¿Somos europeos? 

POR JAVIER OLIVARES** (@Olivares_Javier).- Firma invitada 

Hace poco, un político (González Pons se llama) dijo que nuestros jóvenes, cuando se van a trabajar fuera del país, a otros lugares de Europa, no iban al extranjero. La razón básica es que si van a Alemania, Francia, Noruega, Dinamarca… no salen de Europa. Y somos europeos. O sea que siguen como en su casa.

Muchos le han dado respuesta tachando sus palabras de cínicas, de justificación del fracaso de nuestras políticas económicas, de edulcorar una terrible (y doble) realidad: la pérdida de nuestro mejor talento y la tristeza de dejar el hogar. Incluso algo peor, en términos económicos y sociales: la inversión que nuestro Estado ha hecho en su educación es aprovechada por otros. Y no se van por placer o por gusto: se van por necesidad.

Siendo ciertas todas esas acusaciones, hay algo en mi opinión más grave que decir de esas palabras: son mentira. Porque Europa no existe. Sí, en los mapas sí: hay un continente que se llama así. Pero no hay una Europa que signifique unidad social y mucho menos cultural.

Como soy guionista y, sobre todo, un ávido espectador de ficción televisiva, hablaré de ello y desde este punto de vista (nunca lo haré desde otro). Porque hablar de lo que no se sabe es de necios. Y de políticos, por lo que se ve.

SERIES QUE NO PODEMOS VER

Las europeas. Salvo excepciones contadas (y tardías y, por lo general por canales digitales) un europeo de España no puede ver series hechas por otros europeos de Gran Bretaña, de Dinamarca, de Francia… No hay un mercado común europeo. Ni una intención de generar un espacio cultural (y social) de la ficción continental. Con el cine pasa lo mismo. Salvo contados ejemplos, no llegan películas de fuera. Y ahora que cierran muchos de los Renoir, menos. Tanto es así que países como Alemania o Francia hacen “semanas” de su cine en nuestra capital. Para que sepamos que existen.

¿No llegan (series y películas) porque no tendrían público? No se sabe, pero lo dudo. Porque las mejores series de los últimos años (salvo Mad Men, Breaking Bad, Game of Thrones, The Good Wife,  Homeland –la primera temporada, la segunda es tan floja que no entraría en esta categoría-…) son europeas. A saber:

-   Les Revenants (Canal Plus, Francia)

-   The Syndicate (BBC, Gran Bretaña)

-   Hit & Miss (Sky Atlantic, Gran Bretaña)

-   Broen (Danmarks Radio + Sverige  TV, Dinamarca y Suecia)

-   Occupation (BBC, Gran Bretaña)

-   White Heat (BBC, Gran Bretaña)

-   Collision (ITV, Gran Bretaña)

-   Engrenages (Canal Plus, Francia), emitida en la BBC como Spiral.

-   Braquo (canal Plus, Francia)

-   Borgen (Danmarks Radio, Dinamarca)

Y otras que pueden parecer a algunos mejores que éstas y que, desde luego, dignas son, como: The Fall (BBC), Broadchurch (ITV), Secret State (Channel Four), Akta Manniskor (Sveriges TV), Line of Duty (BBC)… Y más de una más. ¿Las habéis visto? Yo sí. Para ello he tenido que recurrir a Internet (como cientos de fans han visto Isabel en los EEUU, Latinoamérica o Europa, que me consta).

¿Soy un delincuente? Sí, me acuso de no querer ver la televisión que se me quiere imponer. Y de querer ver las series que se hacen, según González Pons, en mi casa: en Europa. Y que no se emiten por ninguna de las cadenas españolas, salvo excepciones contadas –insisto- como Call the Midwife o Downton Abbey.

PARADOJAS Y DESATINOS

Se llega a situaciones tan curiosas como que llegará antes a España (vía Fox) la versión USA de Broen (The Bridge) que la original. O que se viera antes The Killing que el original danés (Forbrydelsen). O que todo el mundo habla de la americana House of Cards cuando la original inglesa (¡de hace 23 años!) la deja en pañales. Pero las veremos: son americanas. Sin embargo, ninguna de las series premiadas en los últimos BAFTA se han emitido en España. Ni se espera que lo hagan.

El desatino, uno de tantos, es cuando para ser un espectador europeo de productos europeos uno tiene que recurrir a Torrent. Y cuando leyes como la llamada Sinde (guionista que pasará a la historia por la ley, maldición gitana) se hacen para proteger los intereses de la industria USA, que se ha convertido en una de las grandes bases de su economía. ¿Por qué de la nuestra no? Porque cine y televisión generan trabajo, son industria y seña de identidad. Son prestigio. Son marca Europa, pero no de la de los banqueros ni la de los recortes, sino la de la crítica, la muestra de la realidad social, la creatividad literaria y visual de un continente. El nuestro, que no se parece al que debe tener en su mollera González Pons ni tantos políticos (de cualquier signo, por cierto).

PROPUESTAS VARIAS

No vale de nada criticar si no se aportan posibles soluciones (por muy a gusto que te quedes). Ahí van algunas:

1.- Que el asunto audiovisual sea una materia de debate en la UE y los países que la componen, creando una unidad de acción que compita con la industria USA.

2.- Que se facilite (por lo menos a través de los canales estatales) el intercambio de las creaciones de los diversos países europeos.

3.- Que se fomente la coproducción (en nuestro caso no sólo con Europa sino con otros países que hablan nuestro idioma).

4.- Para ello, que nuestras cadenas (públicas y privadas –concesiones estatales al fin y al cabo, que se pueden remover-) unifiquen formatos y abandonen los interminables 70 minutos que impiden la exportación de nuestras series a gran escala.

Así, generaríamos público, inteligencia, industria y marca propia. La de Europa. La española. Las nuestras, vaya.

Todo esto me recuerda a ese chiste en el que dos amigos se encuentran y el primero le dice al segundo: “No sé que me molesta más: la ignorancia o la falta de interés”. Y el segundo responde: “Ni lo sé, ni me importa”. Suponiendo que los personajes del chiste fueran reales, no sé a qué se dedicaría el primero en su vida profesional. Del segundo, no tengo dudas. Es político. Fijo.

