo Thyssen.

Estudió Filosofía y fue profesor de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Autónoma de Madrid. Se doctoró con una tesis sobre Van Gogh, y en 2004 comisariaba una de las grandes muestras dedicadas en España a la figura de Gauguin. Pocos meses después fue propuesto por el entonces conservador Jefe del Museo Thyssen, Tomás Llorens, para sucederle en el puesto. Desde entonces su presencia en el panorama cultural no ha hecho más que crecer, ganando por méritos propios y por obras, una merecida fama de brillante gestor cultural, situándole en el Olimpo de los grandes directores de museos.

Casi dos horas de entrevista, ya hubieran sido cumplida recompensa a nuestro interés, aún así nos obsequió con una visita guiada a las salas de la exposición Hiperrealismo 1967-2012, una muestra que propone por primera vez en España, un recorrido por la genealogía de este movimiento de origen americano y que podrá verse en el Museo Thyssen hasta el 9 de junio de 2013.  La cámara de Belén fue testigo de este paseo por las obras más significativas de la exposición.

Guillermo Solana llegó a la dirección del Museo Thyssen-Bornemisza en 2005, ¿Qué hace un recién nombrado director artístico cuando llega al cargo?

Enterarse de las cosas, durante el primer año de estar en una empresa, no se deben tomar decisiones que modifiquen el rumbo de nada, sino que lo que hay que hacer es enterarse de dónde está uno, de cómo funciona todo. Yo no tenía experiencia en la empresa porque siempre había trabajado en la universidad dando clase y es un trabajo muy individualista, trabajar en una empresa es muy distinto. Digamos que me estuve haciendo al sitio y ahora yo creo que el Thyssen ha cambiado mi manera de ver las cosas,  mi manera de trabajar depende mucho de los hábitos de esta casa que son muy distintos de otros museos nacionales.

¿Cuáles fueron sus planteamientos estratégicos a medio y largo plazo?

Cuando llegué aquí lo que me planteé fue intensificar la relación con el público. Había una buena relación ya, el museo tenía una media de 700.000 visitantes al año, mi predecesor Tomás Llorens alternaba las exposiciones exquisitas o minoritarias con exposiciones populares y lo que me propuse fue aspirar a que cualquier exposición pudiera atraer a todo el mundo. Ahora después de estos casi 8 años los visitantes han pasado de 700.000 a 1.250.000 y yo creo que tenemos fama de ser un sitio donde se hacen exposiciones para todo el mundo, lo que supone también el riesgo de que te llamen populista en comparación con otras instituciones, pero ese lado malo va aparejado con lo bueno, siempre tienes críticos….

¿Cómo está configurado el Patronato del Museo y cuál es su función? ¿Cómo se relaciona con el director?

Lo primero que hay que aclarar sobre este museo es que no es una fundación privada, ni propiedad de la familia Thyssen sino que es una fundación pública, cuya presidencia ocupa el Ministro de Cultura y está en su mayoría controlado por el gobierno.

En el  patronato hay doce miembros y tres sectores, cuatro miembros son del gobierno (ministro, subsecretario, secretario de estado y un representante de Hacienda), cuatro miembros independientes pero designados por el gobierno (entre los cuales puede haber expertos en arte, abogados, etc.), y cuatro puestos que corresponden a la familia Thyssen (2 para la baronesa Thyssen y 2 para los hijos del barón).

El patronato se reúne cada 3 meses, tiene las funciones de un Consejo de Administración y es benévolo con nosotros y no interviene en el día a día del museo, sino en las decisiones estratégicas, en el control de los presupuestos, de gasto, en la plantilla. En mi caso en los préstamos de obras de arte o la programación de exposiciones, pero el trabajo ejecutivo depende de los dos directores; el director gerente y el director artístico.

Nos interesa también conocer la estructura organizativa del museo, los profesionales que hacen que funcione de manera tan eficiente. ¿Con qué capital humano cuenta?

La  plantilla, tanto en lo artístico como en lo demás, es pequeña, poco más de un centenar de empleados. Del director gerente dependen los departamentos de administración, personal, seguridad, mantenimiento. Del director artístico dependen los departamentos de educación, de conservación, de restauración y de registro. El equipo artístico es muy reducido, dos conservadoras de pintura antigua y moderna y un pequeño grupo de ayudantes de conservación.

El funcionamiento es muy casual, no hay reuniones de comités, los cambios en el programa de exposiciones se hace con mucha facilidad, se improvisa dentro de un orden. La ventaja de contar con una plantilla reducida y con gran experiencia es la enorme agilidad, yo veo que en otros museos españoles de referencia probablemente son máquinas a las que les debe costar mucho maniobrar.

¿Cuál es su  modelo de financiación? ¿Cuenta con patrocinios?

Lo curioso es que teniendo una dependencia orgánica del Ministerio (el ministro es el presidente) sin embargo este museo ha sido gestionado desde el principio, como si fuera una fundación privada, disfruta de una considerable autonomía para decidir los capítulos presupuestarios y las fuentes  de financiación no dependen de los presupuestos del Estado, el museo tiente una tasa de autofinanciación muy brillante.

Cuando se fundó el museo, tanto el Estado como la familia Thyssen estaban interesados en que este no se convirtiera en una carga gravosa para los presupuestos del Estado y se le dio más autonomía de la que por entonces gozaban los museos públicos. El museo tuvo la capacidad de buscar patrocinios, organizó eventos corporativos desde el primer día (ahora lo hace todo el mundo), alquiló los espacios a empresas que querían hacer visitas privadas, ha habido una política de la tienda muy orientada comercialmente, de desarrollo de merchandising, se ha incluido al final de las exposiciones (que tampoco se hacía), debido a todo eso y al mayor éxito de taquilla de los exposiciones, el museo ha sido capaz de autofinanciarse a un nivel muy elevado.

Hasta el año pasado además hemos disfrutado durante diez años de una asociación con la Fundación Caja Madrid, que supuso un colchón excepcional para el museo, le dio mucha estabilidad y seguridad. Ahora eso se terminó, no porque ellos estuvieran descontentos ni nosotros, sino porque Caja Madrid dejo de ser viable, fue rescatada por el gobierno, pero nosotros hemos sobrevivido a eso, incluso si ahora no existe tanta posibilidad de conseguir patrocinio hemos llegado a acuerdos con grandes entidades como BBVA para el desarrollo de las Apps y se ha firmado un acuerdo con MasterCard para que patrocinen los lunes gratuitos a la entrada a la colección permanente. Con todo y con eso ninguna de nuestras exposiciones previstas tiene patrocinador por corporaciones españolas, la exposición American Impresionism viene con un patrocinio de una fundación norteamericana, la Fundación Terra para la promoción del arte americano. No obstante, este museo va a superar los años de crisis sin que se note en la actividad.

¿Dispone el museo de recursos presupuestarios para completar la colección con la compra de más obra?

No está vetado por los estatutos, pero nunca ha existido un presupuesto específico para compra de obra, y cuando el Estado ha aceptado adquirir alguna (2 o 3 casos), ni siquiera esas obras han sido asignadas a la colección Thyssen, por ejemplo un Perschtein depositado aquí pero asignado a las colecciones del Reina Sofía.

Entre otras cosas porque la colección se compró como una colección cerrada, que no debía desdibujar su carácter original, además la compra de obra es un capítulo presupuestario extremadamente caro, hay que dedicarle muchos fondos para que sea significativa, no vamos a comprar bagatelas, tendríamos que estar comprando Monets y eso solo se lo pueden permitir museos de Texas.

