Magaceda Serrano- Crítica

‘La función por hacer’ se despide de la capital madrileña en el Teatro Abadía, es la última oportunidad para poder disfrutar de una de las mejores obras que han pasado por el teatro español. Y no sólo lo digo yo, lo avalan los siete premios que recibió en 2011 en la XIV edición de los Premios Max y cualquiera que acuda a ver esta representación se dará cuenta de su gran nivel, entendiendo que no se haya dejado pasar por alto en el mundo de las artes escénicas.

La función comienza a oscuras y como telón de fondo se escuchan unos gemidos. Se trata de dos enamorados que nos hacen testigos de su pasión. Él es pintor y como tal, ha representado a su amada. Así, desde el primer momento las risas inundan a los espectadores y es que ante semejante retrato no cabe otra cosa que las carcajadas pero, tampoco, ante la simpatía de los personajes que nos hacen partícipes de su historia. De repente cuatro personas irrumpen en el teatro confundiendo al público pues parece que alguien ha llegado tarde a la función. Pero no, no son espectadores, son cuatro personajes que quieren unirse al espectáculo. La actriz, interpretada por Miriam Montilla y el actor, al que da vida Cristóbal Suárez, ven como su representación es interrumpida por cuatro personas que dicen ser personajes de verdad. Los actores no pueden dar crédito a lo que oyen y el espectador tampoco. Tal es la verosimilitud de la escena que parece de verdad que cuatro ‘chiflados’ se han colado en el Teatro Abadía esta tarde. Son cuatro personajes que fueron abandonados por su autor, olvidados en un cajón y que, ahora, se atreven a pisar un escenario, unos para escapar de su historia y otros para volver a vivirla y mostrársela a los demás. Quieren que sus vivencias no queden en el olvido como lo hacen las de aquellos autores que dejan a sus personajes desamparados en medio del camino.

Para los actores esto es una locura y es que ahora, ante sus ojos, se abre una nueva frontera: ¿es el actor el que encarna a un personaje o es al revés,  ¿es el personaje quien llena de vitalidad al actor?

El actor quiere que los personajes cuenten su historia y la actriz, aunque más reticente, finalmente también acabará cautivada por ella, pues estos personajes son como una avalancha que se lleva consigo todo lo que encuentra a su paso. Israel Ejaldre interpreta al hermano mayor, pura palabrería, un hombre que engancha a los actores y al público con su filosofía. Manuela Passo interpreta a su mujer que, perturbada por la muerte de su hijo y la infidelidad de su marido, es la angustia en persona.  Raúl Prieto es el hermano pequeño, un personaje que no quiere participar en la historia por lo que ha hecho, su nerviosismo, su furia y  su agresividad constante nos dejan patente que él no quiere volver a revivir lo sucedido. Y por último, nos encontramos con Teresa Hurtado de Ory que da vida a la mujer de éste pero, sin embargo, ella está locamente enamorada de su cuñado y su pasión es tan desbordante que sería capaz de dejarlo todo por él.

Una trama compleja que se presenta ante dos actores que ven ante ella una oportunidad para llevarla al escenario pero, juntos, comprueban que aunque lo hicieran no tendrían el mismo éxito y rotundidad que estos personajes pues ellos están más vivos que la propia vida.

El atrezo es casi inexistente, un pequeño banco y una silla les sirven a los actores para recrear sus escenas, pero no hace falta nada más. La cercanía con el espectador es constante, el escenario se sitúa a pocos pasos pero, además, los actores se van mezclando entre el público, buscándole con la mirada e, incluso, intentan entablar conversación con él.  Sin duda, la espontaneidad es la esencia de esta función que se aleja de escenas artificiosas. La iluminación es otro de los puntos fuertes, no hay para nada efectos sorprendentes, pero en todo momento sirve de señal para que el espectador encuentre al personaje al que está buscando.

El relato atrapa desde el primer instante al espectador que, ensimismado y fascinado, no puede dejar de prestar atención. La impaciencia por conocer qué es lo que atormenta a cada personaje, la risa constante que inunda al público y la idea de encontrarse ante una ilusión que tiene todas las cualidades para ser realidad, enganchan al público de tal manera que al acabar la función se han quedado con ganas de más. El tiempo pasa rápido en esta obra en la que los aplausos finales no se convierten en una torpeza para el espectador porque, sin duda, no quiere dejar de aplaudir.

Nos encontramos como una obra magistral dirigida por Miguel del Arco que, en compañía de Aitor Tejada, ha desmembrado ‘Seis personajes en busca de un autor’ del reconocido dramaturgo Luigi Pirandello y ha creado una versión que busca la sincronización con el espectador, convirtiéndole en un actor más de la representación, muestra de que la máxima “el teatro está más vivo que nunca” es más cierta aquí que en ninguna otra ocasión. Imprescindible para los amantes del teatro e imprescindible también para los que lo son menos porque ante una obra de tales características, tan sólo quedan ganas de acudir a ver otra función y si está por terminar mejor que mejor.

INFORMACIÓN DE LA OBRA

Teatro: Abadía

Dirección: c/de Fernández de los Ríos, 42

Fechas:del 16 de mayo al 9 de junio

Horarios:de martes a viernes a las 20:00h, sábado 18 de mayo a las 20:00h, sábados 1 y 8 de junio a las 19 y 22:00h y domingos a las 19:00h

TERESA AÍSA- Crítica

La compañía de ballet ruso Classical Russian Ballet se encuentra estos días en la capital, en el Teatro Nuevo Apolo, con la representación del más que famoso Lago de los Cisnes. Desde el día 8 de este mes, los aficionados a la danza clásica han podido asistir a ver esta representación, cuyas afirmaciones del libreto, “las palabras “Ballet Ruso” son simbólicas y garantizan un alto nivel profesional en sus actuaciones”, no hacen realmente honor a la realidad.

Dirigido por Hassan Usmanov y coreografiado por Marius Petisa, la obra se divide en cuatro actos: El jardin del castillo del príncipe Sigfrigo, La orilla del lago, El Gran salón del castillo del príncipe Sigfrido y La orilla del lago. Comenzando algo “flojos”, conforme los minutos pasan y los actos se van sucediendo la mejoría es notable. Los bailarines principales en escena son Anastasia Raykova y Eugeny Kuchvar.

Durante los dos últimos actos, el público puede ser testigo de momentos realmente bellos, especialmente aquellos protagonizados por la bailarina principal de la compañía. La técnica y coordinación de la pareja principal destacan e incrementan el nivel de la actuación, al igual que gran parte del cuerpo de baile femenino, quienes demuestran talento, trabajo y técnica en varios puntos de la representación, especialmente durante las danzas internacionales y los “pequeños cisnes”, que adquieren gran valor y disfrute del público.

En el escenario, con una escenografía que deja mucho que desear, compuesta por telas pintadas y ya bastante utilizadas, la representación de la obra parece mucho menos profesional de lo que realmente podría ser. Sin embargo, se muestra una gran variedad de vestidos y trajes para los bailarines a lo largo de la actuación, unos mejor que otros, pero generalmente vistosos y delicados.

En cuanto al equipo técnico, la música de Tchaikovsky se vio ligeramente interrumpida en un par de ocasiones, lo que pudo ocasionar el despiste del público en la obra. El cuerpo de luces, sencillo y sin grandes juegos lumínicos, mantuvo a raya el sentimiento y las sensaciones que se desean transmitir. Sin embargo, sí debe ser nombrado el mal uso de la máquina de humo, cuyo sonido y funcionamiento consiguen desmantelar la magia y sensación que dichos momentos requieren.

