JESÚS PEÑAS.- 12/06/2013

En los tiempos que corren, en los que todo parece más difícil que nunca, arreglar el mundo no es una tarea fácil. Pues bien, eso es lo que se han propuesto Ernesto Sevilla, Sergio Fernández  “El Monaguillo” y José Juan Vaquero. Tres monologuistas, tres cómicos, que pretenden durante casi dos horas, arreglar el mundo a su manera, a base de humor. Además de la colaboración de la presentadora y actriz Cristina Urgel, que tiene una relevante importancia en la función como maestra de ceremonias.

Está claro que como ellos mismos dicen, arreglar el mundo es imposible, pero sí pueden hacer olvidar durante un rato los problemas que puedan tener los espectadores.

Si hay algo que puede hacer olvidar problemas a muchos de los españoles, eso es tomar unas cervezas con los amigos. Salir a tomar unas cañas es uno de los actos que más se realizan en España, sobreviviendo incluso a la crisis. Eso es lo que han querido hacer estos tres humoristas en este espectáculo en su segunda edición (el año pasado ya se hizo con otros cómicos). El teatro Compac de Gran Vía se transforma en un bar, con mesas y música en directo, para tomar unas cervezas entre amigos y reír con este rato de humor.

La transformación impresionante del teatro, donde han quitado las butacas y han puesto barras de bar y mesas, hace que te sientas verdaderamente en un bar entre amigos. Precisamente es en la amistad de los tres personajes del espectáculo donde está basado el hilo argumental.

Cada uno de los humoristas tiene su momento de monólogo individual y consiguen hacer un personaje que es igual a ellos mismos. No obstante, la obra tiene un argumento que hace que cada uno de los monólogos cuadre y no desencaje con los momentos en que los tres coinciden sobre el escenario.

Lo más importante para el desarrollo del espectáculo, es precisamente, haber conseguido establecer un hilo argumental. El hecho de acudir a ver a tres monologuistas, sin que se dediquen a “soltar” su monólogo, sino que haya una historia detrás, es relevante en el mundo de la comedia. No obstante, hay que decir, que pese a que el hecho de hacer monólogos que no desentonan con el hilo argumental, el contenido de ellos sí. No tienen nada que ver los contenidos de éstos con la historia que se puede seguir sobre el escenario.

Este espectáculo, dirigido por el también cómico Eduardo Aldán, se estrenó el pasado jueves día 6 de junio y estará en cartel durante ocho semanas.

INFORMACIÓN DE LA OBRA

Teatro: Compac de Gran Vía

Dirección: Gran Vía, 66

Fechas: del 6 de junio al 27 de julio.

Horario: de miércoles a viernes a las 21:00h, sábados a las 20:00 y 22:30h y domingos a las 19:00h.

Jesús Peñas- Reportaje

Se acerca el verano y seguro que alguno ya está preparando sus vacaciones y los lugares que visitar. No hay duda de que en España tenemos una gran oferta de posibilidades para viajar. Todo depende de si estamos buscando playa, montaña, o visitas culturales. Depende de si queremos únicamente descansar, o si por el contrario buscamos aparte del descanso, conocer más de la historia y la cultura española. En nuestro caso, vamos a hacer una visita a una ciudad de historia y cultura, una ciudad patrimonio de la humanidad: Baeza (Jaén).

Baeza es un municipio que tiene más de 16000 habitantes. Está situado en pleno centro de la comunidad autónoma de Jaén, y es uno de los lugares con más historia del sur de España. Baeza guarda uno de los más notables conjuntos monumentales andaluces.

Los vestigios más antiguos de la ciudad son de los siglos IV y V, en época de visigodos.  La ciudad, tuvo un gran esplendor con romanos y árabes, pero su época más interesante fue a partir de la conquista de los cristianos. Estuvo gobernada por musulmanes la mayor parte del tiempo, pero definitivamente la expulsión de los musulmanes por parte de los Reyes Católicos en el siglo XIII, hizo que los últimos moros salieran de la ciudad y se dirigieran al Albaicín, en Granada.

No obstante, no quedan apenas vestigios musulmanes en la ciudad, la mayoría de ellos son de índole cristiana. Baeza es conocida principalmente por ser una ciudad renacentista con mucho parentesco a ciudades castellanas de España.

Se pueden ver representados en los distintos monumentos de la ciudad los distintos estilos de construcción, culturas, periodos y estilos artísticos por los que ha pasado la ciudad. No obstante, sus murallas, sus iglesias y sus palacios y Catedral fueron construidos durante la época cristiana entre los siglos XIV y XVII.

No toda la historia de Baeza data de siglos tan alejados. Un gran reclamo turístico para la ciudad es la importancia que tuvo Antonio Machado en  el siglo XX y lo importante que fue para el poeta su estancia durante varios años en la ciudad jienense.

Machado llegó a Baeza allá por 1913 para dar clases de francés. Su estancia duró hasta 1919 cuando se trasladó a Segovia para seguir dando clases. Dejó un gran legado de poemas y publicaciones y se puede visitar la casa en la que vivió su experiencia en la ciudad, además del lugar donde impartió clases. Hay un gran número de documentos y publicaciones del poeta en exposición.

La época más recomendable para visitar Baeza es la Semana Santa, ya que es la ciudad con más procesiones de la provincia de Jaén (incluida la capital, Jaén). Es una época en la que las calles engalanadas reciben multitud de turistas para ver los más de 30 pasos de todo tipo que pasean por las calles. Algunas de las cofradías tienen más de 500 años de antigüedad.

Sin duda alguna que una de las cosas que nadie debe perderse cuando va a Baeza es la Catedral y la preciosa fuente que gobierna una plaza justo enfrente de ella. En ella se pueden ver restos de la época musulmana, cuando esta era una mezquita, además de los cambios y construcciones propias de la época cristiana. Detrás de la catedral, hay calles muy estrechas de una belleza enorme que merece la pena visitar. Muy cerca de la catedral podemos ver la antigua universidad, en cuyo interior está el aula donde Antonio Machado pudo impartir sus clases de francés y donde podemos ver una exposición dedicada a él.

A pocos metros, se encuentra el Palacio de Jabalquinto, del que dicen que es una verdadera joya gótica. No todo acaba aquí, La Puerta de Jaén, el casco histórico con numerosas iglesias y distintos museos, son merecedores de una visita. Baeza cuenta con muchísimos más monumentos y lugares históricos a los que acudir, prácticamente en cada rincón, hay un trocito de historia. Si además les interesa la gastronomía, en Baeza podemos encontrar todo tipo de bares y restaurantes. Desde sitios más o menos exclusivos si queremos gastarnos un poco más de dinero, hasta los más típicos bares de tapas. El “tapeo” es algo que no deben perderse si visitan la ciudad.