Si esto fuera posible ¿qué artistas o movimientos cree que podrían ser susceptibles de ser incorporados a los fondos existentes?

Hay muchas piezas que podrían completar un conjunto, una tabla tardomedieval alemana que es parte de un conjunto de un políptico al que pertenece una tabla que ya tenemos; un retrato moderno de Kokoschka, pero probablemente, si yo pudiera comprar y no pensando en una pieza concreta, sino en zonas, reforzaría la colección impresionista, porque siendo uno de los focos de  atracción de este museo, no es muy numerosa en cuadros, son dos salas no muy grandes de la colección permanente y en cuanto prestamos alguna obra se resienten las salas, entonces compraría impresionistas. Tenemos la ventaja de tener los cuadros de la baronesa que están en depósito aquí.

Hablando de la Colección Carmen Thyssen ¿podría explicarnos como está formada y qué acuerdos existen con el museo?

La colección Carmen Thyssen, que ha estado vinculada a la del barón está formada por pintura española del XIX y XX, hay pintura catalana del XIX y XX, tiene una parte de pintura andaluza (en el Carmen Thyssen de Málaga) y pintura internacional (250 cuadros) que están depositados en el museo Thyssen. Hubo unos acuerdos anteriores para que la colección se expusiera aquí, y cuando el acuerdo termina se renueva anualmente. El depósito es gratuito, el Estado no le paga a Tita nada por ello, evidentemente sí se ocupa de su mantenimiento, del seguro, del cuidado, pero también nos beneficiamos, prestamos a otros museos, o incluimos esos cuadros en nuestras exposiciones, por ejemplo en la expo actual del Impresionismo al aire libre cuanta con casi 15 cuadros de la baronesa.

La colección de Tita es la perfecta continuación de la colección del barón y es un complemento fantástico de la permanente del museo y lo que nosotros esperamos es que algún día se pueda llegar a un acuerdo permanente por el cual  la colección se incorpore como parte del museo y no esté en riesgo de irse o de venderse algún cuadro como sucedió con el Constable.

Algunas de las grandes exposiciones del museo han sido comisariadas por usted ¿Cómo se  gesta una gran exposición en el Museo Thyssen, cuánto tiempo de preparación conlleva, qué presupuesto necesita?

Mi predecesor comisariaba prácticamente todo, yo lo suelo hacer una vez al año y reparto mucho trabajo entre todo el equipo, dejando autonomía a los conservadores para que planteen sus proyectos. También trabajamos con comisarios externos, pero es menos frecuente.

El procedimiento habitual es generar un proyecto artístico desde dentro, casi siempre de nuestra propia producción, una vez embarcados se empieza a mirar en serio el presupuesto, con control presupuestario, para que no descarrille en una catástrofe económica. Cuando trabajábamos con Caja Madrid eran exposiciones más grandes (150 a 170 piezas) nos costaban en torno a 1 millón de euros, ahora que las hacemos solo en nuestra sede, con la situación de crisis, ajuste del gasto, tendemos a gastar unos 750.000 euros en las más ambiciosas y en las más baratas en un margen entre 90-170.00 euros.

Las exposiciones son cada vez más caras y más complicadas, no todas son un negocio redondo, unas funcionan bien y otras no funcionan nada. Una de las cosas que yo pienso siempre, es que quizás el público subestima el coste, una entrada de 10 euros solo cubre una mínima parte del gasto total.

¿Debe tener en cuenta entonces,  un director de museo criterios de rentabilidad económica o en número de visitantes a la hora de su programación artística?

Absolutamente, es inevitable y cada vez más. Yo siempre he pensado en el éxito de visitantes, incluso cuando no lo necesitábamos desde el punto de vista económico, porque para mí una medida obvia del éxito de un museo es si a la gente le interesa ir, luego hay otras razones de prestigio, de si has hecho un trabajo exquisito, pero una medida básica es sí la gente viene, si la gente habla, si salen en los medios, aunque te sobre el dinero eso te interesa.

Desde que la crisis asomo las orejas, la preocupación por incrementar los visitantes se incrementa, y el público es más remiso a pagar una entrada por ver una exposición. Me compensa más hacer proyectos mayoritarios. Al llevar la cultura a todo el mundo, tienes una cierta seguridad de que va a despertar el interés del público.

¿Cuántos visitantes pasan anualmente por el museo? ¿Cuál es el perfil de este visitante? ¿Es mayoritariamente local, nacional, internacional?

En 2012 se consiguió un récord absoluto en la historia del museo con 1.250.000 personas, coincidiendo con  el 20 aniversario, debido fundamentalmente al éxito de las exposiciones temporales. La visita a la colección permanente ha sufrido un ligero declive, un proceso habitual en los museos que se tiene que compensar con iniciativas como los lunes de Master Card que permite entrar a la gente gratis.

Los visitantes se reparten al 50 por ciento entre nacionales y extranjeros, aunque hay una cierta variación estacional, en el verano son más los extranjeros. El perfil del visitante varía mucho con las exposiciones, hay un núcleo que viene siempre a todo, predominan las mujeres de mediana edad y además con un tipo de visita muy social, en grupo, organizadas con sus propios monitores que están muy presentes en los Amigos del Museo.

Con las exposiciones también varía el perfil del público, por ejemplo, Impresionismo y Aire Libre tiene una media de edad mayor que Hiperrealismo, que es más de jóvenes, que se concentra en los  fines de semana y los festivos. Hiperrealismo tiene record los fines de semana, mientras que las exposiciones más clásicas tienen mayor afluencia entre semana.

Además de la excelente colección y las periódicas exposiciones temporales ¿Qué otras actividades plantea el museo para relacionarse con la sociedad?

Los departamentos de educación y comunicación despliegan una actividad que casi no te puedo resumir: talleres con colegios, con las familias, con personas mayores, visitas con personas en riesgo de exclusión. Tenemos convenios con universidades de Madrid, se hacen ciclos de conferencias con créditos convalidados, recibimos en prácticas alumnos de esas universidades, hay profesores que dan conferencias.

Desde el departamento de promoción y los Amigos del Museo se organizan visitas temáticas, actos con conferenciantes, todo esto está muy bien reflejado en la web, tanto Museo Thyssen como Educathyssen.

Las redes sociales, han acercado al público a los gestores culturales. ¿Cómo hace uso el Museo y su director de estas nuevas posibilidades de comunicación?

En el museo se tuvo conciencia de la necesidad de estar en las redes sociales hace 4 años, se ha prestado atención a Facebook, Twitter, hay personas en el departamento de comunicación que se dedican a eso en el museo. Se han utilizado para promover nuestras actividades y también para responder al público, como tiene que ser. En Twitter hay unos 40.000 seguidores, cifra modesta en comparación con el Prado o el Reina, pero hay que tener en cuenta que estos museos son instituciones muy atractivas en todo el mundo, pero va aumentando.

Aparte de la atención oficial, hay muchas personas del museo que tienen actividad en Twitter, que contribuyen mucho a la imagen del museo, son gente preparada con la carrera de historia del arte, idiomas y curiosamente están cumpliendo por su cuenta y sin cobrar ese trabajo una función como de  apoyo informal y hace muchísimo por la difusión del museo en las redes sociales.

 ¿Cómo se relaciona el Museo Thyssen con sus vecinos el Museo del Prado y el Museo Reina Sofía?