** JAVIER OLIVARES es guionista y productor ejecutivo. Creador de la serie de TV3 ‘Infidels y Kubala, Moreno i Manchon’. Director argumental de la serie de TVE, ‘Isabel’. Co-fundador de Cliffhanger, ficción para TV.

1. A dos metros bajo tierra

Es una serie que a menudo pasa desapercibida cuando se habla de las mejores de la historia y sin embargo tiene unas características particulares que la hacen única e irrepetible. El punto de partida es sencillo: Contar la vida de los integrantes de una familia de Los Ángeles (los Fisher) que regentan una funeraria. Virtudes le sobran a la serie: la descripción y evolución de los personajes es fantástica,  la narración no decae en ninguna de las cinco temporadas y las situaciones son tan cotidianas, que el espectador no se siente alejado de las escenas que está viendo en ningún momento. Y estas son algunas de las claves que explican el apoteósico último capítulo, que nadie que haya visto la serie es capaz de olvidar. Confieso que ya he visto esos últimos diez minutos maravillosos unas veinte veces y me sigue emocionando como la primera vez. A dos metros bajo tierra pega un pequeño bajón en la tercera y en la cuarta temporada, pero la quinta (y última) es una de las cosas más extraordinarias que se han hecho en la televisión.

2. Deadwood

Hace ya varios meses que la terminé y cada cierto tiempo y de forma recurrente pienso en lo que la echo de menos. En Deadwood es grande todo: desde unos decorados a la altura de cualquier western de época hasta unos diálogos que los podría firmar el mismo Shakespeare, pasando por un personaje tan perfecto que hasta asusta. Y es que no se entiende Deadwood sin la figura de Al Swearengen: el mejor ejemplo del personaje total, capaz de sostener la serie sobre sus hombros y hacerla más inolvidable aún. La desgracia que arrastra esta serie es que fue cancelada por HBO en su mejor momento, debido a lo cara que resultaba. Las tres temporadas con las que cuenta son insuficientes, pero tan brillantes, que es un auténtico crimen no verlas.

3. The wire

Es la serie sobre la que más me cuesta escribir porque se han dicho tantas cosas y tan buenas que es complicado aportar algo nuevo. Creo que la grandeza que tiene The wire es que todos los personajes están subordinados al –brillantísimo- guion. Y esto hace que la serie no tenga unos protagonistas tan definidos; puedes encontrar que en cada temporada unos personajes  ocupan roles destacados y en otras apenas aparecen. Lo importante es que la calidad no se resiente. Es una serie compleja, rompedora, que te enseña lo mejor y especialmente lo peor de una sociedad (en el caso de The wire es la paradigmática Baltimore). David Simon ha creado un universo tan enrevesado con ella que hasta los supuestos personajes buenos muestran su cara más oscura y los supuestos malos albergan sentimientos honestos. Seguir leyendo sobre ella es perder el tiempo, lo obligatorio es verla.

4. Los Soprano

¿Cómo es posible que simpaticemos con un personaje cruel, despiadado, sanguinario y profundamente narcisista? Es un misterio, pero es lo que ha conseguido Tony Soprano con todos los espectadores que nos hemos atrevido a sumergirnos en el mundo de la mafia italoamericana. Al igual que The wire, es uno de los mejores ejemplos de que hay series que pueden rivalizar con algunas de las mejores películas de todos los tiempos. Creo que la principal virtud de Los Soprano es su facilidad para integrar al espectador en la trama: eres parte de ella, eres compañero de Tony y sus triunfos los saboreas como tuyos y las derrotas te escuecen como a él. Imprescindible.

5. Carnivale

Es una de las series más extrañas que se han hecho en televisión, como he tenido la oportunidad de comprobar recientemente. Carnivale es desconocida para la mayor parte del público y es una lástima porque es extraordinaria, a pesar de su corta duración (solo 2 temporadas). Está ambientada en un circo en el que se mezclan series variopintos en plena década de 1930, tras la Gran Depresión de los 20 en el mundo. Y es terrorífica, Carnivale juega con el espectador como quiere, poniéndole los pelos de punta a voluntad en una fantástica ficción imposible de olvidar.

DAVID REDONDO (@Dr_Redons)-04/06/2013

La serie de periodistas de la cadena de cable americano HBO, The Newsroom, ha lanzado el trailer de su segunda temporada que comenzará a emitirse el próximo 14 de julio. La obra del aclamado guionista Aaron Sorkin terminó su primera temporada con gran acogida por parte de la crítica, recibiendo varias nominaciones a prestigiosos galardones como las dos recibidas (mejor serie y mejor protagonista masculino) en la última edición de los Globos de Oro.

En la primera temporada, ‘The Newsroom’ sorprende por la propuesta que hace al espectador.  Pone sobre la mesa el debate de cuál debe de ser la función del periodista en nuestra sociedad. Lo hace a través de la redacción de uno de los informativos más vistos de EEUU. El actor Jeff Daniels da vida al periodista y presentador del informativo Will McAvoy quien se ha pasado los años dando a su elevada audiencia lo que quieren ver: la última declaración de tal político, el estreno del nuevo iPhone, un perro que nace con dos cabezas… Así hasta que llega a su vida Mackenzie McHale (interpretada por Emily Mortimer) que le hace replantearse -con unos métodos que van de lo solemne a lo ridículo- si no es hora de dar a los ciudadanos la información que necesitan para ser libres. Esto es “descifrar” la verdadera estrategia de muchos partidos y políticos, desvelar quién está detrás de un accidente petrolífero, cuáles son sus verdaderas consecuencias, huir del periodismo promocional que habla de nuevos productos de las multinacionales…

Este nuevo camino tomado por McAvoy, Mackenzie y todo el equipo traerá consigo consecuencias y dificultades a las que tendrán que hacer frente durante los 10 capítulos de la primera temporada. Estos diez capítulos lograron una audiencia media en EEUU de 1.980.000 espectadores por episodio. No son cifras para tirar cohetes, pero entran dentro de una audiencia media de un canal de cable como HBO. Además, el capítulo más visto fue el último, marcando una cifra de 2.300.000.