En definitiva, una ciudad con historia en cada calle, con impresionantes monumentos y lugares, y una fabulosa e interesante gastronomía basada en gran parte, en la cultura del olivo. Desde luego, merece la pena visitarla.

Teresa Aísa- Crítica

El Teatro Alcázar-Cofidis de Madrid acoge estos días la representación de una de las obras clásicas más famosas del maestro William Shakespeare, la adaptación de “Enrique VIII”, de la mano de la compañía teatral Rakatá y dirigida por Ernesto Arias.

Desde el día 24 de mayo, el público puede ser testigo durante casi dos horas de una trama llena de orgullo, poder y pasiones, tres de los sentimientos más profundos y fuertes de la raza humana. Vividos en este caso durante una situación histórica compleja y llena de cambios políticos, sociales, culturales y religiosos, estas tres sensaciones llevan a los personajes de este juego de tronos que lo protagonizan al engaño, el abandono, las amenazas y la muerte.

Sobre las tablas del pequeño escenario, un elenco de actores que bien merecen los aplausos y vítores que estallan con la ficticia bajada del telón, pues son dignos de mención el ritmo y la calidad de las actuaciones que no solo son mantenidas a lo largo del desarrollo de la obra, si no que conforme la trama teatral va conformándose las interpretaciones van adaptándose y engrandeciéndose. Los protagonistas, Fernando Gil (el rey Enrique VIII) y Elena González (Catalina de Aragón) conducen la obra cuyo eje principal gira en torno a la historia de su matrimonio y el fin de este, a consecuencia de trifulcas alimentadas por el cardenal Wolsey (Jesús Fuente), figura muy importante en la trama. Cabe destacar a pesar del pequeño papel que interpreta, el gran trabajo interpretativo de Julio Hidalgo como el Duque de Buckingham, pues durante las escasas escenas en las que actúa consigue atrapar y ensombrecer al público con la traición a la que se ve sometido su personaje.

Como ya se ha hecho mención, el teatro Alcázar no es uno de los más grandes de Madrid y este hecho podría suponer un problema a la hora de llevar a cabo una obra de semejante envergadura, sin embargo la escenografía planteada y fijada durante toda la representación permite que se desenvuelvan todas las escenas de esta adaptación sin hacer de más ni de menos. Acertada en todo caso, en especial el juego de puertas durante los comienzos de nuevas escenas y los finales de las mismas. Igual de certeros están los vestuarios, los cuales en ocasiones mezclan prendas de época con otras algo más modernas, un toque algo arriesgado pero que en esta ocasión no desluce en absoluto.

La adaptación de esta obra de casi cuatro horas originales, reducidas mediante la fusión de personajes y la desaparición de escenas, ha corrido a cuenta de Ernesto Arias, Rafael Labín y José Padilla. La versión presentada no solo varía en duración, si no que también lo hace en relación al texto original de Shakespeare, en el cual por ejemplo el papel de Catalina de Aragón es tratado de una manera más “frágil”, algo totalmente contrario a la representación que se lleva a cabo en este caso.

Definitivamente, para aquellos amantes del teatro “Enrique VIII” es una obra que no puede dejarse pasar. El privilegio de que vuelva a interpretarse en Madrid tras su puesta en escena en el Globe Theatre de Londres durante las pasadas Olimpiadas debe ser aprovechado por todos aquellos que puedan acudir a las representaciones, que se realizarán hasta el día 30 de junio en el Teatro Alcázar–Cofidis.

INFORMACIÓN DE LA OBRA

Teatro: Cofidís

Dirección: c/Alcalá, 20

Fechas: del 23 de mayo al 30 de junio

Horario: de miércoles a sábado a las 20.30h y domingos a las 19.00h

Elena Suárez- Reportaje

Uno se plantea ser periodista, arquitecto, militar o abogado. Uno elige ser profesor o médico, escoge una carrera u otra. Pero, ¿uno elige ser bailarín, así, de la noche a la mañana? No lo creo. Para bailar no basta con querer. Eso, se tiene o no se tiene, se nace o no se nace. Hay que sentir algo fuerte, tan fuerte que te haga tener la voluntad de apartar otras muchas cosas para dedicarte por completo a la danza. La danza, o se ama o se odia, pero nunca te deja indiferente. En más de una ocasión habrá una relación de amor-odio entre el bailarín y la danza, pero como diría Tamara Rojo: ‘La danza no me ha robado nada. Me ha hecho más feliz como persona.’ Y es que aunque a veces es un mundo cruel, cuando sales a escena y recibes el aplauso del público, cuando el trabajo de meses y meses por fin sale, y sale bien, la satisfacción es tan grande que no se puede explicar.

Puedo hablar desde mi experiencia, pues empecé a bailar con tres añitos. La danza requiere mucho sacrificio, muchos ‘no puedo, tengo ensayo’, mucha fuerza de voluntad, mucho entusiasmo. Amar lo que se hace, por encima de todo.

Además de esa parte ‘sentimental’ donde la danza te toca y te deja huella para siempre, está la parte más ‘deportiva’. Esta es la parte en la que yo, personalmente, comparo a un bailarín con un deportista. Y sí, aquí es cuando pensaréis que voy a hablar de que los bailarines parecen las ovejas negras de este país, mientras futbolistas cobran millones y millones. Pero eso ya lo veremos más adelante. Ahora quisiera explicar un poco cómo debe entrenar un bailarín para estar en forma. Es fácil. Querer, querer y querer. Si algo he aprendido de la danza es que uno, si se lo propone y tiene unas ganas tremendas de mejorar y mejorar cada día más, puede hacer con su cuerpo lo que quiera. El cuerpo cede. Solo hay que saber por dónde llevarlo. ¿Qué son muchas horas de entrenamiento? Pues sí. Pero creo que Nadal, aun con un talentazo innato y naciendo con la raqueta en la mano, tuvo que echar horas y horas para ser el número uno del mundo.  Os aseguro que una vez sientes la pasión por la danza, ni todas las horas del mundo te parecerán muchas, ni todo el dolor del mundo te hará parar. Al contrario, siempre querrás más. Creo que en parte los bailarines y los deportistas somos algo masoquistas… hasta que no duele, no encontramos placer en lo que hacemos. Y aquí os cito a Josef Ajram, el último embajador estrella de la motivación deportiva: ‘El punto principal es el deporte, pero tanto en el deporte como en la vida, los límites se los pone uno mismo. Todo el mundo es capaz de hacer lo que se proponga, siempre y cuando luche por ello y agote todos los recursos posibles antes de rendirse.’ A esto solo puedo añadir: Amén.