En definitiva, la representación de El Lago de los Cisnes llevada a cabo por la compañía Classical Russian Ballet podría conseguir un gran éxito en base a gran parte de sus bailarines y el trabajo de éstos, sin embargo, da la sensación que los recursos económicos de los que gozan no son los mejores, lo que da una imagen poco profesional y algo descuidada.

INFORMACIÓN DE LA OBRA

Teatro: Nuevo Apolo

Dirección: Plaza Tirso de Molina, 1

Fechas: del 8 al 19 de mayo

Precio: desde 15 euros

Blanca Ruiz- Crítica

Imaginen los años 80 españoles en plena movida madrileña. El momento en que triunfaban y llenaban las salas de conciertos grupos como Radio Futura, El último de la fila, Nacha Pop o Alaska y los Pegamoides entre otros muchos. Es a esa época a la que pretende trasladar al espectador la obra de “Las Rusas”, dirigida por Darío Facal y que se representa desde el 19 de abril en el Teatro Infanta Isabel.

En ese contexto de cultura y gran variedad musical, dos hermanas intentan hacer de la copla la seña de identidad de su grupo. Lo que no tienen en cuenta es que en la movida había cabida para todo, cuanto más alternativo y rocambolesco mejor, excepto para la copla. Esto les lleva a ser unas artistas de segunda que van a luchar incansablemente para obtener el reconocimiento que creen merecer.

La banda musical la completan un pianista gallego y una rusa. Sí, una rusa que canta copla. Es precisamente a partir de la incorporación de ésta última cuando la historia que narra la función empieza a coger forma. Poco a poco se va descubriendo que esta chica rusa, además de ser prostituta, trafica con órganos y en su tiempo libre canta coplas.

“Las Rusas” es una comedia que habla de artistas frustrados, del miedo al olvido e incluso de aquello que somos capaces de hacer por amor. El guión, escrito por Ana Morgade (que también actúa en la función), logra algo tan imposible como es la combinación entre lo soviético y lo cañí. Dos mundos en principio antagónicos que acabarán entendiéndose y uniendo fuerzas.

Como de toda buena comedia se espera de ésta que las risas y carcajadas se contagien de butaca en butaca. Sin embargo, aunque esto sucede exactamente así no queda la sensación de que sea una comedia brillante. El texto de Morgade combina momentos muy buenos con otros que terminan pasando bastante desapercibidos. En ocasiones uno de los actores se coloca delante de un micrófono situado en una esquina del escenario y ocupa la tarea de narrador, contextualizando el momento y el paso del tiempo. Además de como un elemento de simple relleno esto es algo que llega a descolocar al espectador.

La escenografía tampoco ayuda a comprender la historia. Encima de las tablas hay representadas varios escenarios muy diferentes: desde un bar hasta un dormitorio, pasando por un sitio concreto de una calle cualquiera. El hecho de que no exista ninguna separación física entre los espacios lleva a confundir el lugar dónde se está desarrollando la escena. Tan pronto están tumbados en la cama como jugando a las tragaperras en el bar. La única ayuda con la que cuenta el espectador para situarse es un tenue juego de luces que va variando la iluminación.

A pesar de lo anterior, merece ser destacado el gran trabajo que realizan las tres actrices sobre el escenario. Las copleras son Ana Morgade y Julia de Castro, que representan a Paca y Amparo respectivamente. La tercera en discordia es la que da nombre a la función, la rusa, encarnada por Paula Galimberti. Entre las tres se reparten el peso de la función logrando mantener el interés sobre lo que se está contando. Además, todas ellas se animan con la copla y cada una canta su canción, amenizando en gran medida el ambiente. En esto sobresale por encima de todas la voz de Julia de Castro, cantante a su vez del grupo musical De La Purissima. El reparto de la obra se completa con dos figuras masculinas protagonizadas por Pablo Paz y Rubén Martínez.

En definitiva, “Las Rusas”, sin ser una obra que deje huella tras verla, sí entretiene y divierte. A pesar de sus pequeños fallos es una función dinámica, con muchos giros que intentan que el espectador mantenga la atención sobre el escenario.  Es una buena oportunidad para acercarse a esa otra movida madrileña, a esos otros años 80 y a esos artistas de medio pelo que no fueron tan conocidos por no estar situados en primer plano.

INFORMACIÓN DE LA OBRA:

Teatro: Infanta Isabel

Dirección: c/ Barquillo, 24 (Chueca)

Fechas: desde el 19 de abril

Horarios: viernes a las 22.30h y sábados a las 23.30h.

Blanca Ruiz- Información

Llega mayo al calendario y su entrada trae consigo la renovación de la cartelera teatral madrileña. ¿Qué hay nuevo este mes? Un sinfín de comedias, musicales, dramas, thrillers y conciertos. Pasen y disfruten del teatro.

Teatro de la Abadía

-Miss Knife chante Olivier Py: del 9 al 11 de mayo  a las 21:00h en la sala Juan de la Cruz.

-Juicio a una zorra: hasta el 12 de mayo en la sala José Luis Alonso. De martes a sábado a las 20.00h y domingos a las 19.00h.

-La función por hacer: en cartel del 16 de mayo al 9 de junio. De martes a viernes a las 20:00h, sábado 18 de mayo a las 20:00h y sábados 1 y 8 de junio a las 19:00 y 22:00h, domingos a las 19:00h.

Teatro Bellas Artes

-Poder absoluto: con Emilio Gutiérrez Caba, hasta el próximo 16 de junio. De martes a viernes a las 20.30h, sábados doble función a las 19.30 y 22.00h y domingos a las 19.00h.

-Caperucita Roja: última función el 19 de mayo. Todos los sábados y domingos a las 16:00h.

Teatros del Canal

-El pimiento Verdi: última función el día 12 de mayo en la Sala Verde. De martes a sábado a las 20.30h y los domingos a las 19.00h.

-Ghost Road: días 23, 24 y 25 de mayo en la Sala Verde a las 20.30h.

-Exils: días 17 y 18 de mayo a las 20.30h y día 19 de mayo a las 18.30h. Sala Verde.

-Concierto de Jóvenes Talentos: domingo 19 de mayo a las 12.00h en la Sala Roja.

Teatro Español

-La Chunga: del 25 de abril al 16 de junio en la Sala Principal. De martes a domingo a las 20:00h.

-Los iluminados: en la Sala Pequeña hasta el 12 de mayo. De martes a sábado a las 20.30h y domingos a las 19.30h.

-La Anarquista: de David Mamet. Estreno el 14 de mayo. De Martes a domingo a las 20:30h en la Sala Pequeña.

-Ara Malikian & la orquesta en el tejado: concierto el domingo 26 de mayo a las 12.00 en la Sala Principal.

Naves del Español (Matadero de Madrid)

-Feelgood: hasta el próximo 12 de mayo en la Sala 2. De martes a sábado a las 20.30h y domingos a las 19.30h.

-El gran teatro del mundo: última función el 5 de mayo en la Sala 1. De martes a sábado a las 20.00h y domingos a las 19.00h.

Teatro Valle-Inclán (Centro Dramático Nacional)

-La copla negra: última función el 12 de mayo en la Sala Francisco Nieva. De martes a sábado a las 19.00h y domingos a las 18.00.