Es cierto que ‘The Newsroom’ empieza prometiendo más de lo que luego ofrece al espectador. Una serie con un gran reparto – por ejemplo, entre el reparto se encuentra el joven actor británico Dev Patel, protagonista de la oscarizada ‘Slumdog Millonaire’- que, a veces, se ve sometido a situaciones estúpidas en busca de un golpe cómico forzado. Sin embargo, es interesante ver cómo evoluciona The Newsroom en esta segunda temporada. Si mejora, conseguirá hacerse con una tercera.

Lo veremos a partir del 14 de julio… de momentos, tenemos el trailer.

Este es el inicio de ‘The Newsroom’ con un impresionante speech de Will McAvoy. Uno de los mejores momentos que nos ha mostrado la serie

[Atención: spoilers de la octava temporada]

OchoQuinceMagazine.- 23/05/2013

¿Qué nos deja el final de la octava temporada de How I met your mother? Una encrucijada para cada personaje, fundamentalmente. Al igual que ocurrió con Friends, parece que los amigos del MacLaren’s se enfrentarán a las grandes decisiones de su vida justo antes del final de la serie. Así lo demuestra el final de esta temporada que concluye (la octava ya, madre mía), que en los últimos capítulos ha indagado en los sentimientos de sus personajes muy por encima de su aspecto cómico, aunque sin dejar de lado éste.

¿Y por qué están en una encrucijada? Bien, vamos por partes. Primero, la eterna pareja de la serie, Lily y Marshall (con su bebé Marvin, claro), con los preparativos de su viaje a Roma. Por fin parece que… SIGUE LEYENDO AQUÍ

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David Redondo (@Dr_Redons) .- Opinión 10/02/2013

No pasa nada porque se vean los pezones de una actriz. Es una vergüenza que en esta serie sólo salgan tías desnudas. Qué bien ha resuelto el director la escena de sexo. ¡Dios, al actor se le ve el pene! No, yo soy actriz y jamás enseñaría mis partes más íntimas. Como director, prefiero sugerir a mostrar. Somos más papistas que el papa. El cine español es poner a actores a follar.

Pues sí, que una ficción –bien sea serie de televisión o película- muestre escenas de sexo o desnudos siempre trae aparejada cierta controversia, debate o directamente polémica. Un debate en el que entran el público, los críticos, actores, directores, guionistas…  Todos tienen su opinión que defienden con ardor. Nunca nos planteamos debatir sobre la necesidad de las escenas de comidas familiares, de amigos… presentes en casi todas las producciones. Pero el sexo, los desnudos, es otro cantar. Y no creo que yo aquí pueda aportar nada nuevo, más allá de esbozar mi opinión argumentada sobre el tema. Una opinión que, como el propio tema en sí, tendrá detractores, defensores y matizadores.

Esta semana y en especial estos dos últimos días, he mantenido distintas conversaciones sobre el uso de sexo o desnudos en películas o series. Como tal diré que su uso o inclusión no me parece ni cuestionable: el sexo es parte de la vida, el desnudo la versión más natural del ser humano. Por tanto, es estúpido exigir o pretender colocar el sexo al margen de un arte como el cinematográfico que cuenta historias de personas o que interesan a personas.

Ahora bien, partiendo de esa base, para mí el quid de la cuestión reside en cómo se aborda y el objetivo del uso de escenas sexuales o desnudos en una ficción.

Cuando nos sentamos a ver una película o una serie de televisión, nos sentamos a que nos cuenten una historia. Bien para que nos haga reír, llorar, emocionarnos, reflexionar, pasar miedo… Sea como fuere, cada una de las personas que forman parte de esa producción, desde el guionista hasta el cámara pasando por actores o montadores, han trabajado para que tú le des credibilidad a esa historia que te cuentan. Para que, durante 90 minutos, tú pienses que ese señor de la pantalla que hace unos años era gladiador romano ahora es inspector de policía. Y a ese señor le ocurren unos hechos con una serie de personas y eso lleva a que reacciones de una determinada manera provocando que ocurra algo. Y todo ello forma la historia que nos quieren contar. Unas veces desde un punto de vista más artístico, otras desde una mirada más cruda… Y esa es la clave para mí: el cine o las series nos cuentan algo, por tanto, entiendo que sus escenas y sus secuencias deben tener esa misma vocación.

Paz de la Huerta en Boardwalk Empire

El ejemplo de ‘Boardwalk Empire’

La serie americana de HBO, ‘Boardwalk Empire’, es un claro ejemplo de que el sexo y los desnudos son elementos narrativos más y como tal hay que usarlos. En el primer capítulo ya nos presentan a dos personajes femeninos que después tienen bastante recorrido y cuya evolución en la serie va muy acorde a la manera en que los presentan en este capítulo piloto.

Lucy Danziger (Paz de la Huerta) es la amante del capo de Atlantic City, Nucky Thompson. Es su mujer objeto. No sólo está siempre disponible cuando Nucky quiere sexo, sino que ella está ávida: siempre quiere más. Scorsese que filmó el primer capítulo de la serie no tuvo reparos en mostrarnos todos los secretos de este personaje y escenas de sexo salvaje. Paz de la Huerta no sólo sale tiene secuencias desnuda, sino que la cámara se detiene durante varios segundos en su cuerpo desnudo mientras ella mantiene una lasciva expresión en su cara.

Margaret Schroeder, por el contrario, es una puritana. Mujer casada, muy ligada al deber. Temerosa de vivir lo que le gusta. De abrir la puerta a la tentación. Es complicado ver escenas de este personaje sin demasiada ropa. Lo más que nos han dejado ver de este personaje han sido su trasero y parte de sus pechos en una secuencia en la que su partener era, ¿adivinan quién? Sí, Lucy Danzinger. Así que, mientras veíamos desnudarse para probarse un vestido a la casta Margaret, Lucy de repente se abría de piernas para enseñar todo lo que queda por debajo del ombligo. A guarrilla no le va a ganar nadie…

La evolución de ambos personajes en la serie (que no destriparé) es muy comprensible atendiendo a sus personalidades que, con el uso de estas secuencias, bien entiende el espectador desde el primer capítulo. El uso que hacen en ‘Boardwalk Empire’ de desnudos y escenas de sexo es magistral. Narran con un desnudo tanto como con un disparo.