Para una buena preparación física hacen faltan un par de cosas: un buen entrenamiento diario, y hago hincapié en ‘diario’, porque el cuerpo es como una máquina que guarda el trabajo hecho, lo almacena y lo convierte, pero si esa máquina solo funciona de vez en cuando, jamás almacenará información y trabajo, y así el avance es imposible. Solo llega quien es constante, quien va como las hormiguitas, un poco más y más cada día, trabajando sin cesar. Y os pongo el ejemplo que me ponía mi maestra, Carmina Ocaña: ‘esto es como una botella de agua en la que tú vas echando una gotita cada día, hasta que un día esa agua llega al borde y se desborda. ¿Es por la última gota? No. Es por todas las gotas que echaste antes, día tras día, sin parar.’

Y sin irnos del tema, la preparación física. Para estar en forma hace falta como he dicho un entrenamiento diario, agarrarse a la barra cada día con unas ganas locas, dejarte ahí hasta  la última gota de sudor, seguir a pesar del cansancio, de las heridas en los pies, de que se te caigan las uñas o tengas agujetas. Bailar con un esguince, con el gemelo roto o con un suelo resbaladizo en el que por poco te dejas los dientes. En eso consiste la danza, en sobrepasar los límites. Seamos realistas, no es lo mejor ni lo más aconsejable, pero es la única forma de llegar a lo más alto. Como decía, uno puede conseguir lo que quiera con su cuerpo, para ello debe tener claro sus puntos fuertes y sus puntos débiles, y en base a eso, trabajar de tal forma que los defectos no sean apenas visibles y las virtudes parezcan virtuosas.  ¿Explotar lo bueno para esconder un poco lo malo? No exactamente. El bailarín siempre busca mejorar lo que no le sale, lo que no tiene tan fácilmente por naturaleza, y eso le hace esforzarse y mejorar notablemente sus defectos, algo admirable, pues en la danza no existe el conformismo. Existe la perfección. Y eso es algo bueno y malo a partes iguales. Te ayuda a tener disciplina en otros ámbitos de la vida, como los estudios, las relaciones, acabar todo lo que empiezas, poner empeño y entusiasmo en todo. Pero esa búsqueda de la perfección también te hace obsesionarte a veces, como por ejemplo, con el tema de la comida y el peso.

Para estar en forma además de las clases diarias, también se pueden hacer otro tipo de ejercicios para completar la forma física como nadar, hacer pilates, gyrotonics (pilates con máquinas, aplicado a los bailarines), hacer algo de cardio, trabajar la potencia de salto, reforzar partes débiles como las rodillas con ejercicios de propiocepción para mejorar la estabilidad, hacer ejercicios con la banda elástica, trabajar la elasticidad antes y después de clase y algo muy importante: estirar muchísimo. Estirar para enlongar los músculos que de tanto trabajo se congestionan y se contraen.

También es importante llevar una buena alimentación, sin llegar al extremo y obsesionarse y desde aquí hago un llamamiento a todas las bailarinas, y digo bailarinas, porque normalmente es el sexo femenino el que sufre de anorexia y bulimia, algo muy típico, y que por desgracia no solo pasa entre bailarinas, sino también en chicas que no bailan. Hago un paréntesis, y sin juzgar ni regañar, solo pido que se tenga el valor suficiente para salir de ese infierno y que la tentación de vomitar o dejar de comer sea superada por la sensación de mirarse al espejo y sentirse a gusto con lo que se es. Ni más ni menos. Que el mundo del baile, y la sociedad en general, tienen impuestos unos cánones de belleza que nos llevan a una delgadez extrema, a una imagen poco sana y lo más triste: a una imagen en la que un kilo menos supone felicidad y belleza, aunque nuestra sonrisa delate una enorme miseria. Está claro que para bailar hace falta tener unas líneas, una figura esbelta y bien proporcionada, pero jamás se debería llegar a superar esa barrera. Pero, supongo, que como he dicho antes, esto es una consecuencia más de esa búsqueda de la perfección, de no estar conformes nunca, de querer siempre más.

La alimentación, como la de cualquier persona que se dedique en cuerpo y alma a una actividad física, debe ser completa y equilibrada.  Soy partidaria de la idea de que una buena alimentación evita muchas lesiones. Hay que tener muy fuertes las articulaciones, y todo el organismo en general, para soportar las horas y horas y de ensayos y machaque físico, pues el cuerpo en cualquier momento se puede resentir. Como en cualquier alimentación, hay que evitar el consumo excesivo de dulces y grasas, e introducir alimentos más frescos, ricos en fibra y bajos en grasa. Llevar una dieta sana ayuda a rendir mejor en el ejercicio, a tener un tono muscular más adecuado y a estar ágil y en forma para sobrellevar la actividad sin problemas.

Las lesiones también es algo a tener en cuenta. Y vuelvo a hablar desde la experiencia. Tras dos operaciones del ligamento de la rodilla y dos años de parón, creo que es importante trabajar al 100% cada día y siempre dar más, pero ¡cuidado! El cuerpo es una máquina y si tú fuerzas la máquina hasta los límites más insospechados, la máquina se rompe. Hay que saber escuchar al cuerpo y que las ansias de querer bailar y mejorar, no te hagan perder la cabeza. Para bailar hace falta inteligencia, y saber cómo manejar esa inteligencia. Me explico: saber cuándo es conveniente parar, tomarse los descansos necesarios y darle al cuerpo un respiro, pues el cuerpo también tiene un límite y si lo pasas continuadamente, no solo tendrás que parar el doble de tiempo de lo que antes no quisiste parar, si no que puede que no puedas volver a bailar más. Para ello hay que cuidarse, como ya he dicho antes, estirar, acudir frecuentemente a un especialista que nos arregle y nos pase la ITV. Un chequeo semanal por nuestro fisioterapeuta u osteópata, para descargar los músculos y reponerlos de tanta tensión, para poder seguir al 100% y a estar a tope para las actuaciones.