-Esperando a Godot: en cartel hasta el 19 de mayo. De martes a sábados a las 20.30h y domingos a las 19.30h.

-Titirimundi: festival de títeres. Del 17 de mayo al 2 de junio.

Teatro María Guerrero (Centro Dramático Nacional)

-La monja alférez: en cartel hasta el 2 de junio. De martes a sábado a las 20.30h y domingos a las 19.30h.

-Arizona: del 14 de mayo al 16 de junio en la sala de la Princesa. De martes a sábado a las 19:00h y domingos a las 18:00h.

Teatro Fernán Gómez

-La mujer por fuerza: una comedia de Tirso de Molina en la Sala Dos. De martes a sábado a las 20.30h y domingos a las 19.30h. Última función el día 12 de mayo.

-La importancia de llamarse Ernesto: en la Sala Guirau hasta el 12 de mayo. De martes a sábado a las 20.00h y domingos a las 19.00h.

-Al dente: estreno el 17 de mayo en la sala Dos. De miércoles a sábado a las 20:30h y domingos a las 19:30h.

-Okún: ballet folclórico de Cuba. Del 15 al 19 de mayo en la Sala Guirau. De miércoles a sábado a las 20:00h y domingo a las 19:00h.

-Pedro Guerra en concierto: el día 24 de mayo a las 21:00h en la Sala Guirau.

Teatro Nuevo Apolo

-Classical Russian Ballet: representación de tres cuentos clásicos del 8 de mayo al 2 de junio

-Frankenstein, un nuevo musical: miércoles y jueves a las 20.30h, viernes y sábados a las 21.30h y domingos  a las 19.30h.

Teatro Cofidís

-Deseo: última función el 19 de mayo. Miércoles y jueves a las 20.30h, viernes y sábados doble función a las 19.00 y 21.30h y domingos a las 19.00h.

-¿Quieres salir conmigo?: segunda temporada de los monólogos de Dani Rovira. Todos los martes a las 20.30h.

-Enrique VIII: en cartel del 23 de mayo al 30 de junio. De miércoles a sábado a las 20:30h y domingos a las 19:00h.

Teatro Galileo

-La tempestad: del 3 de mayo al 2 de junio. De miércoles a sábado a las 20:30h y domingos a las 19:00h.

Teatro La Latina

-El intérprete: con Asier Etxeandía. Última función el 31 de mayo, todos los viernes a las 23.30h.

-Mitad y mitad: hasta el próximo 16 de junio de miércoles a viernes a las 20.30h, sábados doble función a las 19.30 y 22.30h y domingos a las 19.00h.

Teatro Arenal

-Los reyes de la risa: hasta el 30 de mayo. De martes a viernes a las 20.00h, sábado a las 19.00 y 22.30h y domingos a las 17.00 y 19.30h.

-Mejor viuda que mal casada: con Beatriz Rico. Todos los jueves y viernes a las 20.00h, sábados a las 19.00h y domingos a las 18.00h.

Teatro Marquina

-Hombres de 40: a partir del 14 de marzo todos los martes, miércoles y jueves a las 20.00h, viernes y sábados a las 20.00 y 22.30h y domingos a las 19.00h.

-Que no he muerto: estreno el 3 de abril. Lunes a las 20.00 y 22.00 y martes, miércoles y jueves a las 22.15h.

Teatro Fígaro

-El cavernícola: cuarta temporada de los monólogos de Nancho Novo. De miércoles a viernes a las 20.30h, viernes y sábados doble función a las 19.00 y 21.00h y domingos a las 18.00h.

-De par en par: en cartel hasta el próximo 24 de mayo todos los viernes a las 23:00h.

Pequeño teatro Gran Vía

-Espinete no existe: de miércoles a viernes a las 21.00h, sábados a las 19.00 y 21.30h y domingos a las 19.00h.

-Soy un miserable: segunda temporada del espectáculo de Miguel Lago. Todos los domingos a las 21.30h.

-Maldito Naranjito: últimas funciones de la tercera temporada del espectáculo de Iñaki Urrutia. Miércoles, jueves y viernes a las 21.00h, sábados doble función a las 19.30h y 22.00h y domingos a las 19.00h.

Teatro Infanta Isabel

-Lifting: a partir del 20 de marzo. De miércoles a viernes a las 20.30h, sábados a las 19.00 y 21.30h y domingos a las 19.00h.

-Sólala: con Cristina Medina. En cartel hasta el 28 de mayo todos los martes a las 21.00h.

-Las Rusas: de Ana Morgade y Darío Facal. Todos los viernes a las 22:30h y los sábados a las 23:30h.

 Teatro Compac de Gran Vía

-En positivo. Los morancos: hasta el 12 de mayo todos los jueves a las 20.30h, viernes y sábados a las 19.00 y 21.30h y domingos a las 19.00h.

-Martínez que no eres bueno: espectáculo de Dani Martínez. Única función el 21 de mayo a las 21:00h.

-Yes, we Spain is different: espectáculo de Carlos Latre en cartel del 23 de mayo al 2 de junio. Jueves y viernes a las 20.30h, sábados doble función a las 19:00 y 21:00h y domingos a las 18:00h.

DAVID REDONDO (@Dr_Redons)-06/05/2013

Quizá la expresión que mejor se ajusta a lo que es ‘Absolutamente comprometidos’ sea la de que se trata de una obra que entretiene. Dicho, además, en el mejor de los sentidos. Una obra de no más de 70 minutos que consigue que el espectador mantenga sus cinco sentidos pendientes de lo que está sucediendo frente a él. Así hasta el final.

Tampoco es una de esas funciones que te harán salir del teatro pensando, comentando mientras cenas lo que has visto, dándole vueltas… ‘Absolutamente comprometidos’ es una comedia –con gran carga de representación de la sociedad a través de estereotipos- que busca entretener y lo consigue. Y no son muchas las obras de teatro que obtienen lo que pretenden. Para que esto suceda es preciso que texto, montaje e interpretación se ajusten perfectamente al ritmo y manera de contar y de expresar que requiere la obra.

Lo logra un lúcido y fresco texto de Becky Mode –autora original. La obra se estrenó en Nueva York en 1999-. Es también efectiva la dirección del argentino Miguel Pittier que ha hecho del dinamismo la piedra angular del montaje.

Todo esto se iría al garete sin un actor que no tuviera la capacidad para tomar el texto y captar la atención del público dando vida a su personaje de una forma totalmente verosímil. Kike Guaza se lleva el gato al agua, al público a su terreno.

La clave de la obra –y la brillantez del texto- residen en los dos personajes que aparecen en escena, pese que el  único actor de la función da vida a un sinfín de ellos que en realidad son dos. Por un lado, Kike Guaza interpreta a Dani Mayer, un actor que se gana la vida trabajando en un restaurante de alta cocina atendiendo reservas por teléfono. Por otro,  Guaza interpreta a más 20 personajes que, a través del teléfono, forman parte de la vida de Dani Mayer de una u otra forma: su jefe, su padre, su hermano, el jefe de sala, el cocinero, su compañero en la central de reservas, el crítico gastronómico, su representante,  los clientes… De ahí que una simplificación nos permita dividir en dos a los personajes que vemos en ‘Absolutamente comprometidos’: Dani Mayer y el personaje de turno tras el teléfono.