 

Los desnudos made in Spain

Al ejemplo de ‘Boardwalk Empire’ le podemos sumar miles que nos sirvan para analizar el desnudo en el cine o la televisión. Prefiero, no obstante, referirme a algunas producciones recientes de España.

Una buena secuencia, que no sirva para rellenar (y esto en España ocurre con demasiada frecuencia), creo que debe perseguir uno de estos tres objetivos: servir para avanzar en la narración de la historia, dibujarnos a algún personaje o; por qué no, ser bella, artística. Al fin y al cabo, el cine es arte.

Yon González desnudo en 'Mentiras y gordas'

Pienso en la tan controvertida película ‘Mentiras y gordas’ en la que las escenas de sexo y los desnudos copan un buen porcentaje  de sus secuencias. Empieza con un desnudo total de Mario Casas y Yon González corriendo por la playa. Los directores (Menkes y Albacete) podrían haber optado por primeros planos de la cara, puesto que lo que nos querían transmitir era la amistad y complicidad entre esos personajes. Eligieron emplear planos generales, que se vieran bien el culo de los chicos. En la misma película, Ana de Armas mantiene una excitante escena sexual con Hugo Silva en los baños de una discoteca. Aquí los directores optan por primeros planos en los que se aprecian bien los senos de la actriz botando. En la misma línea va todo el filme cuyo gusto por el desnudo innecesario llega a hastiar. Sin embargo, hay una escena que considero bien utilizada: el trío entre los personajes de Yon González, Mario Casas y Elena de Frutos. En esta secuencia, con tocamientos incluidos, el personaje de Mario Casas no puede apartar la vista de su amigo que le excita mucho más que la muchacha. Nico (Yon González) se da cuenta y es así cómo se entera que su amigo de siempre es homosexual y está locamente enamorado de él. Muestra también la represión a la que se ha sometido a sí mismo Tony (Mario Casas). Por tanto, es una secuencia que narra y dibuja personajes.

Trío en 'Mentiras y gordas'

Lo mismo que ocurre en la tan cuestionada en algunos círculos ‘Lucía y el sexo’. El enfoque de la historia de Julio Medem es el tan simple como eso: Lucía y el sexo. Sería una decepción pues que el director para contarnos esa historia evitase mostrar a su actriz totalmente desnuda; o que Paz Vega pretenda protagonizar esta película y tenga reparos en enseñar pubis desnudo al espectador.

Se criticó también que en esta película apareciera una masturbación –con primeros planos-  de Paz Vega a Tristán Ulloa.  Insisto en lo mismo: sirve para trasladar el mensaje que quiere contar el director, para meter al espectador en la historia, para reflejas el gusto por el sexo de los dos personajes, para dotar de un aire lascivo al filme. Un aire que persigue conseguir.

Por el contrario, la película cuyos desnudos no levantaron ninguna polvareda e iba dirigida a un público adolescente fue ‘El juego del ahorcado’. Clara Lago muestra sus encantadores pechos en varias escenas de la película sin venir demasiado a cuento. Lo mismo que ocurre con el personaje de Álvaro Cervantes. ¿Para qué sirvieron esas escenas? Quizá en los números de taquilla haya una explicación.

Paz Vega en 'Lucía y el sexo'

En televisión, se folla (¡ay!, perdón) en todas las series, lógicamente. Pero no todas lo cuentan igual. Era irrisorio y daba vergüenza ajena el uso que se hizo en ‘Toledo’ de los desnudos de sus bellas actrices. Secuencias en las que una joven caminaba por su jardín desnuda, recogía un jarro de agua y se lo echaba por encima. ¿Para qué? Supongo que para atender las necesidades más pueriles de los adolescentes más onanistas.

Ambientada también en la Edad Media tenemos a ‘Isabel’. Una serie en la que cada secuencia tenía un porqué, contaba algo, o definía a un personaje. Curiosamente en ella hemos podido ver el mayor de los cuidados al mostrarnos el primer encuentro sexual entre sus dos protagonistas (la resolución de la escena por la que optó Jordi Frade fue magistral)  y a la vez hemos visto escenas de sexo de otros personajes en las que sus intérpretes aparecen desnudos. ¿Falta de criterio? No, al contrario. En ‘Isabel’ han sabido y querido diferenciar las relaciones sexuales nacidas del amor y de las nacidas de la mera pasión y atracción. Tanto desde el guion como desde la dirección.

Paula Rego en 'Toledo'

Estos ejemplos, el de Boardwalk Empire o los tres mil más que se nos pueden ocurrir a bote pronto son eso: meros ejemplos que he utilizado para intentar arropar mi opinión sobre este tema con argumentos que la explican, aunque no por ello la hacen más válida que otro.

En conclusión, entiendo el sexo y los desnudos en el cine como un elemento narrativo más al servicio del director, de los guionistas, de los actores… No puedo concebir a un director o actor que se niegue a utilizarlos, que piense que es más digno o menos digno grabar una secuencia de una cena familiar que un polvo con otro personaje; como no puedo entender que haya que usar este tipo de elementos porque sí.

Además, tan importante como el decidir que este tipo de escenas formen parte de una película o de una serie es el cómo se filman y el cómo se presentan al espectador: así una secuencia de sexo explícito puede tener tanto sentido como lo tiene otra secuencia en la que un personaje abre la puerta del frigorífico.

 

 

 

David Redondo (@Dr_Redons) .- Crítica 24/01/2013

Acabamos de conocer que la sexta y penúltima temporada de Mad Men ya tiene fecha de emisión en EEUU: 7 de abril. Con la tranquilidad que da el paso del tiempo y el regusto que deja, puede ser este un buen momento para reflexionar sobre lo que nos ha ofrecido la serie en su, hasta la fecha, última entrega.