Las actuaciones es otro punto importante. Es el punto. Uno se prepara durante meses y meses, para una gran ocasión, quizá tu única oportunidad, la oportunidad de que te vea el director de una compañía o el programador de teatros, y los nervios, siempre juegan en tu contra. Es algo inevitable, sales al escenario y estás solo ante el peligro. Estar ahí siempre es algo salvaje, como el gladiador frente a la bestia. Te mueve algo de dentro. Y por eso, por encima de quien te pueda estar viendo bailar… se baila por y para uno mismo, o al menos debería ser así, pero me temo que la danza se mantiene mucho de la aceptación de los demás, de la aceptación de nuestros superiores y eso le quita amor a la danza.

La danza en España, por desgracia, es la oveja negra, al igual que el resto de la cultura y el arte en general. Con escasas o nulas subvenciones, la danza se mantiene a base de la pasión y empeño de un colectivo que ama lo que hace, por difícil que sea. Que sobrevive más que vive. Para hacer una buena carrera como bailarín, hay que salir fuera de España, y ahí tenéis el ejemplo de Tamara Rojo, actual Directora Artística del English National Ballet, Carlos López o Ángel Corella, al que no le han dado ni una ayuda para mantener su compañía en el país que le vio nacer. Triste, ¿verdad? Pues sí. Pero mientras se sigan cerrando teatros para abrir tiendas de H&M, mientras se siga excluyendo a la danza de las ayudas económicas, mientras los bailarines sigan sin ser profetas en su tierra, mientras se sepa antes quién es Ylenia de Gandía Shore que Antonio Gades, habrá que cruzar nuevos horizontes, tener el valor de dejar todo aquí por un sueño e intentar ser felices en otro país, donde por suerte, sí valoren todo nuestro potencial y trabajo.

Tras muchos años de esfuerzo, tras muchos concursos, muchas lesiones, mucho sacrificio, varias operaciones… tras mandar mil vídeos por todo el mundo y luchar por entrar en alguna compañía donde mis 1’53 cms fueran menos importantes que el cómo bailo o el trabajo que llevo a mis espaldas, el Cirque du Soleil me escogió de entre seiscientos y pico bailarines, y la verdad, puedo decir, que la danza sigue teniendo futuro, pero solo está hecha para quienes la aman de verdad. Que es una pena que tengan que venir de fuera para valorar el producto nacional, pero que dentro de la danza hay muchos senderos que recorrer. También se puede ser coreógrafo, director, profesor… y que ese el reto de todos los que hemos bailado. Transmitir la danza, hacer a todos partícipes de un arte tan maravilloso, acercar la danza a la gente, aunque sea como yo estoy haciendo ahora, simplemente escribiendo, promoviendo actividades, o luchando con uñas y dientes por hacer que viva la danza en este país. Luchar por abrir nuevas compañías, no desistir. Que el dinero nunca ha llenado el bolsillo de los bailarines. Que el amor al arte es lo nuestro, y que quizá hay que aguantar un poco el tirón y hacerlo por la danza. Por poner a la danza en el lugar que merece.

Como diría Quique González: ‘La vida te lleva por caminos raros, por la esquina más perdida de los mapas, por canciones que tú nunca has cantado…’ La vida te lleva por caminos raros. Pero la danza sigue ahí, retándote un día más, haciéndote amarla hasta llegar al punto de no poder pasar ni un solo día de tu vida sin ella.

Magaceda Serrano- Crítica

‘La función por hacer’ se despide de la capital madrileña en el Teatro Abadía, es la última oportunidad para poder disfrutar de una de las mejores obras que han pasado por el teatro español. Y no sólo lo digo yo, lo avalan los siete premios que recibió en 2011 en la XIV edición de los Premios Max y cualquiera que acuda a ver esta representación se dará cuenta de su gran nivel, entendiendo que no se haya dejado pasar por alto en el mundo de las artes escénicas.

La función comienza a oscuras y como telón de fondo se escuchan unos gemidos. Se trata de dos enamorados que nos hacen testigos de su pasión. Él es pintor y como tal, ha representado a su amada. Así, desde el primer momento las risas inundan a los espectadores y es que ante semejante retrato no cabe otra cosa que las carcajadas pero, tampoco, ante la simpatía de los personajes que nos hacen partícipes de su historia. De repente cuatro personas irrumpen en el teatro confundiendo al público pues parece que alguien ha llegado tarde a la función. Pero no, no son espectadores, son cuatro personajes que quieren unirse al espectáculo. La actriz, interpretada por Miriam Montilla y el actor, al que da vida Cristóbal Suárez, ven como su representación es interrumpida por cuatro personas que dicen ser personajes de verdad. Los actores no pueden dar crédito a lo que oyen y el espectador tampoco. Tal es la verosimilitud de la escena que parece de verdad que cuatro ‘chiflados’ se han colado en el Teatro Abadía esta tarde. Son cuatro personajes que fueron abandonados por su autor, olvidados en un cajón y que, ahora, se atreven a pisar un escenario, unos para escapar de su historia y otros para volver a vivirla y mostrársela a los demás. Quieren que sus vivencias no queden en el olvido como lo hacen las de aquellos autores que dejan a sus personajes desamparados en medio del camino.

Para los actores esto es una locura y es que ahora, ante sus ojos, se abre una nueva frontera: ¿es el actor el que encarna a un personaje o es al revés,  ¿es el personaje quien llena de vitalidad al actor?

El actor quiere que los personajes cuenten su historia y la actriz, aunque más reticente, finalmente también acabará cautivada por ella, pues estos personajes son como una avalancha que se lleva consigo todo lo que encuentra a su paso. Israel Ejaldre interpreta al hermano mayor, pura palabrería, un hombre que engancha a los actores y al público con su filosofía. Manuela Passo interpreta a su mujer que, perturbada por la muerte de su hijo y la infidelidad de su marido, es la angustia en persona.  Raúl Prieto es el hermano pequeño, un personaje que no quiere participar en la historia por lo que ha hecho, su nerviosismo, su furia y  su agresividad constante nos dejan patente que él no quiere volver a revivir lo sucedido. Y por último, nos encontramos con Teresa Hurtado de Ory que da vida a la mujer de éste pero, sin embargo, ella está locamente enamorada de su cuñado y su pasión es tan desbordante que sería capaz de dejarlo todo por él.

Una trama compleja que se presenta ante dos actores que ven ante ella una oportunidad para llevarla al escenario pero, juntos, comprueban que aunque lo hicieran no tendrían el mismo éxito y rotundidad que estos personajes pues ellos están más vivos que la propia vida.