El trabajo de Guaza es bueno. Logra dibujar con precisión a Dani Mayer. Un tipo inseguro, que obedece no sólo órdenes, sino también deseos de otros. Es el típico buen chaval incapaz de aceptar una propina ‘extra’ por hacer hueco en el restaurante si un día ya está todo completo –“hoy estamos absolutamente comprometidos ya”- o incapaz de decir que no a algo o alguien, por más injusto que sea lo que le piden. Dani, va soportando estoicamente la mala suerte, el mar humor de unos, las mentiras de los otros… Incluso se le aprecia cierta evolución de carácter.

Dani Mayer no deja ser un personaje típico, sin demasiada profundidad… es un vehículo perfecto para contar la historia. El buen trabajo de Guaza es hacer que nos creamos  este tipo de personaje tan simple y manido que hemos visto en mil películas.

El resto de personajes que van apareciendo al otro lado del teléfono -que Guaza también los interpreta- son tópicos absolutos. Desde un cocinero cubano, pasando por un asistente superdivino gay de una top model, un jefe de sala francés, un compañero de curro que parece Torrente, una catalana adinerada que llama para reservar mesa… A todos les da vida Guaza con gran eficacia y gracia, en un alarde de control sobre el texto, memorizando conversaciones  completas. Un ejercicio que al actor debe resultarle agotador después de cada función.

Cabría reparar en la siguiente reflexión:  si el personaje del chef del restaurante –mostrado como un chulo adinerado  egoísta- lo mostrase como un perfeccionista francés enamorado del arte, también sería igual de efectivo. De válido. O si el pinche de cocina, en lugar de ser el típico cubano, fuera un rumano o un keniata, tampoco desentonaría.

Esa es la ventaja con la que juega Kike Guaza y el texto de la obra. Son multitud de pequeñas interpretaciones exageradas de personajes tópicos. De ahí, que el mérito de Guaza, más que interpretar –pues la exigencia de cada personaje es poca-, reside en la brillante combinación que hace de todos ellos y las suaves y creíbles transiciones en las que pasa de uno a otros. Guaza da argumentos que explican por qué Imanol Arias -productor de la obra- le ha confiado a él capitanear el proyecto cuando bien podría haberlo hecho con alguno de los muchos actores con los que Imanol ha trabajado.

‘Absolutamente comprometidos’ es una obra que, sorprende al principio, divierte después y entretiene al final. Una obra que se representa en el Teatro del Arte, una de esas salas del barrio de Lavapiés en las que se propone una manera distinta de vivir la experiencia del teatro. Sin escenario, sin butacas –con sillas-, cerca del actor, con un austero decorado… Y, sin embargo, sientes que estás respirando teatro cien por cien.

La misma frescura que desprende el Teatro del Arte desde que cruzas la puerta, es la que rodea a ‘Absolutamente comprometidos’. Un concepto diferente. Una comedia alejada del manido recurso del chiste fácil; con estereotipos, sí. Con conversaciones laxas, sí… Pero presentado de una manera distinta y efectista. Aire nuevo que da gusto respirar.

MÁS INFORMACIÓN:

Autora: Becky Mode

Producción: Imanol Arias

Dirección: Miguel Pittier

Dónde: Teatro del Arte (www.teatrodelarte.org)

Cuándo: Viernes a las 22.00 h./ 14 euros

Sábados a las 22.00 h./ 18 euros

JESÚS PEÑAS- Entrevista

Cuca Escribano estrena obra junto con Julia Trujillo, Ana Ruíz, Esperanza Elipe, Mónica Vedia y David Fernández Fabu: “De par en par”, una obra donde se mezclan un velatorio y un cumpleaños con mucho humor. Se trata de una creación de Ileana Simancas, que recogió los monólogos originales escritos por Indira Páez y elaboró una historia alrededor de ellos. La obra original sólo constaba de los monólogos por separado, por lo que tal y como comentaban los actores, la historia se ha ido escribiendo durante los ensayos junto con Ileana Simancas. Cada uno de los personajes tiene una personalidad muy marcada que hará que el público se pueda identificar con alguno de ellos. Una obra de humor con situaciones realmente peculiares.

¿Qué te ha llevado a participar en esta obra?

La inconsciencia. El no saber dónde me metía. Realmente me divirtió mucho leer  los monólogos de Indira Páez y me pareció muy divertido. Leí en internet que tenían mucho éxito, y el elenco me gustaba. Si llego a saber cuánto esfuerzo me quedaba todavía, a lo mejor no lo hago, pero siempre nos metemos en nuevos proyectos por la ilusión.

¿Qué supone mezclar un momento tan feliz como es un cumpleaños y otro tan triste como es un velatorio en la obra?

Pues como estamos dentro del mundo de la ficción, al final ganan más las ganas de festejar que de llorar. No sé en la vida real cómo sería.

¿Qué mensaje se quiere dar al público con esta obra?

Yo creo que una función o una película de cine no tienen que tener un mensaje. Creo que cada uno, dependiendo del momento de su vida en el que esté y su capacidad de comprensión va a tener una lectura u otra. Esta, como todas las obras de teatro, tiene muchas lecturas y muchos mensajes. Es una labor del que comunica y del que la ve.

¿Qué tiene de especial y diferente esta obra?

No creo que tenga nada exclusivo pero sí que es una función muy divertida donde está muy bien mezclada la comedia con el amargor propio también de los procesos vitales de los personajes. Son personajes con alguna tara que irá apareciendo durante la función. Está muy bien mezclada la risa con lo triste, el enfado con el festejo y las canciones con el texto.

¿Qué te aporta a ti esta obra como actriz?

Sobre todo, me ha aportado en el proceso de creación, que ha sido muy largo llegar hasta aquí. Me aporta el cada día subirme a un escenario con estos actores maravillosos que me caen súper bien y les tengo cariño.

¿Qué es lo que más destacarías de toda tu carrera?

Yo creo que cada cosa que he hecho me ha aportado en su día y me ha hecho mejor actriz. A nivel popular hay dos series que me han venido muy bien para trabajar en España y Latinoamérica, que son la “Reina del Sur” y “Sin tetas no hay paraíso”. Pero a nivel actoral, fue un gran disfrute aunque fue un personaje muy pequeño, la película con Antonio Banderas. Cada uno te aporta una cosa. Unos porque me han dado fama y popularidad, me han ayudado a hacer otros personajes, otros porque fue un reencuentro bonito porque yo lo necesitaba, que fue con Antonio banderas, y otros porque el personaje en sí era un bombón al que yo le aporté mucho.

¿Qué importancia crees que tiene pasar por la televisión para un actor?

Ahora mismo mucha. La gente que va al teatro no sigue a los actores como pasa en Londres. Tú puedes tener tu popularidad siendo actor de teatro en Londres, pero eso en España no pasa. Ahora necesitamos una popularidad que da la televisión para llenar taquilla y para que los medios de prensa te tengan en cuenta y te valoren. Es una pena pero es así. Para el teatro es importante.

¿Crees que el teatro está en crisis?

No, pero tampoco creo que el mundo este en crisis. No está en crisis la creatividad, ni el publico porque sigue viniendo. Sí está en crisis la consideración que tiene el gobierno del teatro. Se han vuelto locos, eso sí que puede llevarnos a la crisis. Se quieren cargar el teatro, este gobierno se quiere cargar la cultura. Esto está por encima de ideologías políticas. No hay crisis creativa ni de público. El público sigue viniendo, pero donde antes ibas 4 veces,  ahora vas 3 porque no puedes pagar 24 euros de los que además el gobierno se queda con la mitad.