Matthew Weiner, creador de Mad Men ha comentado en alguna ocasión que no se debe hacer caso a lo que quiera la audiencia: “No se debe escuchar a la audiencia y sus deseos, porque te mentirán. Te dirán que quieren más de X y si se lo das protestarán y dirán: “¿En serio? ¿Eso es todo? ¿Sólo X?”

No ofrecer lo que ya ofreciste y gustó la temporada pasada. Embarcarte en un nuevo reto, ese nuevo reto que supone crear, no repetir, no utilizar en un personaje lo que ya funcionó años atrás en otro. Bajo esa premisa se concibió la quinta temporada de Mad Men y, según su autor, cada una de las cuatro anteriores. Lo que ocurre es que es en esta quinta donde queda más claro.

La quinta temporada de Mad Men narra mucho menos que las pasadas, pero cuenta más, dibuja mejor y es una obra de arte audiovisual. Es pura estética. A pesar de que buena parte de la crítica y fans de la serie se hayan mostrado decepcionados con la nueva entrega. Otros críticos, como Alberto Rey, de El Mundo, opina sobre la quinta temporada que, sin ser la mejor, “tiene tres episodios que a cualquier otra la habrían metido en todos los rankings de lo mejor del año. ‘Far Away Places’, ‘Commisions and Fees’ y, sobre todo, el brutal ‘The Other Woman’ hacen que le perdonemos a Mad Men cualquier cosa”.

En la quinta temporada de Mad Men se nos descubre ese otro lado de los personajes, unos personajes más evolucionados que nunca, con más vértices, más desconcertantes. Unos personajes víctimas de la vida.

Ni a todos les va bien siempre, ni todos hierran de por vida. Weiner también nos deja una quinta temporada en la que nos cuenta que hasta a los menos ambiciosos les seduce el poder cuando están cerca de él, que hasta las peores personas pueden compadecerse de otras y que hasta los más íntegros terminan sucumbiendo al encanto o la necesidad del dinero cuando la vida te lo pone como prueba o tentación.

Eso es lo que vemos en la quinta temporada. Le sucede a una Peggy Olson que, en su fuero interno,  ansía llegar a ser un hombre de éxito; ansía convertirse tanto en Donald Draper que termina odiando a quien más la ayudó en la machista sociedad de los años 60.

En esta quinta temporada, vemos una Peggy a la que, por primera vez, la vida le sonríe. Tanto que, años atrás se hubiera conformado con tener mucho menos de lo que tiene ahora. Sin embargo, para la actual Peggy no es suficiente. Aflora en ella esos sentimientos que tan reprimidos ha mantenido siempre; es una mujer dueña de su vida, que no está dispuesta a dejarse pisar por ningún hombre y para la que el sexo ya no representa algo negativo. Su único problema: que no es feliz.

También conocemos a un nuevo Pete Campbell. Más débil y, paradójicamente, humanamente más miserable. Campbell sigue siendo el excepcional ejecutivo de cuentas de la agencia, el mejor. Los grandes clientes que mantienen en pie el negocio los aporta él. Al igual que Peggy Olson, Campbell hizo del trabajo su prioridad vital y, al igual que Peggy, llega en esta temporada a cotas de éxito, a las que años atrás ni hubiera soñado. Pero Pete tampoco es feliz, su plácida vida familiar no le satisface. Busca más allá, ante nuestros ojos aparece el Pete más humano, el que es capaz de preocuparse por otras personas, el que sufre por amor y por desamor. En cambio, Campbell también se muestra como el más miserable de los hombres cada vez que abre la puerta de su casa, sonríe y besa a su mujer. Es el beso de un hombre  que sabe que ella ya forma parte de su pasado, aunque constantemente le hable de un futuro en común. Los guionistas han desmostrado una elogiosa lucidez al crear dos personajes tan parecidos en su fondo y a los que hemos ido conociendo de una forma tan distinta por la gran diferencia de sus actos.

La quinta temporada de Mad Men -la última emitida- no nos vuelve a ofrecer los grandes logros obtenidos por el brillante Donald Draper. No se detiene en el día a día de la agencia de publicidad. Ese plato ya nos lo puso Weiner en las dos primeras entregas de la serie. Ahora, los guionistas han escarbado en la coraza de cada personaje, han ido más allá, han mostrado la evolución personal que ha provocado el éxito y el fracaso en cualquier ámbito de su vida. Lo han conseguido con cierta brillantez en personajes como los mencionados y con auténtica maestría en otros como en el caso Joan Holloway, a la que vemos, por primera vez como una mujer de sus arrestos  puede también sentir miedo. Y lo han logrado, maravillosamente bien, con Don Draper.

Mantiene su porte, su atractivo, su talento y su arrogancia, pero el Draper de la quinta temporada es, en ocasiones, un tipo encantador. Y esto desconcierta a propios y extraños. Desde su matrimonio con Megan, es un hombre que no sólo puede vivir su nueva vida en el trabajo, sino que también la puede vivir fuera de él. Adiós a su verdadera identidad, Dick Whitman. Ahora no sólo le satisface ser Don Draper por el éxito profesional, sino que su vida personal se ha convertido en el mayor de sus éxitos. Tanto que Draper va anclándose en el conformismo profesional, delega responsabilidades que en otras circunstancias no lo haría, lo que convierte a ‘Sterling, Cooper, Draper & Pryce’ en una agencia sin liderazgo.

Weiner juega con los personajes como si fueran marionetas y con los espectadores como si fueran niños. En la cuarta temporada, el pasado de Draper estuvo más presente que nunca. Los guionistas de la serie pusieron el foco sobre Anna Draper, viuda del auténtico Donald Draper y la única persona que conoce a Dick Whitman y al actual Don Draper. También pudimos ver en esta temporada el lado más humano del protagonista de la serie. Ese que en la quinta ha aflorado por completo. Y, curiosamente, cuando tras cuatro temporadas, parecía que en la quinta ya íbamos a conocer mucho más sobre el misterio que envuelve al pasado de Draper, en la quinta no hay nada que gire en torno a Dick, salvo el hecho de que realmente cumpliera los años 6 meses antes de cuando Don celebra su cumpleaños. Pequeño guiño en una serie que no deja un cabo suelto.