La relación es de mucha cooperación y fluidez, recibimos préstamos de ellos y les prestamos obras. Ese es el intercambio fundamental, prestamos y nos prestan obras que no se haría con otros museos, estamos muy cerca y todos dependemos del Ministerio de Cultura.

Por lo demás en la programación no estamos coordinados, somos independientes, cada museo tiene su rumbo, su política, su manera de promover sus colecciones y no necesariamente están coordinadas.

La importancia del Museo Thyssen en el ámbito nacional  es incuestionable. ¿Qué reconocimiento cree que merece a nivel internacional?

La ventaja del museo Thyssen a nivel internacional es que no ha tenido que conquistar una reputación porque primero la colección Thyssen como colección privada era conocida desde hace tiempo a nivel internacional, y  segundo la colección de pintura antigua que se exponía en Lugano ya era conocida por los expertos, directores, curators y conservadores.

Lo que hemos tenido que hacer es construir sobre eso, y hemos aportado que estamos en una ciudad que es muy atractiva por otras razones,  por ejemplo la cercanía del Museo del Prado, el Reina Sofía, el encanto turístico de España y eso ha reforzado la visibilidad del Museo Thyssen. Hemos aportado la política de exposiciones, que sirve para interesar a tus colegas de otros museos, que saben apreciar lo que es difícil, lo que es una hazaña o lo que es una exposición cocinada deprisa o corriendo.

¿Cuáles han sido, a su juicio, los grandes éxitos del Museo Thyssen en los ocho años que lleva al frente de la dirección del mismo?

Los grandes éxitos de público están cuantificados: Edward Hopper, Antonio Lopez, Gauguin, Van Gogh, Matisse, lo que uno se imaginaria que van a ser los grandes récords.

De los proyectos que he comisariado, de los que tengo mejor recuerdo y estoy más contento, por el compromiso, recuerdo con mucho cariño la exposición de Antonio López (2011), mano a mano con el artista, una oportunidad única, costó bastante convencerle.

Van Gogh: los últimos paisajes (2006), una exposición muy pequeña, en la que conseguimos préstamos casi imposibles, excepcionales. Lo que hice en el catálogo es de lo más importante que he hecho como investigador.

Dos proyectos muy personales Lágrimas de Eros (2009), Heroínas (2011)  proyectos más libres, donde mezclas arte antiguo y  moderno, son más atractivas de hacer pero a veces tienen menos éxito de público.

¿Qué nos depara la programación expositiva en lo que queda de  2013? ¿Y para el próximo año, alguna sorpresa?

Este año solo nos queda Pissarro durante el verano, la primera retrospectiva en España y en otoño, una gran exposición sobre El Surrealismo y el sueño, en la estela de la de Dalí, aunque no han sido coordinadas en absoluto. Supongo que no está mal, si la gente ha visto Dalí, después puedan interesarse por otros nombres de otros países, pintura, fotografías, escultura, objetos, cine, un proyecto bastante ambicioso.

El año que viene tenemos un programa con nombres importantes: Cézanne, Regoyos, Pop Art en el verano, y terminaremos con Impresionismo Americano   un diálogo con la colección Terra de Chicago, una expo itinerante que irá a Edimburgo.

Para acabar el año en las salas principales tendremos a Kandinsky haciéndolo dialogar con colegas de su época, los mundos de Kandinsky.

Para terminar, permítanos acercarnos a sus gustos culturales en cinco preguntas:

¿Qué música escucha?, Clásica, Radiohead

Recomiéndenos un libro: La noche del oráculo de Paul Auster

Una película inolvidable: El gran salto de los hermanos Coen

Un artista en la historia del arte: Van Gogh

Su obra favorita del Museo Thyssen-Bornemisza: Joven Caballero en un paisaje (1510) de Vittore Carpaccio

**** Violeta Izquierdo es Profesora Titular de Arte Contemporáneo de la Universidad Complutense de Madrid, Doctora por la Universidad Autónoma de Madrid y Comisaria de Exposiciones en España y Francia

Isabel Álvarez Barrio (ialvarez111)-Análisis y opinión

En pocos días comienza la Semana Santa y nuestras calles se llenarán de procesiones que celebran la fe católica. Pero, ¿hasta qué punto esta muestra de religiosidad es compatible con el cuidado de nuestro patrimonio?

Textiles que se dañan por la luz o la lluvia, bamboleos infinitos a los que se someten las tallas policromadas. Restauradores amateurs que como la voluntariosa Cecilia de Borja, se acercan a las tallas con limpiacristales de un ph nada favorable para la policromía de una escultura barroca… estos son algunos de los principales peligros a los que se enfrenta nuestro patrimonio durante la Pascua.

Es necesario cuanto menos reflexionar sobre lo que suponen todos estos ritos para bienes culturales de gran valor artístico. Repasamos algunos ejemplos que pondrán los pelos de punta a más de un conservador.

Cristo del Santo Sepulcro en Logroño (La Rioja)

Cada Miércoles Santo en la Catedral de La Redonda, voluntariosas señoras se disponen a limpiar la imagen del Cristo del Santo Sepulcro y así prepararlo para la procesión. Como nadie les ha explicado el riesgo de deterioro que tiene esta escultura barroca, las mujeres llevan “lo que pillan por casa” por lo que no nos extrañaría ver a cualquier abuelita riojana pasándole un trapo con Pronto al sufrido Cristo. Posteriormente acercan todo tipo de objetos por la talla para que los bendiga, repito CUALQUIER TIPO de objeto. Como colofón final, lo perfuman.

Vía Crucis en las JMJ 2011.

Muchos se quejaron de la rebaja en el transporte público para los participantes de estas jornadas, otros de la masificación que sufrió la ciudad, pero pocos se dieron cuenta de que lo mejor de nuestra imaginería religiosa se estaba cociendo a 40 grados en La Castellana. Fueron traídas piezas desde Zamora o Murcia para que el Santo Padre realizara una procesión durante las Jornadas Mundiales de la Juventud entre ellas. Estas tallas pasaron horas en peanas de la concurrida arteria madrileña no solo sufriendo calor, sino también expuestas a la polución y a una anunciada tormenta que los organizadores pretendían paliar con unos irrisorios tejadillos que construyeron para las esculturas.

Salto de la reja en la aldea del Rocío (Andalucía).

Esta tradición tan televisiva consiste en asaltar literalmente la ermita del Rocío para que aldeanos en general y devotos en particular se hagan con la talla de la “Blanca Paloma” y la bamboleen hasta la saciedad, palio incluido. Sobra decir que durante esos minutos que dura la procesión, la escultura sufre cuantiosos daños y debe ser sometida a análisis de restauradores expertos tras cada fervoroso evento religioso de estas características.

Celebraciones religiosas en Gozo (Malta)

Como no solo hay que tirar piedras contra nuestro tejado, encontramos otros países donde los ritos religiosos vuelven a poner en riesgo el patrimonio material. En concreto, en la isla de Gozo en el archipiélago maltés, no hay celebración que se precie donde no saquen sus ejemplares de imaginería religiosa a las calles.

En lugar de procesionarlos, los depositan en peanas en la vía pública y allí los dejan el tiempo que duren los festejos. Pese a que los malteses tienen en gran estima estos bienes y apenas hay registradas muestras de vandalismo, someter a estas tallas a la dureza de la intemperie no puede ser nada positivo. Además no olvidemos la afición de los habitantes de estas islas por la pirotecnia, lo que aumenta considerable el riesgo para las piezas.

Pero, ¿cómo compatibilizar tradición y conservación?