El atrezo es casi inexistente, un pequeño banco y una silla les sirven a los actores para recrear sus escenas, pero no hace falta nada más. La cercanía con el espectador es constante, el escenario se sitúa a pocos pasos pero, además, los actores se van mezclando entre el público, buscándole con la mirada e, incluso, intentan entablar conversación con él.  Sin duda, la espontaneidad es la esencia de esta función que se aleja de escenas artificiosas. La iluminación es otro de los puntos fuertes, no hay para nada efectos sorprendentes, pero en todo momento sirve de señal para que el espectador encuentre al personaje al que está buscando.

El relato atrapa desde el primer instante al espectador que, ensimismado y fascinado, no puede dejar de prestar atención. La impaciencia por conocer qué es lo que atormenta a cada personaje, la risa constante que inunda al público y la idea de encontrarse ante una ilusión que tiene todas las cualidades para ser realidad, enganchan al público de tal manera que al acabar la función se han quedado con ganas de más. El tiempo pasa rápido en esta obra en la que los aplausos finales no se convierten en una torpeza para el espectador porque, sin duda, no quiere dejar de aplaudir.

Nos encontramos como una obra magistral dirigida por Miguel del Arco que, en compañía de Aitor Tejada, ha desmembrado ‘Seis personajes en busca de un autor’ del reconocido dramaturgo Luigi Pirandello y ha creado una versión que busca la sincronización con el espectador, convirtiéndole en un actor más de la representación, muestra de que la máxima “el teatro está más vivo que nunca” es más cierta aquí que en ninguna otra ocasión. Imprescindible para los amantes del teatro e imprescindible también para los que lo son menos porque ante una obra de tales características, tan sólo quedan ganas de acudir a ver otra función y si está por terminar mejor que mejor.

INFORMACIÓN DE LA OBRA

Teatro: Abadía

Dirección: c/de Fernández de los Ríos, 42

Fechas:del 16 de mayo al 9 de junio

Horarios:de martes a viernes a las 20:00h, sábado 18 de mayo a las 20:00h, sábados 1 y 8 de junio a las 19 y 22:00h y domingos a las 19:00h

TERESA AÍSA- Crítica

La compañía de ballet ruso Classical Russian Ballet se encuentra estos días en la capital, en el Teatro Nuevo Apolo, con la representación del más que famoso Lago de los Cisnes. Desde el día 8 de este mes, los aficionados a la danza clásica han podido asistir a ver esta representación, cuyas afirmaciones del libreto, “las palabras “Ballet Ruso” son simbólicas y garantizan un alto nivel profesional en sus actuaciones”, no hacen realmente honor a la realidad.

Dirigido por Hassan Usmanov y coreografiado por Marius Petisa, la obra se divide en cuatro actos: El jardin del castillo del príncipe Sigfrigo, La orilla del lago, El Gran salón del castillo del príncipe Sigfrido y La orilla del lago. Comenzando algo “flojos”, conforme los minutos pasan y los actos se van sucediendo la mejoría es notable. Los bailarines principales en escena son Anastasia Raykova y Eugeny Kuchvar.

Durante los dos últimos actos, el público puede ser testigo de momentos realmente bellos, especialmente aquellos protagonizados por la bailarina principal de la compañía. La técnica y coordinación de la pareja principal destacan e incrementan el nivel de la actuación, al igual que gran parte del cuerpo de baile femenino, quienes demuestran talento, trabajo y técnica en varios puntos de la representación, especialmente durante las danzas internacionales y los “pequeños cisnes”, que adquieren gran valor y disfrute del público.

En el escenario, con una escenografía que deja mucho que desear, compuesta por telas pintadas y ya bastante utilizadas, la representación de la obra parece mucho menos profesional de lo que realmente podría ser. Sin embargo, se muestra una gran variedad de vestidos y trajes para los bailarines a lo largo de la actuación, unos mejor que otros, pero generalmente vistosos y delicados.

En cuanto al equipo técnico, la música de Tchaikovsky se vio ligeramente interrumpida en un par de ocasiones, lo que pudo ocasionar el despiste del público en la obra. El cuerpo de luces, sencillo y sin grandes juegos lumínicos, mantuvo a raya el sentimiento y las sensaciones que se desean transmitir. Sin embargo, sí debe ser nombrado el mal uso de la máquina de humo, cuyo sonido y funcionamiento consiguen desmantelar la magia y sensación que dichos momentos requieren.

En definitiva, la representación de El Lago de los Cisnes llevada a cabo por la compañía Classical Russian Ballet podría conseguir un gran éxito en base a gran parte de sus bailarines y el trabajo de éstos, sin embargo, da la sensación que los recursos económicos de los que gozan no son los mejores, lo que da una imagen poco profesional y algo descuidada.

INFORMACIÓN DE LA OBRA

Teatro: Nuevo Apolo

Dirección: Plaza Tirso de Molina, 1

Fechas: del 8 al 19 de mayo

Precio: desde 15 euros

Blanca Ruiz- Crítica

Imaginen los años 80 españoles en plena movida madrileña. El momento en que triunfaban y llenaban las salas de conciertos grupos como Radio Futura, El último de la fila, Nacha Pop o Alaska y los Pegamoides entre otros muchos. Es a esa época a la que pretende trasladar al espectador la obra de “Las Rusas”, dirigida por Darío Facal y que se representa desde el 19 de abril en el Teatro Infanta Isabel.

En ese contexto de cultura y gran variedad musical, dos hermanas intentan hacer de la copla la seña de identidad de su grupo. Lo que no tienen en cuenta es que en la movida había cabida para todo, cuanto más alternativo y rocambolesco mejor, excepto para la copla. Esto les lleva a ser unas artistas de segunda que van a luchar incansablemente para obtener el reconocimiento que creen merecer.

La banda musical la completan un pianista gallego y una rusa. Sí, una rusa que canta copla. Es precisamente a partir de la incorporación de ésta última cuando la historia que narra la función empieza a coger forma. Poco a poco se va descubriendo que esta chica rusa, además de ser prostituta, trafica con órganos y en su tiempo libre canta coplas.

“Las Rusas” es una comedia que habla de artistas frustrados, del miedo al olvido e incluso de aquello que somos capaces de hacer por amor. El guión, escrito por Ana Morgade (que también actúa en la función), logra algo tan imposible como es la combinación entre lo soviético y lo cañí. Dos mundos en principio antagónicos que acabarán entendiéndose y uniendo fuerzas.