Y si hay algo en lo que destaca la quinta temporada de Mad Men es en su pureza estilística y artística. Todos los episodios, inlcuidos el tercero y último dirigidos por Jon Hamm y Matthew Weiner respectivamente, y en especial los dirigidos por Scott Hornbacher, guardan un nivel estético de grandes dimensiones. Cada secuencia es una bella postal, cada primer plano de un personaje es un estético retrato. En esta última temporada emitida, los directores nos deleitan con una variedad de planos realmente admirable. Convierten las cámaras en plumas que narran historias y en pinceles que dibujan situaciones. La quinta temporada de Mad Men es, sin lugar a dudas, la de mayor nivel artístico. Ni las series más alabadas de este 2012 pueden compararse con Mad Men en este apartado. Ni The Newsroom, ni Downton Abbey, ni tan siquiera Homeland nos ofrecen tal maestría estética.

Es un grado de perfección artística que supera las necesidades de la serie y que no habíamos visto hasta entonces en esta producción. Pero claro, si Weiner nos sirviese la misma comida de siempre en el plato de siempre, dejaríamos de visitar su restaurante. Weiner se supera en el qué y en el cómo. Porque más importante que lo primero es lo segundo. La estética en televisión tiene nombre, se llama Mad Men

Os hemos hecho una selección con las que creemos que son las 9 mejores series de la historia de la televisión española. Para ello hemos tenido en cuenta que sean series no diarias y con más de una temporada.  También hemos considerado no sólo el éxito de audiencia sino lo que supusieron en la televisión y el legado que nos dejaron. Ahora os la presentamos por orden alfabético, pero queremos que entre todas ellas VOTES a la que consideras la mejor serie de la historia de España

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‘Águila Roja’

Años: febrero 2009- en emisión

Temporadas: 4

Episodios: 51

Producción ejecutiva: Hugo Mendiri Villarruvia

Guion: Carmen O. Carbonero

Cadena original: La 1

A pesar de que se ha pasado todo 2012 en la nevera de TVE, ‘Águila Roja’ mantiene las audiencias más altas de las serie que se emiten en la actualidad. Protagonizada por David Janer, Inma Cuesta, Javier Gutíerrez… Ambientada durante el reinado de Felipe IV narra la historia de un maestro de escuela, Gonzalo de Montalvo, que se transforma en Águila Roja para vengar la muerte de su esposa Cristina.

‘Aquí no hay quien viva’

Años: septiembre 2003-julio 2006

Temporadas 5

Episodios 90 + (4 especiales)

Producción ejecutiva José Luis Moreno

Guion: Alberto Caballero y Daniel Deorador

Cadena original Antena 3

Se trata de la sitcom española más vista de la historia de la televisión en nuestro país. Protagonizada por Fernando Tejero, Luis Merlo, María Adánez, José Luis Gil, Gemma Cuervo, Mariví Bilbao… la serie cuenta el día a día de una loca comunidad de vecinos en un céntrico edificio. Historias descabelladas y personajes muy peculiares provocan situaciones hilarantes y surrealistas.

Tras varias temporadas, las negociaciones entre la productora y la cadena se rompieron y Telecinco compró el formato y bautizó el nuevo producto como ‘La que se avecina’.

‘Brigada Central’

Años: noviembre 1989- diciembre 1992

Episodios: 26

Cadena original: TVE

Protagonizada por Imanol Arias y José Manuel Cervino, esta serie narró durante dos temporadas las vicisitudes de una brigada especial de policía de élite que llevaba a cabo investigaciones de alto nivel como el crimen organizado, narcotráfico, etc.

‘Compañeros’

Años: marzo 1998-julio 2002

Temporadas 9

Episodios 121

Producción Alfonso Mardones

Cadena original: Antena 3

Junto con la serie diaria ‘Al salir de clase’ (Telecinco), ‘Compañeros’ inauguró un género de serie dramática española que se terminó convirtiendo en todo un éxito televisivo: la vida y relaciones de jóvenes en el instituto y sus problemas fuera de las paredes del centro. Amistad, alcohol, drogas, problemas familiares… fueron el eje del guion de esta serie donde los profesores tenían tanta presencia como los alumnos. Marcó una época. Protagonizada por Miguel Rellán, Beatriz Carvajal, Antonio Hortelano, Eva Santolaria… Formaron parte del reparto en las primeras 7 temporadas. En las dos últimas, se cambió la pandilla de amigos protagonizada entonces por David Janer, Raúl Arévalo o Fernando Cuesta y se terminó cancelando por baja audiencia.

‘Curro Jiménez’

Años: diciembre 1976-1978

Temporadas: 3

Episodios: 40

Creador: Antonio Larreta

Cadena Original: TVE

Protagonizada por Sancho Gracia en el papel de ‘Curro Jiménez’, por Álvaro de Luna como ‘El Algarrobo’ y Pepe Sancho como ‘El Estudiante’ se ambienta en la sierra de Ronda, en el siglo XIX y narra las aventuras de estos tres bandoleros andaluces. A pesar de ser una serie de tan sólo 3 temporadas, el personaje de Curro Jiménez cobró gran notoriedad entre el público español y fue todo un éxito. La serie se ha ido reponiendo y ha llegado hasta nuestros días.

‘Cuéntame cómo pasó’

Años:  septiembre 2001-en emisión

Temporadas: En emisión la número 14

Episodios 234 + especiales

Productor: Miguel Ángel Bernardeu

Cadena Original

Es la serie española más premiada y valorada en el extranjero. Nació con un reparto sin precedentes: Imanol Arias, Fernando Fernán Gómez, Tony Leblanc, Terele Pávez, Ana Duato, Juan Echanove, María Galiana… Nos cuenta la historia de la familia Alcántara desde los años 60 hasta los 80. Lo hacen a través de una voz en off en la actualidad que va contando lo que era la España de la época y su familia. El que lo cuenta, supuestamente, es el pequeño de la familia, Carlos Alcántara (interpretado por Ricardo Gómez) ya crecido. Pese a que a conocido épocas mejores de audiencia y calidad, la serie mantiene unos cifras de espectadores superiores a los 4 millones y en estos momentos se emite su temporada número 14.