Muchos expertos abogan por el facsímil (o copia), pero otros sostienen que muchas obras de arte nacieron gracias a estas costumbres que hoy las deterioran y que deben continuarse. Otros se contentan con que al darles un uso a las piezas, por lo menos se mantienen a salvo del polvo, una de las principales causas de deterioro de la escultura policromada.

Una de las posibles soluciones puede estar en musealizar la Semana Santa, como ocurre en muchas localidades. De esa forma se resalta el valor artístico de las piezas como bien histórico, ya que la toma de conciencia de su valor es el primer paso para su conservación. En todo caso, si hemos de quedarnos con un mensaje positivo, tras las muchas procesiones y ritos pascuales, no faltará trabajo al restaurador patrio, algo que en estos días no es nada desdeñable.

Patricia Muñoz-Crónica

Virxilio nunca hubiese imaginado que sus fotografías iban a estar expuestas en pleno centro de la capital como ejemplo de fotografía y documento de la Galicia de los 50, 60 y 70.

Y es precisamente lo que ha ocurrido en pleno mes de marzo, 50 años después de que se hicieran esas fotografías.

Virxilio Vieitez fue un fotógrafo sin ánimo de pasar a la historia. Su trabajo consistía en inmortalizar los momentos más importantes de aquellos que le encargaban que lo hiciera. Nada de fotografiar por afición. Virxilio se dedicó a la fotografía para tener un sueldo con el que salir adelante. Nada de romanticismos.

Documentó por encargo los acontecimientos más importantes de sus clientes, de aquellos que se lo pedían y pagaban por ello: retratos de niños vestidos de domingo luciendo juguetes, ancianos y ancianas cuyas caras reflejan el paso de una vida dura, bodas, reuniones familiares, comuniones, postales para enviar por correo a los familiares que estaban trabajando en el extranjero… todo un registro de la vida cotidiana de la Galicia de los 50, 60 y 70.

Junto con todos esos encargos, Vieitez recorrió los pueblos de Galicia para realizar las fotografías del DNI obligatorias ya en esos días. Fotografías que a pesar de ser para el DNI han quedado impregnadas del estilo de Vieitez y son totalmente inconfundibles.

Miradas intensas que fijan sus ojos en el objetivo, posado frontal, visión desde la cadera, un enfoque bajo y dejando “fuera de campo” tanto o más como lo que queda dentro de campo. Aire que rodea a los retratados para después cortarlo y dejarlo al tamaño reglamentario. Vieitez no desperdiciaba un disparo. La foto que él sacaba, era la que él quería y él buscaba. Nada de repeticiones, su intuición siempre ganaba. Preparaba con minuciosidad su escena y disparaba sin dudar.

Detalles que hacen de su fotografía algo único y de lo que Keta VIeitez, su hija, quería que fuésemos testigos. Por eso, ha recogido entre todo su archivo, junto con Espacio Fundación Telefónica, 250 fotografías en blanco y negro, algunas en color y vintage, para su exposición en la Calle Fuencarral 3, edificio Telefónica, hasta el 19 de Mayo de 2013.

Una exposición que más que belleza, técnica u originalidad fotográfica, supone un material documental sobre la sociedad de aquellos tiempos, una retrospectiva y testimonio social y etnográfico de Terra de Montes y sus alrededores.

Una exposición que no nos podemos perder, que nos trasladará a la Galicia natal del fotógrafo y a los momentos más importantes de los fotografiados y clientes de Vieitez.

FICHA TÉCNICA

Qué: Retrospectiva Virxilio Vieitez

Dónde: Espacio Fundación Telefónica, Fuencarral 3, Madrid.

Hasta cuándo: hasta el 19 de mayo de 2013.

Horario: De Martes a Domingo de 10:00 a 20:00 h.

Precio: Entrada Gratuita.

S.Rosales-Entrevista (07/03/2013)

El cielo gris, la lluvia intermitente de la isla canaria y el viento nos llevó a resguardarnos en un pequeño café en la zona de Guanarteme, en la capital de Gran Canaria. Rubén Grimón pide dos cañas y se muestra muy atento a la entrevista que va a comenzar.
Moreno, alto, luce una barba sencilla y una bonita sonrisa. Nacido en Las Palmas de Gran Canaria el 31 de diciembre de 1979, realiza sus estudios sobre fotografía en Barcelona y dirige la mayor parte de su trayectoria profesional en su isla; Gran Canaria,  de la que presume orgulloso allá donde él y su cámara van.

¿Cuándo y por qué empezaste a interesarte por la fotografía?

En realidad comencé muy motivado con el vídeo en un primer momento. Con diecisiete años saqué todos mis ahorros del banco, que serían unas 75.000 pesetas, y me compré una  cámara de vídeo. Me fui con mis amigos a La Graciosa a grabarles en el agua mientras cogían olas.  El problema con el que me encontré era que el vídeo era horrible para trabajar con él, no es como ahora que está todo digitalizado y con un móvil puedes grabar imágenes increíbles…

Descubrí que la fotografía era muy parecida y mucho más sencilla en todos los sentidos. Nunca olvidaré mi primera cámara, una Nikon FM2 manual.

Has fotografiado prácticamente de todo, ¿cómo defines tu estilo? También tenemos entendido que te has dedicado a la fotografía de surfing y de bodyboard, ¿ nos puedes contar algo?

No sé qué decirte, yo creo que me defino como algo así como un fotógrafo social. Lo que más me gusta fotografiar es a la gente por la calle, el entorno, los paisajes. Y hacerlo todo en distintos lugares para captarlo desde distintas perspectivas, distintas culturas, diferentes colores…

Yo tengo mi propia visión de las fotos de surfing y de body. El fotógrafo está fotografiando una persona que coge una ola. Yo le doy más importancia al entorno en el que la persona coge la ola, lo que le rodea y cómo eso puede afectarle en el momento de remar. Para ello tienes que conocer el sitio, relacionarte con la gente, impregnarte del ambiente y conseguir plasmarlo en imagen. No es solo la ola, o solo el surfero, es el conjunto y la mezcla de todo lo que hace una buena imagen de surf.

Actualmente, ¿qué tipo de fotografías realizas?

La industria del surfing y del bodyboard se ha venido abajo, ya no es un negocio rentable para el que trabaje en ella. Ahora mismo estoy publicando fotografías sobre mis viajes, en revistas  como Traveller y Geo. No tengo un contrato firmado con ninguna de las dos revistas, esto de la fotografía no funciona así, yo les ofrezco un reportaje fotográfico y ellos deciden.

De todos los sitios a los que has viajado,  ¿cuál ha sido el más o los más apasionantes que has fotografiado?

Te diría dos. El primero Sudáfrica, toda la costa este, es un país increíble en el que destacan los paisajes, la luz…  La gente es muy amable, nos trataron muy bien. Lo salvaje fue como un viaje a una película.  Y Nueva Zelanda es indescriptible,  hay que ir hasta allí para creer lo que ves.  He fotografiado lugares maravillosos como Hawaii, Islas Reunión, California, Tahití…. Pero me quedo con Sudáfrica y Nueva Zelanda.

¿Has realizado recientemente exposiciones? Háblanos de alguna de ellas

He hecho bastantes, pero no puedo recordarlas todas. La última fue en el Ateneo de Vecindario, al sureste de Gran Canaria, fue una exposición colectiva,  con otros cinco fotógrafos.  La exposición se titulaba ‘En cuerpo y Alma’. La muestra se basaba en las preguntas que el hombre formula en busca de razones para la vida y la existencia.