Como de toda buena comedia se espera de ésta que las risas y carcajadas se contagien de butaca en butaca. Sin embargo, aunque esto sucede exactamente así no queda la sensación de que sea una comedia brillante. El texto de Morgade combina momentos muy buenos con otros que terminan pasando bastante desapercibidos. En ocasiones uno de los actores se coloca delante de un micrófono situado en una esquina del escenario y ocupa la tarea de narrador, contextualizando el momento y el paso del tiempo. Además de como un elemento de simple relleno esto es algo que llega a descolocar al espectador.

La escenografía tampoco ayuda a comprender la historia. Encima de las tablas hay representadas varios escenarios muy diferentes: desde un bar hasta un dormitorio, pasando por un sitio concreto de una calle cualquiera. El hecho de que no exista ninguna separación física entre los espacios lleva a confundir el lugar dónde se está desarrollando la escena. Tan pronto están tumbados en la cama como jugando a las tragaperras en el bar. La única ayuda con la que cuenta el espectador para situarse es un tenue juego de luces que va variando la iluminación.

A pesar de lo anterior, merece ser destacado el gran trabajo que realizan las tres actrices sobre el escenario. Las copleras son Ana Morgade y Julia de Castro, que representan a Paca y Amparo respectivamente. La tercera en discordia es la que da nombre a la función, la rusa, encarnada por Paula Galimberti. Entre las tres se reparten el peso de la función logrando mantener el interés sobre lo que se está contando. Además, todas ellas se animan con la copla y cada una canta su canción, amenizando en gran medida el ambiente. En esto sobresale por encima de todas la voz de Julia de Castro, cantante a su vez del grupo musical De La Purissima. El reparto de la obra se completa con dos figuras masculinas protagonizadas por Pablo Paz y Rubén Martínez.

En definitiva, “Las Rusas”, sin ser una obra que deje huella tras verla, sí entretiene y divierte. A pesar de sus pequeños fallos es una función dinámica, con muchos giros que intentan que el espectador mantenga la atención sobre el escenario.  Es una buena oportunidad para acercarse a esa otra movida madrileña, a esos otros años 80 y a esos artistas de medio pelo que no fueron tan conocidos por no estar situados en primer plano.

INFORMACIÓN DE LA OBRA:

Teatro: Infanta Isabel

Dirección: c/ Barquillo, 24 (Chueca)

Fechas: desde el 19 de abril

Horarios: viernes a las 22.30h y sábados a las 23.30h.

Blanca Ruiz- Información

Llega mayo al calendario y su entrada trae consigo la renovación de la cartelera teatral madrileña. ¿Qué hay nuevo este mes? Un sinfín de comedias, musicales, dramas, thrillers y conciertos. Pasen y disfruten del teatro.

Teatro de la Abadía

-Miss Knife chante Olivier Py: del 9 al 11 de mayo  a las 21:00h en la sala Juan de la Cruz.

-Juicio a una zorra: hasta el 12 de mayo en la sala José Luis Alonso. De martes a sábado a las 20.00h y domingos a las 19.00h.

-La función por hacer: en cartel del 16 de mayo al 9 de junio. De martes a viernes a las 20:00h, sábado 18 de mayo a las 20:00h y sábados 1 y 8 de junio a las 19:00 y 22:00h, domingos a las 19:00h.

Teatro Bellas Artes

-Poder absoluto: con Emilio Gutiérrez Caba, hasta el próximo 16 de junio. De martes a viernes a las 20.30h, sábados doble función a las 19.30 y 22.00h y domingos a las 19.00h.

-Caperucita Roja: última función el 19 de mayo. Todos los sábados y domingos a las 16:00h.

Teatros del Canal

-El pimiento Verdi: última función el día 12 de mayo en la Sala Verde. De martes a sábado a las 20.30h y los domingos a las 19.00h.

-Ghost Road: días 23, 24 y 25 de mayo en la Sala Verde a las 20.30h.

-Exils: días 17 y 18 de mayo a las 20.30h y día 19 de mayo a las 18.30h. Sala Verde.

-Concierto de Jóvenes Talentos: domingo 19 de mayo a las 12.00h en la Sala Roja.

Teatro Español

-La Chunga: del 25 de abril al 16 de junio en la Sala Principal. De martes a domingo a las 20:00h.

-Los iluminados: en la Sala Pequeña hasta el 12 de mayo. De martes a sábado a las 20.30h y domingos a las 19.30h.

-La Anarquista: de David Mamet. Estreno el 14 de mayo. De Martes a domingo a las 20:30h en la Sala Pequeña.

-Ara Malikian & la orquesta en el tejado: concierto el domingo 26 de mayo a las 12.00 en la Sala Principal.

Naves del Español (Matadero de Madrid)

-Feelgood: hasta el próximo 12 de mayo en la Sala 2. De martes a sábado a las 20.30h y domingos a las 19.30h.

-El gran teatro del mundo: última función el 5 de mayo en la Sala 1. De martes a sábado a las 20.00h y domingos a las 19.00h.

Teatro Valle-Inclán (Centro Dramático Nacional)

-La copla negra: última función el 12 de mayo en la Sala Francisco Nieva. De martes a sábado a las 19.00h y domingos a las 18.00.

-Esperando a Godot: en cartel hasta el 19 de mayo. De martes a sábados a las 20.30h y domingos a las 19.30h.

-Titirimundi: festival de títeres. Del 17 de mayo al 2 de junio.

Teatro María Guerrero (Centro Dramático Nacional)

-La monja alférez: en cartel hasta el 2 de junio. De martes a sábado a las 20.30h y domingos a las 19.30h.

-Arizona: del 14 de mayo al 16 de junio en la sala de la Princesa. De martes a sábado a las 19:00h y domingos a las 18:00h.

Teatro Fernán Gómez

-La mujer por fuerza: una comedia de Tirso de Molina en la Sala Dos. De martes a sábado a las 20.30h y domingos a las 19.30h. Última función el día 12 de mayo.

-La importancia de llamarse Ernesto: en la Sala Guirau hasta el 12 de mayo. De martes a sábado a las 20.00h y domingos a las 19.00h.

-Al dente: estreno el 17 de mayo en la sala Dos. De miércoles a sábado a las 20:30h y domingos a las 19:30h.

-Okún: ballet folclórico de Cuba. Del 15 al 19 de mayo en la Sala Guirau. De miércoles a sábado a las 20:00h y domingo a las 19:00h.