‘Farmacia de guardia’

Años: septiembre 1991-diciembre 1995

Temporadas: 5

Episodios: 169

Producción: Andrés Gandara

Dirección: Antonio Mercero

Cadena original: Antena 3

Comedia española protagonizada por Concha Cuetos y Carlos Larrañaga. Propietarios de una farmacia en la que transcurría toda la acción. El matrimonio formado por ambos -divorciados-, la diferencia entre sus caracteres, los quebraderos de cabeza que les ocasionaban los hijos adolescentes y los singulares clientes y vecinos del barrio, convirtió a esta serie de Antonio Mercero en una de las producciones más queridas por el público español

‘Médico de familia’

Años: septiembre 1995- diciembre 1999

Temporadas: 9

Capítulos: 119

Productor Ejecutivo: Globomedia/ Daniel Écija

Cadena Original: Telecinco

El doctor Nacho Martín (Emilio Aragón) y su familia se coló en todos los hogares españoles. La serie contaba el día a día de este médico de cabecera del centro de salud Ballesol y de su familia. Después de haber perdido a su esposa, tiene que sacar adelante a sus hijos adolescentes con la ayuda de su padre, (Pedro Peña), sus cuñados (Francis Lorenzo, Lidia Bosch), y su empleada doméstica, ‘La Juani’ (Luisa Martín). Las tramas familiares se cruzaban con la rutina y los problemas surgidos en el centro de salud.

’7 vidas’
Años: enero 1999-abril 2006

Temporadas 13

Episodios 204

Producción Nacho G. Velilla

Cadena original Telecinco

Javier Cámara, Amparo Baró, Gonzalo de Castro, Blanca Portillo, Paz Vega… nos mantuvieron durante años pegados a la televisión muertos de risa con esta serie que bajo la firma de Nacho Velilla supuso un nuevo concepto de sitcom en España muy ligadas al modelo americano de series como ‘Friends’ y es que, como esta serie, contaba las aventuras de un grupo de adultos que a la vez de ser vecinos eran amigos y tenían como lugar de reunión sus pisos o el bar de debajo. Fue renovando su reparto aunque siempre supo mantener a sus personajes principales.

Raúl Santana.- Análisis (16/01/2013)

Para los apasionados de series de suspense o terror, hay una serie -si es que todavía no la conocen- que les encantará de principio a fin. Se trata de una de las series revelación de la temporada pasada, ‘American Horror Story’. Esta producción, creada por Ryan Murphy y Brad Falchuk, ha sido recibida con muy buenas críticas que la consideran como un gran producto, y es que llega a ser escalofriante en algunas de sus escenas.

¿Pero que nos ofrece ‘American Horror Story’? Para los amantes del terror esta claro, pero para el resto decir que se trata de una serie que mezcla terror psicológico con dosis de intriga y que juega con el espectador constantemente. Además, cada temporada es tiene principio y final cerrado; por lo que las historias que se desarrollan en cada temporada, son totalmente diferentes. Mientras que en la primera la trama central se desarrollaba en una mansión encantada conocida por ser la casa de los crímenes, la segunda temporada se centra en un antiguo manicomio y sus horribles métodos de tortura.

En España la primera temporada se estrenó en Fox España el 7 de noviembre de 2011. Llegó unos meses después en abierto a Cuatro, -donde pasó sin pena ni gloria- y después de unas emisiones en prime time las posteriores se emitieron en late time o lo que es lo mismo después del horario estelar, casi casi a media noche. La segunda temporada, por ahora, únicamente se ha emitido en televisión por cable y actualmente la están pasando doblada al castellano.

Uno de los puntos fuertes de esta serie es su ambientación y sus actores ya que cuenta con un reparto de excepción. Por ejemplo una de las actrices fijas en su reparto es Jessica Lange; un gran acierto de casting y cuya presencia marca su primer papel regular en televisión. Su trabajo en esta ficción es insuperable y el cambio que ha realizado para pasar de una vecina cotilla a una monja muy estricta, maravilloso. Otro de los actores que aparecen en ambas temporadas es Evan Peters, cuyo rol en la primera tanda de capítulos resulta imprescindible, mientras que en la segunda se convierte en uno de los pacientes del manicomio que más tiene que enseñarnos.

Como ya he comentado, esta producción ha sido uno de los grandes aciertos del año. Tanto es así, que ha obtenido numerosos premios y ha logrado situarse en el top 10 del American Film Institute (institución que elabora una lista con las 10 mejores películas y series del año). Entre los premios, destaca sus nominaciones a los Globos de Oro, incluyendo el premio a mejor serie-Drama y donde Jessica Lange consiguió el Globo de Oro a mejor actriz de Reparto. No menos importante es el Premio Satellite por Serie de televisión que también obtuvo dicha  producción entre otros.

Con este éxito arrollador, el producto de Ryan Murphy ha conseguido renovar por una tercera temporada y ya va dejando pistas al espectador para que intente adivinar dónde, cómo y cuándo será. Hasta ahora, tan sólo sabemos que cambiará la localización -al igual que hizo entre la primera y la segunda- y que algunos actores, como Jessica Lange, volverán a aparecer. Otras de las ideas que se encuentran en la cabeza de Murphy es que la tercera temporada no será tan tétrica como esta última ya que “es imposible que nada sea tan oscuro como el sistema de salud mental de los Estados Unidos”. También ha añadido que “intentaré que la tercera temporada tenga algo más de glamour diabólico”. Y un gran dato con el que el público puede jugar: el décimo capítulo de esta segunda temporada ya hay una pista sobre algo de la tercera.

Sin duda alguna, una serie que no defraudará a los seguidores del género; y ese sector al que no le agrada tanto este tipo de historias quedará inmerso en una trama que le será imposible abandonar una vez dentro.