¿Qué busca el espectador cuando viene al teatro?

Me gustaría decir que emoción, reflexión, y diversión. Pero dadas las circunstancias en las que estamos, la gente últimamente parece que busca más que nada la diversión.  Nos da miedo montar un Shakespeare o un clásico. Está montando mucha comedia y monólogo de risa fácil, que está muy bien,  pero creo que también hay un público que busca emocionarse, busca reflexionar y busca pensar. En esta obra hay una parte muy de diversión y también nos vamos a sentir identificados con los distintos personajes. Cada uno percibe la obra según en el proceso que estás de la vida Si quieres divertirte con esta obra, puedes. Si quieres otra cosa, también lo tienes.

TERESA AÍSA- Reportaje (03/05/2013)

Una de las calles más importantes de la capital española, la famosa Gran Vía madrileña, acoge desde hace muchos años no solo gran parte de los edificios más emblemáticos y conocidos de la ciudad, sino que también acoge un buen número de teatros y antiguas salas de cine, hoy destinadas a la representación teatral y musical. La vía conocida como el “Broadway madrileño” tiene mucha historia, y dentro de ésta un pedacito está dedicado a uno de los teatros con más afluencia de la conocida calle: el teatro Arteria Coliseum.

En el año 1886 se aprobó el proyecto que acabaría aportando a la ciudad de Madrid una de sus señas de identidad: la actual calle Gran Vía. En un principio se trataba de realizar tres tramos diferentes, llamados calle Eduardo Dato, avenida Pi y Margall y avenida de Conde de Peñalver, pero finalmente acabó siendo una sola vía que, en gran medida, era un bulevar. A pesar de que la propuesta se hizo en 1886, hasta el año 1897 no se realizaría el proyecto definitivo y, finalmente, las obras para su construcción no comenzarían hasta el año 1910. Antes de que comenzara la Guerra Civil, durante el poco tiempo que duró la II República española, la Gran Vía pasó a denominarse como la “Avenida de la CNT”, y en 1937 se llamó “Avenida de la Unión Soviética”. Como consecuencia de la dictadura de Franco, la calle pasó a llamarse “Avenida de José Antonio”. Se llamará así hasta que el Tierno Galván, en 1981, decida ponerle de nombre Gran Vía.

Pero años antes, desde el año 1932, el Edificio Coliseum ya estaba en pie en el tercer tramo de la Gran Vía. Todo comenzó como encargo de Jacinto Guerrero, o mejor dicho, el Maestro Guerrero, compositor y autor de operetas, zarzuelas, sainetes y revistas tan conocidas como “La loca juventud”, “Los gavilanes”, “Don Quijote el amargao” o “El huésped del sevillano”. Al mismo tiempo que se inauguraba el edificio, se presentó también el espacio que hoy ocupa el teatro Arteria Coliseum, aunque en su origen éste fue destinado para albergar una sala de cine. Tan solo un año es lo que duró este lugar como cine, pues el Maestro Guerrero finalmente lo transformó en un teatro que acogía tan solo a unos 400 espectadores que, en la mayoría de las veces, acudían a él para ver las propias obras del maestro y de su compañía, las cuales eran todas estrenadas sobre esas tablas. En el año 1951, a la muerte de Guerrero, el edificio y el espacio teatral pasaron a formar parte del patrimonio del hermano de éste, quien lo transformó de nuevo en un cine. Sin embargo, poco volvió a durar el Teatro Coliseum en forma de cine, y en el año 1990, cuando pasó a ser propiedad del empresario D.Bautista Soler, el lugar fue sometido a una profunda reforma que recuperaría en el 2000 su antigua función como teatro, aunque en esta ocasión como uno de los teatros más importantes del panorama musical madrileño.

Desde entonces, desde que comenzara a ser uno de los teatros musicales más famosos de la capital, hoy en día con un total de 1400 localidades, el teatro Arteria Coliseum ha sido testigo y protagonista en más de una ocasión de interminables colas en busca de entradas para las representaciones llevadas a cabo sobre su escenario. Una de las más famosas, el Musical My Fair Lady, permaneció en cartel durante 19 meses, siendo uno de los mejor valorados por el público. Además, otros musicales como Chicago, Mamma Mia, Grease o Sonrísas y Lágrimas (actualmente en cartel), y conciertos como el de Dani Martin, La oreja de Van Gogh, Vanesa Martín, Diana Navarro, María Dolores Pradera, Manu Carrasco o Miguel Bosé, han sido de gran atractivo para el público madrileño y para todos aquellos que, desde más o menos lejos, han recorrido la Gran Vía de Madrid para pisar el gran hall del Teatro Arteria Coliseum, un teatro que nació y creció al son del bullicio y la historia de una de las calles más importantes, famosas, amadas y veneradas de Madrid.

ENTREVISTA A ASUNCIÓN BALAGUER, actriz

DAVID REDONDO (@Dr_Redons)- 29/04/2013

Finalizaba el año 1925.  Los textos del casi reciente premio Nobel de Literatura (1922), Jacinto Benavente, se representaban por todos los rincones de España. Como los de Carlos Arniches, Muñoz Seca o los textos de los Hermanos Álvarez Quintero. También había hueco, y mucho, para la representación del teatro poético de los hermanos Machado. Ya fuera en los principales teatros de la capital o en la plaza del pueblo. Los versos, rimas, sátiras… estaban tanto en la boca de actores y comediantes, como en el saber popular. El saber de un pueblo, el español, analfabeto pero siempre con ánimo para lanzar un olé o para tocar palmas al punteo de una guitarra española. Un pueblo sometido a una dictadura -la de Primo de Rivera- que seguía revelándose contra los asesinos de la libertad y la cultura pariendo artistas, actores, cantaores, músicos y escritores cuyas voces, plumas y mentes mantenían vivo el recuerdo de lo que somos, lo que podemos ser y lo que algunos no quieren que seamos.

En esa España nació Asunción, en la Barcelona de la burguesía floreciente y pudiente. Ese mismo año, en Estados Unidos, se abrían por primera vez unos ojos que iluminarían, junto con su inolvidable sonrisa, la gran pantalla. Eran los ojos de Paul Newman. No en 1925, sino al año siguiente, nacería otro grandioso actor, esta vez en España: Paco Rabal. Él y el teatro terminarían convirtiéndose en los dos mundos de Asunción; de apellido Balaguer.

Ella, a sus 87 años, mira al pasado con una sonrisa porque ha sido feliz gracias a esos dos mundos: el de Paco y el del teatro. A los dos los ha amado con pasión.  “Ha sido una vida muy bonita la que he tenido”, me dice Asunción. Asunción Balaguer supo desde pequeñita que su lugar, para ser feliz, estaba sobre las tablas. Asunción tiene el alma de vivir las vidas de otros. Ese es el duende del actor, el que atrapó a su amado Paco: “Siempre buscando ser mejor, hacer algo mejor. Se metía en trabajos que realmente no le daban mucho dinero o fracasados. Pero él se metía en todo eso si veía que una persona era inteligente y buscaba algo nuevo.” , me cuenta de su fallecido esposo.