Todas mis exposiciones las he realizado en Gran Canaria y en Lanzarote. La exposición de Lanzarote la denominé ROCA y se componía de cinco fotografías de un chico y una chica desnudos. Los cuerpos desnudos se iban uniendo con las piedras, se fundían en ellas.

Si pudieras elegir un momento del día, un tipo de luz, ¿cuál sería?

El atardecer y en invierno. Cuando las sombras son más rasantes, sin nubes en el cielo. Sobre todo en invierno las sombras son mucho más alargadas, dándole volumen a las fotos, y la luz al ser suave no quemas las pieles. Yo creo que es el mejor momento del día para sacar fotos.

El mundo de la fotografía es bastante complicado, ¿qué consejo darías a los fotógrafos amateur? ¿Aconsejas crear un blog y empezar a mostrar su obra de forma gratuita?

Muchísima paciencia, porque esto no es llegar y tocar el cielo. Yo tardé tres años en tener realmente trabajo, y me lo curraba igualmente muchísimo. También es importante respetar las normas del gremio, entre fotógrafos tenemos que respetarnos. Ahora con la crisis la gente está tirando los precios por los suelos. He visto hacer trabajos por 30€, y así es imposible sobrevivir. Un consejo fundamental es paciencia, y respeto por la gente que ya se ha introducido.

Hay que ceñirse a las normas que tenemos…

Los blogs son una manera de ver tu progreso como fotógrafo. Mi blog, www.grimon.com,  lo comencé en febrero de 2009 y yo veo la diferencia. Quizás antes era más agresivo al retocar las fotos, veo mi progreso como profesional, y eso es muy importante.

¿Podrías decirme algún fotógrafo o fotógrafa que admires como profesional, que te guste? ¿Alguna mujer?

Nunca he sido un verdadero admirador, pero me puede gustar mucho el trabajo de alguien. Trent Mitchel, si quieres que te diga alguno, australiano, es realmente bueno, hace fotografías de todo, es un profesional muy completo.

Hay muy pocas mujeres en este mundo, pero hay una chica que me gusta mucho, se llama Annie Leibovitz . Es retratista y una máquina de la fotografía.

Según tu experiencia, ¿cuáles son tus mejores fotos?

Las que comunican algo al espectador, no me cabe duda. Cuando alguien mira la foto y se para porque realmente ve algo más a parte de un paisaje o un desnudo. Significa que la imagen es capaz de hablarte y contarte algo.

No podría decirte una sola. Las fotos que hice cuando di la vuelta al mundo supongo que son las más especiales, las que siempre guardaré en la memoria porque viví experiencias inolvidables e irrepetibles. No me quedaría con ninguna foto específica sino con el hecho de haber estado haciendo fotos durante seis meses alrededor del mundo a lugares tan distintos y tan mágicos.

¿Qué opinas de la nueva red social Instagram?

Es una red social muy interesante, simplemente porque no tienes que estar leyendo los egocentrismos de cada persona, son solo imágenes y más imágenes. El único problema que le veo es que en algunas personas, ciertos conocidos que tengo, les crea un instinto de fotógrafo profesional, de repente les crece el ego porque descubren que sus fotos tienen repercusión entre sus amigos o seguidores de instagram.

Actualmente, ¿hacia dónde camina tu fotografía?

En primer lugar el retrato, la madre de la fotografía en mi opinión. Y el otro punto por el que estoy caminando con bastante demanda laboral es la temática de las bodas. Quizás es un momento un poco ñoño, extraño para quien no sepa apreciar lo que significa ese día tan importante. Pero es uno de los mejores momentos en el que puedes retratar a una familia y sus emociones. Las bodas son un evento social muy interesante. Son muchas sensaciones concentradas en un mismo lugar, lo que conlleva muchísimas expresiones corporales y faciales.

La fiesta, cuando la novia se prepara, van llegando las amigas… yo estoy ahí desde el minuto uno, fotografío el ambiente, los nervios de antes de la boda, luego está el flash por ahí también cuando la gente empieza a emborracharse…

¿Con  qué isla del archipiélago canario te quedas para fotografiar y por qué?

Sin dudarlo, me quedo con la Graciosa porque me parece un sitio espectacular. Fue el sitio donde hice mis primeras fotos. Es un sitio tranquilo donde puedes caminar durante horas sin encontrarte a nadie, y te sientes libre porque estás tu cámara y tú. Los paisajes son indescriptibles, preciosos. Llevo yendo más de 10 años seguidos.

¿De esa isla, con qué foto harías un mural?

Con una foto de Montaña Amarilla, es una montaña que se partió por la mitad formando una bahía con una playa, el interior de la montaña no es negra sino es amarilla.

Ana Caaveiro-Crónica

La exposición “Impresionistas y postimpresionistas” llega a la Fundación Mapfre como continuación a la realizada en el pasado año 2010, centrada en el nacimiento del movimiento impresionista. Esta nueva muestra que abre sus puertas hasta el 5 de mayo, enseña lo que ocurrió después de esa gran revolución, cuando se asimilan las aportaciones plásticas del impresionismo y se desarrollan, a través de los diferentes lenguajes pictóricos, los postimpresionistas que abrirán camino hacia las vanguardias del siglo XX.

A través de unas 78 obras maestras del Musée d’Orsay se puede contemplar cómo se rompe con la concepción tradicional de la pintura. La exposición se encuentra dividida en siete partes: La crisis del impresionismo, El neoimpresionismo, Cézanne y su influencia, Toulouse-Lautrec y Montmartre, Van Gogh, Gauguin y Pont-Avent y Nabis.

El espectador comienza su recorrido con las primeras series de Monet, entre las que se encuentra Estanque de nenúfares, armonía verde, una de sus obras maestras. De forma paralela, aparece Renoir con unos desnudos al aire libre que revelan las ambiciones estéticas depositadas por su autor.

El panorama cambia de forma radical con la aparición del puntillismo en el neoimpresionismo, un nuevo tipo de pintura en el que los colores puros se yuxtaponen a través de pequeños puntos, de forma que la mezcla de colores se produce de forma óptica. Seurat, Signac y Henri Cross se presentan como abanderados de esta revolución.

Como nexo de unión entre impresionismo y postimpresionismo aparece Cézanne. Su Bodegón con cebollas o La señora Cézanne insisten en el papel que desempeñan los diferentes aspectos de la composición, de manera que inicia el camino hacia el cubismo: se convierte en el padre de las primeras vanguardias.

Toulouse-Lautrec se encuentra apartado del resto en una sala contigua. Sus pinturas retratan los pintorescos personajes que merodeaban Montmartre, entre las cuales sobresalen los retratos de las grandes divas del Moulin Rouge.

Los autorretratos de Van Gogh o el encuentro de Gauguin con lo salvaje y lo primitivo de Bretaña son otros de los puntos más llamativos de la exposición.

La presentación de la obra El talismán es punto de partida para la presentación de los nabis. Dicha obra será la que plantee abiertamente lo que será la pintura del siglo XX, desarrollada por artistas de personalidad muy diferente (Bonnard, Roussel…). Los trabajos decorativos de Vuillard en los Jardines públicos son los encargados de poner el punto y final a este encuentro con el impresionismo que se da cita en la Fundación Mapfre.