-Pedro Guerra en concierto: el día 24 de mayo a las 21:00h en la Sala Guirau.

Teatro Nuevo Apolo

-Classical Russian Ballet: representación de tres cuentos clásicos del 8 de mayo al 2 de junio

-Frankenstein, un nuevo musical: miércoles y jueves a las 20.30h, viernes y sábados a las 21.30h y domingos  a las 19.30h.

Teatro Cofidís

-Deseo: última función el 19 de mayo. Miércoles y jueves a las 20.30h, viernes y sábados doble función a las 19.00 y 21.30h y domingos a las 19.00h.

-¿Quieres salir conmigo?: segunda temporada de los monólogos de Dani Rovira. Todos los martes a las 20.30h.

-Enrique VIII: en cartel del 23 de mayo al 30 de junio. De miércoles a sábado a las 20:30h y domingos a las 19:00h.

Teatro Galileo

-La tempestad: del 3 de mayo al 2 de junio. De miércoles a sábado a las 20:30h y domingos a las 19:00h.

Teatro La Latina

-El intérprete: con Asier Etxeandía. Última función el 31 de mayo, todos los viernes a las 23.30h.

-Mitad y mitad: hasta el próximo 16 de junio de miércoles a viernes a las 20.30h, sábados doble función a las 19.30 y 22.30h y domingos a las 19.00h.

Teatro Arenal

-Los reyes de la risa: hasta el 30 de mayo. De martes a viernes a las 20.00h, sábado a las 19.00 y 22.30h y domingos a las 17.00 y 19.30h.

-Mejor viuda que mal casada: con Beatriz Rico. Todos los jueves y viernes a las 20.00h, sábados a las 19.00h y domingos a las 18.00h.

Teatro Marquina

-Hombres de 40: a partir del 14 de marzo todos los martes, miércoles y jueves a las 20.00h, viernes y sábados a las 20.00 y 22.30h y domingos a las 19.00h.

-Que no he muerto: estreno el 3 de abril. Lunes a las 20.00 y 22.00 y martes, miércoles y jueves a las 22.15h.

Teatro Fígaro

-El cavernícola: cuarta temporada de los monólogos de Nancho Novo. De miércoles a viernes a las 20.30h, viernes y sábados doble función a las 19.00 y 21.00h y domingos a las 18.00h.

-De par en par: en cartel hasta el próximo 24 de mayo todos los viernes a las 23:00h.

Pequeño teatro Gran Vía

-Espinete no existe: de miércoles a viernes a las 21.00h, sábados a las 19.00 y 21.30h y domingos a las 19.00h.

-Soy un miserable: segunda temporada del espectáculo de Miguel Lago. Todos los domingos a las 21.30h.

-Maldito Naranjito: últimas funciones de la tercera temporada del espectáculo de Iñaki Urrutia. Miércoles, jueves y viernes a las 21.00h, sábados doble función a las 19.30h y 22.00h y domingos a las 19.00h.

Teatro Infanta Isabel

-Lifting: a partir del 20 de marzo. De miércoles a viernes a las 20.30h, sábados a las 19.00 y 21.30h y domingos a las 19.00h.

-Sólala: con Cristina Medina. En cartel hasta el 28 de mayo todos los martes a las 21.00h.

-Las Rusas: de Ana Morgade y Darío Facal. Todos los viernes a las 22:30h y los sábados a las 23:30h.

 Teatro Compac de Gran Vía

-En positivo. Los morancos: hasta el 12 de mayo todos los jueves a las 20.30h, viernes y sábados a las 19.00 y 21.30h y domingos a las 19.00h.

-Martínez que no eres bueno: espectáculo de Dani Martínez. Única función el 21 de mayo a las 21:00h.

-Yes, we Spain is different: espectáculo de Carlos Latre en cartel del 23 de mayo al 2 de junio. Jueves y viernes a las 20.30h, sábados doble función a las 19:00 y 21:00h y domingos a las 18:00h.

JESÚS PEÑAS- Entrevista

Cuca Escribano estrena obra junto con Julia Trujillo, Ana Ruíz, Esperanza Elipe, Mónica Vedia y David Fernández Fabu: “De par en par”, una obra donde se mezclan un velatorio y un cumpleaños con mucho humor. Se trata de una creación de Ileana Simancas, que recogió los monólogos originales escritos por Indira Páez y elaboró una historia alrededor de ellos. La obra original sólo constaba de los monólogos por separado, por lo que tal y como comentaban los actores, la historia se ha ido escribiendo durante los ensayos junto con Ileana Simancas. Cada uno de los personajes tiene una personalidad muy marcada que hará que el público se pueda identificar con alguno de ellos. Una obra de humor con situaciones realmente peculiares.

¿Qué te ha llevado a participar en esta obra?

La inconsciencia. El no saber dónde me metía. Realmente me divirtió mucho leer  los monólogos de Indira Páez y me pareció muy divertido. Leí en internet que tenían mucho éxito, y el elenco me gustaba. Si llego a saber cuánto esfuerzo me quedaba todavía, a lo mejor no lo hago, pero siempre nos metemos en nuevos proyectos por la ilusión.

¿Qué supone mezclar un momento tan feliz como es un cumpleaños y otro tan triste como es un velatorio en la obra?

Pues como estamos dentro del mundo de la ficción, al final ganan más las ganas de festejar que de llorar. No sé en la vida real cómo sería.

¿Qué mensaje se quiere dar al público con esta obra?

Yo creo que una función o una película de cine no tienen que tener un mensaje. Creo que cada uno, dependiendo del momento de su vida en el que esté y su capacidad de comprensión va a tener una lectura u otra. Esta, como todas las obras de teatro, tiene muchas lecturas y muchos mensajes. Es una labor del que comunica y del que la ve.

¿Qué tiene de especial y diferente esta obra?

No creo que tenga nada exclusivo pero sí que es una función muy divertida donde está muy bien mezclada la comedia con el amargor propio también de los procesos vitales de los personajes. Son personajes con alguna tara que irá apareciendo durante la función. Está muy bien mezclada la risa con lo triste, el enfado con el festejo y las canciones con el texto.

¿Qué te aporta a ti esta obra como actriz?

Sobre todo, me ha aportado en el proceso de creación, que ha sido muy largo llegar hasta aquí. Me aporta el cada día subirme a un escenario con estos actores maravillosos que me caen súper bien y les tengo cariño.

¿Qué es lo que más destacarías de toda tu carrera?