El duende del actor. La magia del oficio de los mentirosos que fingen ser quien no son para deleite nuestro. Ese duende que la llevó por todo el país, con su Paco del alma, a representar funciones en cualquier rincón. El duende que la mantiene lúcida, risueña e ilusionada para seguir viviendo la vida de otros.

Entrevistarla a usted es como entrevistar a una actriz de 30 años por la cantidad de trabajos en los que anda inmersa o acaba de participar…

[Risas] Pues sí, no me puedo quejar. Es lo que me da aliento de vida y ganas de cuidarme. Es una suerte.

¿Después de más de 60 años de carrera usted sigue con ganas de seguir en estos ‘fregaos’?

Sí porque es lo que más me ha gustado hacer en la vida. A parte de tener familia. Hacer otras vidas, otros personajes… los actores jugamos a ser otras personas. Y como lo que ocurre no nos pasa de verdad a nosotros, pues lo pasamos bien [sonríe].

Cuando recibe un guion nuevo, un proyecto nuevo… ¿Aún le ilusiona?

Sí. Yo creo que es cuestión de carácter. Que para esto se nace. Es casi una necesidad para mí.

Una necesidad… y ¿cuándo surgió esta necesidad?

Cuando era niña ya jugaba a interpretar, leía poesía… Creo que se nace, aunque hay actores que se han dado cuenta que le gusta ser actor a los 40 años, pero algo llevarían dentro.

Asunción Balaguer, José M. Pemán y Paco Rabal en la representación de 'Edipo'

¿Cómo apareció ese gusto por la interpretación?

Para mí era un mundo nuevo. Mis padres no eran actores, pero yo sentí ese afán de interpretar y de cantar…

Fui a un colegio de monjas hasta que vino la República. Y ahí siempre era yo la que si había que cantar, salía adelante. En el instituto, el profesor de literatura me sacaba a su mesa a recitar poemas. Ahí fue donde ya empecé a hacer representaciones en el teatro de Manresa.

¿Impresiona mucho el escenario?

En esos momentos sí. Cuando no se está acostumbrado, el escenario impresiona. Aunque aún me pasa, cuando tengo que dar el primer paso, me quedo un poco parada. Luego ya… a disfrutar.

Cuando vio que esto le gustaba, ¿dónde se formó usted como actriz?

Yo no pensaba ser actriz, pero fue mi madre que vio que me gustaba el teatro y me llevó al Instituto de Teatro de Barcelona. Ahí comprendí lo que era el teatro. Estudiar textos, los buenos profesores que tuve que me dieron las pautas para saber hablar bien y, sobre todo, aprender con la poesía es muy importante.

Me acaba de decir que en ese instituto aprendió lo que es el teatro, ¿Qué es el teatro para usted, qué ha significado en su vida?

Para mí fue abrirme a un mundo nuevo; conocer toda España y sus gentes, conocer muchos ambientes… El teatro me ha dado mucha vida y mucha ilusión. Cuando era joven vivía para el teatro porque mi diversión era el teatro. Además, en aquella época trabajábamos muchísimo: hacíamos hasta 3 y 4 funciones diarias.

Los actores mayores se quejaban, les molestaban los viajes, las pensiones –no teníamos dinero para hoteles-… pero al salir al escenario se les pasaba. Estaban felices.

Me recuerda un poco todo eso a la película ‘Pájaros de papel’ que muestra la vida de dos cómicos durante la posguerra española…

Sí, exactamente. Y yo salí en esta película también. Pero en el fondo éramos felices. El mundo del teatro es un mundo muy libre. Las primeras mujeres libres estuvieron en el teatro.

En mi época de joven, las mujeres estaban para coser y cocinar, pero en el teatro no era así. María Guerrero era la jefa de su compañía. En el teatro, si la mujer valía más que el hombre, pues valía más. Había gente de todas las clases y todos nos respetábamos y nos queríamos.

¿Ha cambiado mucho el mundillo del actor en estos años?

Hombre, ahora tienen más dinero. En aquella época el actor no tenía ni casa. Como estaban trabajando todo el año, su casa era la maleta y los baúles. Ahora el actor –por lo general- vive bien. Tiene tiempo para disfrutar de su vida, para instruirse… En aquella época del tren al teatro y del teatro a la pensión y otra vez al teatro.

Se aprendía muchísimo porque hacíamos papeles de todas cosas.

Ahora la gente admira a los actores, pero durante un tiempo había cierto estigma sobre el hecho de ser actor, de ser un cómico que le llamaban en aquella época…

Mi familia me apoyó y lo veía bien, pero no era lo normal. Los actores eran considerados de otra clase. En Cataluña no tanto, era más en el resto de España. Yo recuerdo que en el Instituto de Teatro de Barcelona venía gente de dinero y claro, al trabajar éramos todos iguales.

El teatro es un mundo en el que si no vales, no vales.

Asunción Balaguer en 'El Camino'

¿Usted qué consejo le da a los jóvenes con los que ahora se encuentra a la hora de trabajar?

Les digo que sigan aprendiendo, que nunca se termina de saber. Que la experiencia de la vida da mucha sabiduría. Cuando yo era joven, admiraba a los actores mayores por esa facilidad que tenían para hablar, para moverse… Y he descubierto que eso te lo da la vida.

Tampoco hay que encerrarse en este mundillo. Hay que conocer muchos ambientes. El teatro te da la oportunidad de conocer gente sabia, sensible…y gente tonta también.

Fíjese que yo conozco y he entrevistado a bastante de actores jóvenes y no me hablan con tanta pasión de esta profesión como usted. Muchos de ellos, en cambio, tienen ese punto de gustarles salir en medios, ser famosos, tener dinero…

Han subido muy deprisa. De todos ellos quedarán los que de verdad amen la profesión. Ellos mismos se eliminan.

La fama sube y baja. Permanecerán los que amen el oficio porque el foco no te enseña nada. Se creen que porque les saludan por la calle son famosos… No, hay que aprender y estudiar y gozar de tu trabajo. Ser actor no es tan fácil.

Importante también eso que me comentaba, no encerrarse sólo en el ambiente del actor…

Exactamente. Hay que vivir experiencias propias.

Yo estoy muy contenta de haber vivido mi vida con una persona de la que he aprendido muchísimo [Paco Rabal, su marido ya fallecido]. Paco tan pronto trataba con un marqués como con un pordiosero. Aprendía de todos, de la observación, de la vida.

Aprender y observar es fundamental. El actor, normalmente tiene mucha curiosidad de ver como la gente se viste, se peina… El actor copia de la vida.

Por lo que he podido ver y leer y por conforme me habla del mundo, usted ha debido ser una mujer muy libre y muy luchadora…

Sí, ahora me doy cuenta de que he sido muy valiente. Cuando era jovencita me creía que era una piltrafa, no me daba valor. Ahora me estoy valorando. Estoy contenta de mí [Risas].

Juan Echanove me dijo en una entrevista que ser actor, a veces, duele porque se está muy expuesto. Usted ha estado, no hace mucho, haciendo una obra de teatro, un monólogo [‘El tiempo es un sueño’] en el que en cada función ha abierto su vida al espectador…

Sí, he expuesto. Terminaba el monólogo, a veces, llorando. He contado, a grandes rasgos, cómo era de pequeña y cómo me metía en un mundo completamente distinto, pero con alegría.