FICHA TÉCNICA

Qué: Impresionistas y postimpresionistas. El nacimiento del arte moderno. Obras maestras del Musée d’Orsay

Dónde: Fundación Mapfre. Paseo de Recoletos, 23

Hasta cuándo: Hasta el 5 de mayo de 2013

Horario: Lunes, de 14 a 20 h. De martes a sábados, de 10 a 20 h. Domingos y festivos, de 11 a 19 h.

Precio: Entrada Gratuita.

Patricia Muñoz-Crónica y fotos

ARCO ha acogido durante los cinco días de su 32º edición a un invitado especial. Una nueva parada obligatoria en el arte contemporáneo: Turquía.

El comisario VasifKortum fue el encargado de seleccionar las 10 galerías turcas que hemos podido ver en el programa “Focus Turquía”.  Vasif, además de comisario y escritor, dirige una institución artística a la que decidió llamar SALT, que puede traducirse al español como “sencillez”. A través de ella y de su gestión de la Bienal de Estambul, este comisario ha conseguido mostrar al mundo el auge y la riqueza del arte turco.

Las 10 galerías elegidas para ello fueron Dirimart, Elipsis Gallery, Mana, Macka Sanat Galerisi, Rodeo, Rampa, X-ist,  Nev Istambul y Non, Pilot. Y algunos de los artistas más destacados: Kutlug Ataman (Mana galeri), Gökçen Cabadan, o Meriç Algün Ringborg (Galeri Non) cuya obra fue seleccionada por la Fundación ARCO.

Con una franja verde pistacho en sus carteles, las galerías pertenecientes a “Focus Turquía” se diferenciaban de las demás galerías y nos guiaban entre sus obras. Las piezas que se han expuesto abarcan desde la pintura hasta la fotografía, la escultura o el video arte, pero todas con un denominador común; tratan de sorprender, de alejarnos de los tópicos que recaen sobre el país y sobre todo de causar y transmitir “algo” al espectador. Y sin duda, este año, la invitada a ARCO, Turquía, lo ha conseguido.

Una de las artistas que se han encargado de sorprendernos y mostrarnos desde sus ojos su país, es Canan Tolon.  Esta artista de la galería X-Ist de Estambul, opta por un lenguaje realista y trata en sus obras temas tan “delicados” como la religión, la política, la sexualidad…

Lo hace a través de fotografías en las que incorpora miniaturas recortadas, formando así collages con un contexto y simbolismo determinado. Cuestiona a través de ellos el funcionamiento del gobierno, la religión, la familia y la sociedad frente a la persona y el cuerpo.

Un nuevo foco del arte

El desarrollo y crecimiento del arte contemporáneo turco surge hace unos 25 años,  en la década de los 90. Una época marcada por los cambios políticos, económicos y sociales que dieron lugar a unas transformaciones y un ansia imperiosa por mostrar y demostrar al mundo lo que estaba ocurriendo en Turquía.

Lo hicieron gracias a la Bienal de Estambul, que decidió lanzar a algunos artistas turcos al mercado internacional y contribuyó además en la promoción de otros muchos en el ámbito local, a la organización de exposiciones y por tanto al surgimiento de críticos y comisarios.

Sin embargo, a pesar de éste desarrollo artístico y creación de nuevas instituciones, Turquía carecía de apoyo económico del Estado y de subvenciones, por lo que empujó a los artistas a buscar alternativas y nuevas rutas para seguir con su arte. Es en los 2000 cuando la mayoría de artistas se unen en colectivos y asociaciones buscando así poder financiar sus proyectos.

Y de ahí, a los stands de ARCO, a las ferias internacionales hasta convertirse en el nuevo foco de atención del arte. 

Isabel Álvarez Barrio (ialvarez111)-Análisis y opinión

La principal feria de arte contemporáneo de nuestro país se enfrenta a la crisis con una premisa: vender, vender y vender. En una edición marcada por la subida del IVA, los galeristas guardan sus apuestas más arriesgadas y eligen exponer sus obras más liquidables.

Para cualquier amante del arte contemporáneo en general y de ARCO en particular, el año se articula alrededor de esta muestra: seguimiento de blogs al inicio, la esperada acreditación de prensa y por fin entrar a Ifema con muchas expectativas. Las mías, para que nos vamos a engañar, no eran demasiado alentadoras en esta edición, ya que en 2012 se había reducido el número de galerías y se hablaba ya de una crisis en el sector que pareció sumir a la feria en un ambiente de pesimismo.

Pero Carlos Urroz (director de la muestra) lo tenía claro, quería cambiar eso y lo ha conseguido. Las noticias que llegaban de los grandes medios ya no solo hablaban de la subida del IVA, del polémico conato de salida de las galerías catalanas; también hablaban de que la feria apostaba por dar salida a obras, por dar un respiro al tan castigado sector artístico.

Si hablamos de contenidos, en ARCO los hay para todos los gustos y bolsillos; desde obras asequibles en pequeño formato a instalaciones consistentes en impresoras industriales derretidas que colocadas en una hilera, dejan al visitante con una entrañable cara de póker.  

La feria ha sido global, con más de 146 galerías de 27 países y con la grata sorpresa de un arte latinoamericano que está creciendo a una velocidad vertiginosa, una auténtica bofetada para todos aquellos que hablaban de la crisis del arte del siglo XXI. Señores, los creadores se mueven, y se mueven muy bien.

Sin embargo, el arte experimental se ha quedado algo más apartado en esta edición, la novedad y el impacto quedan para los museos de arte contemporáneo. Este año el visitante no sale shockeado de ARCO, sino pensando en aquellas piezas que incluiría en su colección personal.

Las grandes galerías han cargado con su batería pesada, así podíamos ver Tápies y Genoveses en la Galería Marlborough, Mirós en la Lelong o Barcelós en la Elvira González. Así, se aseguran que la inquieta mirada del coleccionista se fije ya de antemano en estas piezas y con un poco de suerte se interne en el stand en busca de más.

Por último, destacar que la feria se ha ampliado convirtiéndose en un fiesta del arte contemporáneo en Madrid, ya que coincidiendo con ARCO han proliferado las muestras de menor formato intentando abrirse un hueco entre el público.

Destacan ArtMadrid, que ya cuenta en su octava edición con cuarenta galerías exponiendo y la más joven de la familia, Jääl Photo, que se anuncia como “la feria de fotografía más joven e independiente de Europa”. Lejos de pensar en la competencia que puede existir entre ellas, centrémonos mejor en ver la parte positiva; estos acontecimientos hacen que Madrid se haya convertido en el epicentro del arte contemporáneo mundial durante cuatro días y sin duda es un avance cuando todas las noticias que llegan son de deudas, rescates y demás menesteres económico-catastróficos.

La cultura ha vivido cuatro días de gala gracias a que ARCO se ha renovado y ha triunfado apostando por un despliegue sin precedentes en redes sociales, invirtiendo en foros de encuentro para críticos y especialistas… y pese a la polémica de la subida – a todas luces excesiva-  de la entrada a la feria, no podemos dejar de alabar a Carlos Urroz y su equipo.

El director de la muestra nos ha demostrado que todavía le queda mucha vida al arte contemporáneo. Y es que, ¿puede haber una sensación tan triunfal cómo presenciar la venta de una obra en el stand de la gran Galery Lelong entre aplausos y gritos de júbilo? La viva prueba de que ARCO es capaz de hacer que los galeristas sean felices y coman perdices con un final de cuento.