Yo creo que cada cosa que he hecho me ha aportado en su día y me ha hecho mejor actriz. A nivel popular hay dos series que me han venido muy bien para trabajar en España y Latinoamérica, que son la “Reina del Sur” y “Sin tetas no hay paraíso”. Pero a nivel actoral, fue un gran disfrute aunque fue un personaje muy pequeño, la película con Antonio Banderas. Cada uno te aporta una cosa. Unos porque me han dado fama y popularidad, me han ayudado a hacer otros personajes, otros porque fue un reencuentro bonito porque yo lo necesitaba, que fue con Antonio banderas, y otros porque el personaje en sí era un bombón al que yo le aporté mucho.

¿Qué importancia crees que tiene pasar por la televisión para un actor?

Ahora mismo mucha. La gente que va al teatro no sigue a los actores como pasa en Londres. Tú puedes tener tu popularidad siendo actor de teatro en Londres, pero eso en España no pasa. Ahora necesitamos una popularidad que da la televisión para llenar taquilla y para que los medios de prensa te tengan en cuenta y te valoren. Es una pena pero es así. Para el teatro es importante.

¿Crees que el teatro está en crisis?

No, pero tampoco creo que el mundo este en crisis. No está en crisis la creatividad, ni el publico porque sigue viniendo. Sí está en crisis la consideración que tiene el gobierno del teatro. Se han vuelto locos, eso sí que puede llevarnos a la crisis. Se quieren cargar el teatro, este gobierno se quiere cargar la cultura. Esto está por encima de ideologías políticas. No hay crisis creativa ni de público. El público sigue viniendo, pero donde antes ibas 4 veces,  ahora vas 3 porque no puedes pagar 24 euros de los que además el gobierno se queda con la mitad.

¿Qué busca el espectador cuando viene al teatro?

Me gustaría decir que emoción, reflexión, y diversión. Pero dadas las circunstancias en las que estamos, la gente últimamente parece que busca más que nada la diversión.  Nos da miedo montar un Shakespeare o un clásico. Está montando mucha comedia y monólogo de risa fácil, que está muy bien,  pero creo que también hay un público que busca emocionarse, busca reflexionar y busca pensar. En esta obra hay una parte muy de diversión y también nos vamos a sentir identificados con los distintos personajes. Cada uno percibe la obra según en el proceso que estás de la vida Si quieres divertirte con esta obra, puedes. Si quieres otra cosa, también lo tienes.

TERESA AÍSA- Reportaje (03/05/2013)

Una de las calles más importantes de la capital española, la famosa Gran Vía madrileña, acoge desde hace muchos años no solo gran parte de los edificios más emblemáticos y conocidos de la ciudad, sino que también acoge un buen número de teatros y antiguas salas de cine, hoy destinadas a la representación teatral y musical. La vía conocida como el “Broadway madrileño” tiene mucha historia, y dentro de ésta un pedacito está dedicado a uno de los teatros con más afluencia de la conocida calle: el teatro Arteria Coliseum.

En el año 1886 se aprobó el proyecto que acabaría aportando a la ciudad de Madrid una de sus señas de identidad: la actual calle Gran Vía. En un principio se trataba de realizar tres tramos diferentes, llamados calle Eduardo Dato, avenida Pi y Margall y avenida de Conde de Peñalver, pero finalmente acabó siendo una sola vía que, en gran medida, era un bulevar. A pesar de que la propuesta se hizo en 1886, hasta el año 1897 no se realizaría el proyecto definitivo y, finalmente, las obras para su construcción no comenzarían hasta el año 1910. Antes de que comenzara la Guerra Civil, durante el poco tiempo que duró la II República española, la Gran Vía pasó a denominarse como la “Avenida de la CNT”, y en 1937 se llamó “Avenida de la Unión Soviética”. Como consecuencia de la dictadura de Franco, la calle pasó a llamarse “Avenida de José Antonio”. Se llamará así hasta que el Tierno Galván, en 1981, decida ponerle de nombre Gran Vía.

Pero años antes, desde el año 1932, el Edificio Coliseum ya estaba en pie en el tercer tramo de la Gran Vía. Todo comenzó como encargo de Jacinto Guerrero, o mejor dicho, el Maestro Guerrero, compositor y autor de operetas, zarzuelas, sainetes y revistas tan conocidas como “La loca juventud”, “Los gavilanes”, “Don Quijote el amargao” o “El huésped del sevillano”. Al mismo tiempo que se inauguraba el edificio, se presentó también el espacio que hoy ocupa el teatro Arteria Coliseum, aunque en su origen éste fue destinado para albergar una sala de cine. Tan solo un año es lo que duró este lugar como cine, pues el Maestro Guerrero finalmente lo transformó en un teatro que acogía tan solo a unos 400 espectadores que, en la mayoría de las veces, acudían a él para ver las propias obras del maestro y de su compañía, las cuales eran todas estrenadas sobre esas tablas. En el año 1951, a la muerte de Guerrero, el edificio y el espacio teatral pasaron a formar parte del patrimonio del hermano de éste, quien lo transformó de nuevo en un cine. Sin embargo, poco volvió a durar el Teatro Coliseum en forma de cine, y en el año 1990, cuando pasó a ser propiedad del empresario D.Bautista Soler, el lugar fue sometido a una profunda reforma que recuperaría en el 2000 su antigua función como teatro, aunque en esta ocasión como uno de los teatros más importantes del panorama musical madrileño.

Desde entonces, desde que comenzara a ser uno de los teatros musicales más famosos de la capital, hoy en día con un total de 1400 localidades, el teatro Arteria Coliseum ha sido testigo y protagonista en más de una ocasión de interminables colas en busca de entradas para las representaciones llevadas a cabo sobre su escenario. Una de las más famosas, el Musical My Fair Lady, permaneció en cartel durante 19 meses, siendo uno de los mejor valorados por el público. Además, otros musicales como Chicago, Mamma Mia, Grease o Sonrísas y Lágrimas (actualmente en cartel), y conciertos como el de Dani Martin, La oreja de Van Gogh, Vanesa Martín, Diana Navarro, María Dolores Pradera, Manu Carrasco o Miguel Bosé, han sido de gran atractivo para el público madrileño y para todos aquellos que, desde más o menos lejos, han recorrido la Gran Vía de Madrid para pisar el gran hall del Teatro Arteria Coliseum, un teatro que nació y creció al son del bullicio y la historia de una de las calles más importantes, famosas, amadas y veneradas de Madrid.