Siempre he tenido alegría de la vida. He pasado momentos bastante duros, pero los he sobrellevado porque la vida siempre te da sorpresas. Hay que esperar.

Paco decía que había que estar preparado para lo que viniera, para las grandes sorpresas.

¿Qué es lo que aprendió de Paco?

Mucho. Era un hombre luchador, muy respetuoso con todo el mundo, humilde. Y siempre estaba aprendiendo. No tuvo la suerte de poder estudiar, pero aprendió solo.

Asunción Balaguer con Paco Rabal y con la hija de ambos, Teresa Rabal

Y qué gran actor que era Paco Rabal…

Muy gran actor. Yo no le he llegado ni a la mitad. Cuando él hacía un personaje, lo vivía en casa; me hacía el personaje en casa. Lo hacía medio en broma, medio en serio. Cuando hacía de ciego, me iba ciego por la calle. Él lo vivía.

Y era un gran imitador. Calcaba los gestos y lo que decía la gente. Lo mismo te imitaba a Pemán que al fontanero o al frutero de al lado de casa. Venia imitando a Bueñuel, por ejemplo, y cuando yo los conocía me echaba a reír porque eran igual que como los imitaba él.

Eso demuestra que Paco le daba tanta importancia a Buñuel como al pescadero…

Sí. Sí. De todo se aprende. A veces, estaba por ahí con personajes por la noche y me llamaba: “Asunción, ven que me he quedado sin dinero”. Iba y a lo mejor estaba con un ex presidiario. Y me decía: “fíjate qué frase he aprendido de este hombre: ‘te lo juro por mi libertad’”. Y esta frase a usó en ‘Truanes’.

También ha usado muchas veces frases de su tío que era ovejero. Aprendía mucho. Del pueblo se aprende mucho, de su sabiduría.

Usted que ha protagonizado un corto nominado al Goya, ‘Ojos que no ven’, en el que todos los personajes intentan engañar a la abuela ciega… Me ha parecido también una metáfora de la situación política actual en la que hay ojos que no quieren ver y hay quien quiere mantener a los más indefensos en una mentira constante…

Sí, es verdad. Estamos en un momento de gran crisis en todos los sentidos. Al pueblo le quitan la cultura, y eso es quitarle todo; porque no le dejan pensar, le engañan…

¿Cuándo usted escucha que la cultura es cara, que hay que ahorrar… qué piensa?

Me indigno. Estoy indignada y triste. Mi generación, hemos luchado tantísimo… hemos pasado por tantas etapas… y que ahora nos quiten todo por lo que hemos trabajado…

Yo nunca he visto tanto robo, tantos ladrones.

A estas alturas de su vida, de su carrera… ¿qué es lo que le ilusiona?

La observación de la vida y estar con mis compañeros, porque me lo paso muy bien. Y sobre todo trabajar en algo que me gusta.

Y a nivel personal que mi familia esté bien, que estén con un trabajo que les guste. Hoy en día es difícil situarse.

Hay que luchar, moverse. La toalla no hay que tirarla nunca. Es importante.

Ve como usted es una persona luchadora…

No me resigno a que me hagan daño. No. Hay que salir y luchar, hay mil formas en la vida de poder salir adelante, aun en tiempos duros.

Asunción sigue sin parar a sus 87 años. Aquí la vemos en la serie 'Gran Hotel'

DAVID REDONDO (@Dr_Redons)- 26/04/2013

No suelen funcionar bien las adaptaciones. Con cada película que adapta una obra literaria, sobrevuela esa frase fatídica que temen director y guionista: “el libro está mejor”.

‘¡Ay Carmela! Musical’ es una adaptación de una de esas buenas películas que ha dado el cine patrio, que a su vez fue una adaptación de la exitosa obra de teatro de José Sanchís Sinisterra allá por el año 1986. El nombre común a las tres producciones, Andrés Vicente Gómez; uno de esos ‘peces gordos’ de la industria con buen olfato para sacar pasta de cualquier proyecto en el que se embarque que, con el tiempo, uno tiene la sensación de que su mano anda detrás de todo.

Ahora, casi 22 años después de que la versión cinematográfica arrasara con 13 Goyas, llega al teatro Reina Victoria de Madrid esta historia cantada sobre las tablas de un escenario; aunque quizá me excedo a llamarle historia puesto que en ‘¡Ay Carmela! Musical’ contar, contar, lo que es contar… más bien poquito.

Protagonizada por Inma Cuesta (‘Águila Roja’) y Javier Gutiérrez (‘Los Serrano’, ‘Águila Roja’), la representación no se acerca, ni por asomo, a lo que pudimos degustar al ver el filme. Quizá tampoco lo pretenda.

La función dura algo más de dos horas, con 10-15 minutos de descanso. Hasta el intermedio, no se nos cuenta absolutamente nada. Echan mano de parafernalia sonora, visual –se van proyectando imágenes y vídeos de la Guerra Civil sobre el fondo del escenario- y convierten el patio de butacas en parte del espacio escénico. Jugar con el público a través de los protagonistas, pues se trata de una compañía de varietés, podría resultar una buena idea; pero poner a danzar a los actores secundarios que dan vida a los militares a danzar entre las butacas, a dar voces, a cantar… Termina convirtiendo la obra en un espectáculo de patio de vecinos… o de verbena de pueblo. Y no, nos sumerge en ningún show de variedades de la España de los años 30 por más que aparezcan a nuestras espaldas cantando el ‘Ay Carmela’ tres o cuatro soldados.

La segunda parte se vuelve tediosa. Todo lo que ocurre en hora y cuarto final es la detención de Carmela y Paulino, el trato con el teniente italiano fascista para que los dejen libres si actúan delante de la tropa para celebrar la victoria en la batalla, y la actuación.

Es de tal pobreza la capacidad narrativa del texto de la obra, que precisa de la figura de una narradora (interpretada por Marta Ribera). Tampoco mejora la obra si hablamos de la interpretación de los actores, bastante plana. Javier Gutiérrez recuerda –demasiado- a Josico, su personaje en ‘Los Serrano’. Por su lado, Inma Cuesta sale poseída por la gracia y el embrujo andaluz que parece apagarlo y encenderlo con un interruptor, pues tan pronto es del mismo barrio de Triana como que nos deja una vocalización y pronunciación perfectas y exquisitas. Interpretativamente hablando, lo que vemos de Inma Cuesta no es mucho más diferente de lo que ya vimos en ‘La voz dormida’, por ejemplo.

Por último, musicalmente tampoco es un alarde esta producción. Lo más destacable llega con los temas conocidos de ‘Ay Carmela’,  ‘Suspiros de España’ y poco más. Temas que pierden fuerza porque el musical nos lo presenta en la voz de una Inma Cuesta que emula a la Ana Belén de los años 80 en su forma de cantar. Así que, en absoluto nos suena a música de la España de los años 30. Inma Cuesta que entona, mantiene bien el tipo, aunque muestra serias limitaciones para alardear vocalmente en sus intervenciones. Sobre todo al compararse con Marta Ribera, la narradora, que hace gala de un impresionante chorro de voz.

Decepcionante pues esta producción dirigida por un Andrés Lima que, en principio, debía ofrecer todas las garantías de calidad. Sin embargo, el espectáculo, además de arrítmico y tedioso, no dista mucho de parecer un  show de verbena de pueblo.