Victoria Gema Rodríguez Estupiñán-Entrevista

Gestiones y llamadas para dar con uno de los artistas canarios más carismáticos del arte contemporáneo. Una vez que llego a Gran Canaria siguen las llamadas, por fin una cita en la agenda más que apretada de José Dámaso. Me recibe en su casa, él mismo me abre la puerta. A sus 80 años sigue conservando toda la vitalidad que le caracteriza, no para de gesticular durante toda la entrevista; con sus manos intenta expresar todo lo que dicen sus palabras, sus sentimientos, sus inquietudes. Su mente parece no descansar. Dedicado a multitud de proyectos no ha parado de trabajar desde que un día decidiera salir de su isla para convertirse en un referente para el arte canario.

En un momento de su vida, decide salir fuera de Gran Canaria para comenzar a formarse como artista, el destino elegido es Madrid y luego Sevilla, ¿Cómo fueron esos primero años?

Salí de mi pequeño pueblito, Agaete y al principio fue duro, pero las críticas de algunas de mis exposiciones, en especial las de Luis Doreste Silva, que escribió diciendo que era mi hora de salir de la isla, me dieron el último empujón para tomar la decisión.

Aunque en realidad también tenía un objetivo: conocer a César Manrique, que ya residía en Madrid y había logrado hacerse un nombre en el mundo del arte.

Mi primera parada fue en el aeródromo de Cuatro Vientos, donde realice el servicio militar, en cuanto tenía un permiso iba al centro de Madrid y al Parque de Buen Retiro a dibujar, donde por cierto se trajo por primera vez el Guernica de Picasso.

Me formé en la Escuela de Arte de Madrid y luego no llegué ingresar en San Fernando, pero sí en Sevilla, en la Escuela de Arte de Santa Isabel de Hungría donde completé mi formación.

Una vez terminada su formación, decide volver a Gran Canaria, ¿por qué?

Primero por la enfermedad de mi padre. Segundo porque fue una de esas decisiones en la vida que me han dado mucho resultado. Todo el mundo valora mi obra por haberme quedado aquí, pero es que yo no podía alejarme del mar, de mis orígenes. Mi obra está impregnada de ese contexto de las islas. Yo aposte por las islas.

No me fui porque sí, sin un fundamento espiritual, como otras personas que han tenido que volver porque han perdido su identidad.

¿Cuál cree que ha sido su mayor logro como artista?

Eso no lo digo yo… que me quiera la gente a través de lo que he hecho y a través de mí como artista. Me gusta mucho esa parte humana de la gente, sin ellos no podría haber llegado a los 80 años y pintar 6 u 8 horas al día. Me hace muy feliz ser artista, que la gente me quiera. 

¿Cree que si hubiera desarrollado su obra fuera de las islas sería tan querido como lo es?

Qué bonita pregunta, qué interesante… igual no, yo sé que otros pintores con mucho más prestigio que yo que no son tan queridos. Esa parte humana disociada del arte no me interesa, me gusta mucho el arte que se hace para alguien, para la gente, cuando hay un arte tan apartado de la realidad social… no digo que haya que tener un compromiso, pero sí creo en el compromiso del artista por ser artista. El ser artista es ya un compromiso en sí.

Además del compromiso del artista, ¿se nace o se hace?

Yo creo que soy un pintor nato, y que a mi madurez de los 80 años me he dado cuenta de que la disciplina es esencial, si no subo al estudio no hay resultados, el trabajo es importante.

Diría como Dalí que desde que estaba en el vientre de mi madre ya era artista, y creo como decía Picasso, que la inspiración me debe encontrar trabajando.

Si no hay una formación intelectual, tener buena mano no sirve para nada si no sabes lo que quieres, si no hay un concepto.

¿Qué rasgos de su personalidad hay en su obra? ¿Cuánto de la identidad canaria? ¿Cree que ha conseguido plasmarlo y trasmitirlo al espectador?

Están los rasgos de mi vitalidad, mi manera y mi alegría de vivir. Pese a ello también  pinto mucho la  muerte, una muerte tropical, las calaveras… Las Islas Canarias, están influidas de todo ese mundo: de la rama, las plataneras, el sentido de aislamiento de ser isla, la parte volcánica… Creo que he conseguido plasmar y transmitir el sentido de lo canario, lo mágico, lo poético, la manera de ser del canario… aunque no me creo tan excepcional creo que en general si he aportado algo al espectador.

Un artista mínimamente sensible, si no es un producto del contexto en el que vive y de lo que tiene alrededor, no se sabe lo que es. Yo he sido producto de eso, unas veces más abstracto, otras más figurativo. Manrique y Millares eran abstractos y yo necesitaba de la figuración para expresarme, aguanté, pero volví a la figuración.

Usted influye en las sensaciones del espectador, ¿Qué artistas le han influido a usted en su obra?

Influencias descaradas no creo que haya tenido, ni siquiera de César Manrique, porque viviendo todos esos años no nos parecíamos en nada; yo era figurativo, él abstracto.

Pero así muy por encima, podría nombrar a Tápies, Bacon, y muchos clásicos como Goya, el Greco, Velázquez…quizás no me influyeron tanto por su obra, sino por la manera que tenían de ver el mundo.

La crisis está pasando factura en todos los sectores, aunque en el mundo del arte parece que se está en una continua crisis, ¿Qué le diría a la gente que quiere dedicarse al arte?

Que luchen. Hay que luchar para conseguir las cosas. Se repite y se copia mucho, la información hace que no seas tan personal. El arte va por unos derroteros, con los medios nuevos, pero el mundo del artista no es nada fácil…  luchar por tener un estudio y trabajar en tu arte. También esto del arte es hoy muy gratuito, la crisis ha hecho que tengamos un sentido crítico; no solo es una crisis económica, es moral también, espiritual y humana, el arte esta en crisis en todo el mundo. Confío en que el arte ponga otra vez las cosas en su sitio y tome las riendas de imponer su verdad.

Desde que comenzó en el mundo del arte, ¿cómo ha visto su evolución en nuestro país? ¿Y en las islas?

Sufrí mucho más por ser moderno durante uno de los períodos más grises por el que ha pasado nuestro país que por otras cosas. Veo el arte español muy interesante, sobre todo el canario, al que veo muy creativo, como a todos los isleños: las performance, las instalaciones… lo sigo con mucho respeto aunque lo critique a veces, no nos podemos estancar.

Yo estuve en las vanguardias. Manrique me informaba de todo lo que se hacía porque aquí llegaba a cuenta gotas. El problema que todavía tiene Canarias es que es un territorio apartado, algo que puede ser contraproducente al no tener información del exterior, pero ese aislamiento hace que todavía se mantenga nuestra esencia.

Estamos muy bien informados, pero hemos perdido la  inocencia.

Muchas de las obras de César Manrique buscaban proteger la naturaleza de las islas y hacerla compatible con el arte, ¿nunca pensó en hacer algo parecido en Gran Canaria?

Bueno, César Manrique era un genio para eso y protestaba, yo soy más intimista, poético espiritual… mi mundo está más en la meditación, lo literario, quizás era eso lo que nos unía, las diferencias. Era genial en cómo defendía la obra que hizo para el ser humano. Y ya no sólo en su isla, era su criterio… Yo ahora me estoy dedicando al diseño; como el caracol en Cofete (Fuerteventura), he seguido un poco la huella de Manrique, la gente me lo ha pedido, pero creo que he llegado un poco tarde.

El dedo de dios es uno de los símbolos no sólo de Agaete sino de Canarias, hace años un temporal nos dejo sin parte de él. ¿Le gustaría realizar algún tipo de proyecto para este monumento de la naturaleza?