Con los 26 euros –lo más barato- que cuesta la entrada, les diría que pasen de ir, que se lean el libro…en este caso, la maravillosa película de Carlos Saura. Lo que van a ver sobre las tablas del Reina Victoria es una verbena.

DIRECCIÓN: Andrés Lima

DÓNDE: Teatro Reina Victoria (Madrid)

PRECIO DE ENTRADAS: Desde 26€ a 32€

FUNCIONES: Miércoles, jueves y domingos a las 20:00

viernes y sábados: 18:00 y 21:30

Ana Santos- Entrevista

Cómico, presentador, escritor y actor español; catalán, vasco y aragonés, así es Iñaki Urrutia, polifacético y con unos orígenes cuanto menos peculiares. Actualmente está desarrollando varios proyectos a la vez. Por un lado la radio con el programa Yu de Los 40 Principales; colabora en el programa de televisión Así nos va, que se emite en La Sexta y, finalmente, continúa con la tercera temporada del espectáculo Maldito Naranjito, producido por Aldan Company, con Eduardo Aldán al frente.

En esta ocasión, “Naranjito” se ha trasladado del Teatro Nuevo Alcalá, en el que ha triunfado durante dos temporadas, al Teatro Pequeño Gran Vía.

Dicen que cualquier tiempo pasado fue mejor. Viendo la situación actual hemos podido comprobar que no se equivocaban ¿Qué crees que ha fallado?

Han fallado muchas cosas, yo creo que ha sido un cúmulo de factores. Ha habido gente que se ha confiado mucho, que ha sido muy ingenua y cuando han venido mal dadas se ha encontrado con que no podía pagar lo que debía. Pero por otro lado también ha habido un abuso por parte de los políticos, los vemos todos los días en las noticias y no precisamente por realizar bien su trabajo. Hay de todo en todos los ámbitos pero desde luego para llegar a la crisis actual, han tenido que fallar muchas cosas.

 ¿Cómo definirías la España de los 80?

Muy sencillo, lo resumiría en una palabra: inocente. La España de entonces creía a pies juntillas lo que se le decía. En cambio ahora ya tenemos más experiencia en la “triquiñuelas” que se han ido dando y han conseguido que nos convirtamos en gente más desconfiada, menos inocente.

 ¿En qué aspectos deberíamos de volver a aquellos maravillosos 80?

A esta pregunta te voy a responder desde los ojos del niño que era yo en los 80, un niño que podía jugar en la calle sin que mi madre se preocupase de que me fuera a pasar algo. Era un niño que se manchaba la ropa jugando, cosa que hoy en día se da mucho menos, porque están todos los niños con sus maquinitas y sus móviles de última generación. Los tiempos han cambiado, pero creo que, al menos yo, mantendría la infancia que hemos podido vivir aquellos que nacimos en los años 80.

 Sin embargo consideras que los 80 hicieron mucho daño, ¿por qué?

Cuando afirmo esto lo digo en dos sentidos (risas). Los 80 hicieron mucho daño en cuanto a la estética, aquellas hombreras, los Locomia, etc. Pero en el fondo lo digo con cariño,  porque ha sido una década mítica de la que no hace mucho tiempo; es como cuando nuestros padres hablan de los 60, pues nosotros de los 80. Además me ha permitido llenar los escenarios durante dos años, así que ‘¡Vivan los 80!’ (risas).

 Habéis querido rescatar el personaje de “Naranjito”, ¿por qué él y no otro? ¿De qué otro personaje/serie de la época consideras que se podría formar un espectáculo?

Nos pareció un personaje clave de la época. Esa ilusión que teníamos todos de que el Mundial de Fútbol fuese organizado por España en 1982. Además a partir de este personaje se creó una serie de animación Fútbol en acción que contaba las aventuras de la mascota del Mundial del 82 junto con su novia “Clementina”, su amigo “Citronio”, y el robot “Imarchi”. Creo que para hacer un espectáculo de este tipo, enfocado a los 80 es el personaje idóneo, no considero que haya otro mejor. La alternativa sería un espectáculo basado en otra época diferente.

 ¿Qué serie de televisión y qué película te marcaron en aquella época?

La que más me marcó de pequeño fue “V”, pero del miedo que me daba verla (risas). Me encantaba la idea de vivir en una civilización y convivir con ellos, me marcó muchísimo. Mi película favorita fue Regreso al futuro, con Delorian, ese coche Delorean, aunque el “Coche fantástico” supiera hacer más cosas, mi favorito era el Delorean, de hecho me compraré uno, un día de estos (risas).

 ¿Qué relación se establece entre los que estáis en el escenario y el público?

Se establece una relación muy especial, y tratamos de ser muy participativos, que el público sienta que forma parte de la obra. Realmente, lo que más me gusta cuando trabajo en el teatro es encontrarme con el público, ver sus expresiones, su aceptación, si está siendo buena o mala; la verdad que en el teatro es donde mejor me lo paso. Lo que me ocurre en la radio y en la televisión es que tengo que esperar a que se termine el programa para saber qué le ha parecido a la gente, la sensación es completamente diferente.

 ¿Qué ha significado para ti esta obra, a nivel personal y profesional?

A nivel profesional, todo. Eduardo Aldán quiso confiar en mí para que llevase a cabo este espectáculo que ni yo mismo me veía capacitado a realizar. De hecho, cuando me lo propuso le pregunté varias veces si estaba seguro y el confió plenamente en mí. Es algo de lo que le estaré eternamente agradecido. A nivel personal también ha sido muy importante porque ha tenido muchísimo éxito, ya es el tercer año que está en un teatro, y es para sentirse realizado, la verdad.

 ¿Qué fue lo que te hizo decantarte por el mundo del monólogo? ¿Era algo que te gustaba desde pequeño?

Realmente de pequeño quería ser futbolista, como todos los niños, pero en seguida me di cuenta de que eso no era lo mío, con 6 años concretamente (risas). Luego quería ser químico, aunque nunca he entendido porqué ya que siempre se me ha dado fatal la Ciencia. Ya con 17 años me paré a pensar qué era lo que realmente sabía hacer, reír, y en ese momento decidí dedicarme al humor. Ahora mismo me siento un privilegiado, me ha tocado la lotería porque no todo el mundo puede dedicarse a aquello que más le gusta.

 ¿Has trabajado en teatro, en televisión y en la radio, qué público te resulta más exigente?

El del teatro, sin duda. El contacto es más directo, más agradecido y menos cómodo, porque el público que te ve en televisión y en radio si se cansa de ti puede cambiar de canal, es más desagradecido. En cambio el público del teatro permanece escuchándote hasta el final y puedes notar en sus caras si les está gustando o no, es una relación más especial entre los que estamos sobre el escenario y las personas que están en las butacas.

 ¿Por qué tenemos que venir a ver la obra?

Es una obra muy divertida, ha tenido una gran acogida durante dos años. Realmente el secreto de su éxito lo desconozco, porque puedes hacer mil espectáculos o rodar mil películas y con que llegue alguien y diga “¡Qué bueno es esto!” es suficiente. Pero vamos, en el caso de este espectáculo, la gente sale encantada de teatro y ya es nuestro tercer año, así que os invito a que vengáis a descubrir el secreto.

Si queréis pasar una tarde de lo más divertido recordando los 80, no dudéis en acudir al Teatro Pequeño Gran Vía de miércoles a domingo, con doblete el sábado (a las 19:00 y a las 21:30 horas). Os encantará.