Se dijo de arreglarlo y hubo una comisión, pero yo me opuse. Intervenir en la naturaleza es muy difícil, ¿quién se atreve a devolverlo a su sitio? Lo que habría que hacer, como ya hizo Chillida en San Sebastián con el Peine de Viento, es una cosa abstracta e integrarla en la naturaleza.

Pintor, escultor, muralista, grabador…su obra tiene bastantes vertientes.

Soy un hombre muy de mi tiempo, lo que estoy haciendo ahora es muy clásico. Tengo capacidad para hacer cosas: cine, escultura, escritura… Lo único que no he hecho ha sido música. Creo en el arte total como en el Renacimiento.

Me sorprendo de mi cine, lo elegí porque también tiene unos valores donde uno se puede comunicar mucho más que con la pintura para contar una historia.

¿En qué está trabajando ahora? ¿Cuál es su próximo proyecto?

El 14 de enero expuse en el CAAM (Centro Atlántico de Arte Moderno) sobre la obra de Joos van Cleve, y el tríptico que desde pequeño recuerdo ver en la Ermita de Las Nieves en Agaete, representativo del arte flamenco. No es solo una exposición pictórica, sino antropológica, del comercio de las islas. Hay mucha información sobre el arte flamenco y estoy muy ilusionado.

También estoy trabajando en un cuadro de 2×2, que tienen que ayudarme a mover… unidos a otros muchos proyectos en las islas.

Además un grupo canario que es muy conocido ahora, Efecto Pasillo me ha pedido que les diseñe la portada de su nuevo disco.

Son muchos los proyectos que tiene por delante…se le ve con vitalidad, ¿cuál es su secreto?

Eso es un misterio niña, yo digo que es el gofio, el gofio y la cultura. Ese es el final bonito.

Patricia Muñoz-Crónica y fotografías

Hace casi 70 años, Francisco Bores, pintor Español de la llamada Nueva Escuela de París, recibió un encargo del crítico y editor Tériade. El encargo consistía en ilustrar el poema de “L’apres-midi d’un faune” que Stephane Mallarmé había escrito hace 78 años.

Bores no se lo pensó y aceptó el reto. Sin embargo, nadie dijo que fuera a ser fácil. El libro, que iba a constar de 84 páginas no llegó a concluirse. La guerra y ocupación que Francia vivía en 1943 dieron lugar a grandes problemas económicos que hicieron imposible la publicación de la obra.

Aun así, el Círculo de Bellas Artes de Madrid ha recuperado 73 de las más de 200 piezas que componían el poema y nos las muestra en la Sala Goya de su primera planta hasta el 20 de enero de 2013.

Francisco Bores, muy integrado en su Madrid natal, se formó en la academia de Cecilio Pla y en las tertulias de los cafés madrileños. Se identificó plenamente con los artistas y poetas afines al ultraísmo y con los pertenecientes a la generación del 27. Esta afinidad se va a plasmar en sus obras a lo largo de su carrera, que se desarrollará en su totalidad a partir de 1925 cuando se traslada a París, donde se relacionará con grandes figuras como Picasso, Juan Gris o Matisse.

Fue allí donde recibe el encargo de ilustrar el poema de Mallarmé. Los dibujos los realizó en el taller de Mourlot, en la calle de Chabrol de París, donde habían trabajado y se habían formado artistas como Picasso.

Mallarmé, autor del poema que Bores debía representar decía que “es mejor pintar no la cosa, sino el efecto que produce”  Y es precisamente de lo que Francisco Bores se encargó. Sus dibujos no quieren plasmar la escena que el poema describe, sino el sentimiento que produce al leerlo. Pretende transmitir, a través de sus pinceladas, sensaciones, emociones y sentimientos.

Lo consigue con unos dibujos originales e inundados de un estilo ultraísta; importancia de la metáfora frente a la lírica, imágenes ilógicas, casi surrealistas, síntesis de varias imágenes en una…

Consigue transmitir también, gracias a la originalidad y mezcla de diferentes herramientas y técnicas. Utiliza en un mismo dibujo lápices grasos y lápices de grafito, a la vez que acuarela y tinta china. No solo es en el dibujo donde mezcló técnicas y herramientas, sino que incluyó caligrafía y fragmentos del poema en sus obras con caligrafía manual, impresa y tipográfica.

No es el único libro que Bores ilustró. Se encargó también de la ilustración de “El llanto por la muerte de Sánchez Mejías” de Federico García Lorca. Y Mallarmé no inspiró solamente a Bores con su poema, ya que sirvió de inspiración a Debussy para su pieza musical “Preludio a la siesta de un fauno”. Dos artistas distintivos reunidos en pleno comienzo de la Gran Vía madrileña.

Ficha Técnica:

Qué: La siesta del Fauno/ Francisco Bores y Stéphane Mallarmé

Dónde: Sala Goya. Circulo de Bellas Artes.

Hasta cuándo: 20 de enero de 2013

Horario: De martes a sábado de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 21:00. Domingos de 11:00 a14:00. Lunes cerrado

Precio: 2€ y acceso incluido a la cafetería y restaurante. Gratuito con Carné joven

Ana Caaveiro-Reportaje

Situada junto a la calle de Cuchilleros, en pleno Madrid de los Austrias, se encuentra la Plaza Conde de Barajas. En ella, cada domingo, de 10 a 14 horas de la mañana, 35 artistas de la capital se dan cita para organizar una exposición al aire libre que puede ser visitada durante todo el año.

Organizada por la “Asociación de Pintores Taller Abierto” y declarada Interés Artístico Municipal, bien recuerda al barrio parisino de Montmartre. En esta “plaza de los pintores”, los artistas muestran y venden sus creaciones a un público, según afirman, muy variopinto, que abarca  desde políticos a turistas.

Sin embargo, la variedad no sólo reside en los asiduos a este rincón del arte, sino en las pinturas que se pueden adquirir: óleos, carboncillos, témperas, acuarelas, collages, grabados, bocetos… Más de una sorpresa aguarda a los viandantes que se acerquen a la plaza.

Cada uno de los pintores se cobija en su tenderete, dentro de cuya carpa se pueden ver sus dibujos. Aunque la muestra más vistosa esté dentro, fuera de la misma, también se expone el resto de sus creaciones, en una gran carpeta que el interesado puede curiosear.

Otra de las características más relevantes de la exposición son las personalidades de los propios artistas, que reflejan y plasman en sus obras. No existe límite de edad entre los pintores: todo aquel que lo desee puede participar en el proyecto (previa prueba de selección) lo cual propicia que se genere un amplio abanico de estilos y tendencias.

María Luisa Cazorla, Ramón Mayoral, Manuel Blanco o Yolanda Gil son algunos de los que forman esta asociación, quienes están siempre presentes en la plaza, de forma que establecen un  contacto directo y cercano con su público. Una forma diferente de vivir el arte que no deja de ganar adeptos.

Pese a que los temas de las obras son bastante dispares, sí que hay una máxima que se repite: Madrid. La ciudad se configura como un constante protagonista que ofrece al visitante sus mejores poses de la Cibeles, la Gran Vía o del emblemático edificio Metrópolis, convirtiéndose en la pieza más demandada y también en la más representada.

En definitiva, la plaza Conde de Barajas se presenta como una elección idónea para una mañana de domingo. Una alternativa que lleva a adentrarse en un Madrid castizo (desconocido para muchos) y explorar un arte sin límites y diferente, no exento de calidad pese a no estar expuesto en museos de prestigio nacional.