Música para este reportaje: ‘Cuéntame’, Ana Belén

David Redondo (@Dr_Redons) .- Reportaje 12/01/2013

El verdadero currículum de una persona no está escrito. Es la huella con la que esa persona marca a quienes han compartido trabajo y momentos con ella. Una impronta imborrable.

En un artista, envuelto siempre en un mundo de competición, de falsedad, de hipocresía, de te quieros vacuos, esa marca que deja en las personas es aún mayor. Porque un artista no sólo trabaja con alguien, sino que también trabaja por alguien, por su público. Un artista pone su talento y su vida delante de su público. Marcará a todo aquel que contemple su obra.

Por eso, un buen baremo para medir la grandeza, la brillantez y el talento de un artista es escuchar lo que predican de él aquellos con quienes ha compartido su vida. Laboral y persona, porque en un artista es imposible de separar, por más que ellos se empeñen en hacer la distinción.

Y en esta sociedad de lo inmediato, la sociedad champán en la que todo sube con fuerza, en la que se termina hablando de burbujas, cobra especial importancia no sólo el llegar, sino el permanecer.

El 13 de septiembre de 2001 –hace ya más de 11 años- se metía en los hogares españoles un niño con pelo recortado a tazón, rubio oscuro, cara redondeada y ojos brillantes que bien mostraban que su brillantez iba más allá de su mirada. Esa mirada se perdía por el cristal del balcón de casa. Mientras, una voz en off, la del actor Carlos Hipólito narraba las primeras líneas de la que ha sido la serie más longeva y exitosa de la historia de la televisión española. Ese niño tenía 7 años. Durante años nos ha hecho creer que se llamaba Carlitos, ocultándonos su verdadero nombre, porque a diferencia de la tendencia imperante en la actualidad en los jóvenes actores, lo que supimos de él sólo era lo que se mostraba con cada capítulo de ‘Cuéntame cómo pasó’.

EL GOLDEN BOY

Ese crío de 7 años era Riki en el plató de la serie y Ricardo Parrondo Gómez en los contratos de la productora. Sólo ahí. Para otros, como para el primer director de la serie, el reconocido Tito Fernández, Riki era “el golden boy” (el chico de oro).

Quizá por eso fue él quien más influyó en que Riki terminase dando vida a Carlitos Alcántara, un personaje que es dos años mayor que quien lo interpreta. Tito Fernández se empeñó en que ese papel protagonista de la serie que iba a nacer en Televisión Española -y que las cadenas privadas habían rechazado- debía ser para Ricardo en contra de la opinión de los directores de casting, que lo veían más para interpretar otros personajes infantiles de la serie.

“Muy pocas cosas en la vida hay que sean cuestión de suerte”, me decía Ricardo en una entrevista. Y en su caso lo ha podido comprobar en primera persona.

Ricardo nació un 25 de febrero de 1994. El mismo día –pero de 1873- que lo hizo el que ha pasado a la historia como el mejor tenor de todos los tiempos, Enrico Caruso. 

No tuvo la infancia típica de un niño de un pueblo de Madrid. Su vida siempre ha sido como un aeropuerto en el que llega y parte gente. No siempre han significado algo para él, pero algunas de esas llegadas le han marcado para siempre. Lo mismo que algunas de esas partidas.

El pequeño Riki aprendió pronto lo que era el mundo de la farándula, del artisteo. Su madre, Ana, entregó su juventud al baile. Trabajó en los mejores teatros de este país como coreógrafa, para importantes productores y también en el extranjero. Por eso no era descabellado ver al pequeño Riki entre las butacas de un teatro, entre los bastidores, subido encima del escenario cuando todo estaba cerrado.

Pero siempre con la mirada brillante y con una gran sonrisa.

Desde pequeño aprendió a convivir con la soledad como compañera. Pero como en Ricardo siempre hay una sonrisa dibujada en su cara, esos momentos de soledad no eran más que la transición entre los buenos momentos, que siempre han  sido lo importante.

Con unos 5 años, debutó como actor. Lo hizo encima de las tablas del Teatro Lope de Vega, por el que guarda un gran afecto. A Ricardo le encanta pasar por delante del número 10 de la calle Isabel La Católica de Madrid. Ahí está el acceso trasero de este teatro que, en la actualidad, acoge producciones tan importantes como el musical de El Rey León o Los Miserables. Siempre que pasa por ahí, mira hacia la gris fachada y cuenta que ahí se salía él con muchos de los técnicos del teatro. Era lo que hacía cuando daba vida a Chip, la tacita, en el musical ‘La Bella y la Bestia’.

De esta época guarda con mucho cariño las fotos en las que sale con un grande de la escena española, Paco Valladares. Paco llamaba a Ricardo “nieto” y Ricardo a él “abuelo”.

Y es posible que, sin correr la misma sangre por sus venas, Paco haya sido el gran abuelo de Ricardo.

Porque esa es otra de las constantes en la vida de este chico: ha conseguido que su familia también la formen personas que el destino ha puesto en su vida y no la biología. Eso sólo es posible cuando se tiene un gran corazón, una gran sonrisa y cuando se es una persona que extiende su mano.

UNA INFANCIA EN EL PLATÓ

Finalmente, Tito Fernández consiguió que el número 3 de ‘Cuéntame’ fuera para Ricardo, “el Golden Boy”. En importancia en la serie sólo dos nombres: Imanol Arias y Ana Duato. El pequeño se colaba por encima de todos los demás.

Juan Echanove, otro de los grandes actores que ha dado este país y del cual Ricardo aprende cada día, me contaba hace un año: “El potencial fundamental de Ricardo como actor es la verdad. Tito Fernández decía de Ricardo que era como Manolete. Al igual que éste tenía ese desparpajo para ponerse delante de un toro, esa falta de respeto a la muerte… de la misma manera Ricardo tenía desde niño una falta de respeto frente al plano, frente al acontecimiento cinematográfico. Eso y gracias a que es una excelente persona han propiciado un estilo muy propio y muy único.”

Año tras año, temporada tras temporada, Ricardo fue ganándose, no sólo el respeto sino la admiración de quienes trabajaban junto a él.

Para el pequeño Riki, las largas jornadas de grabación, eran un juego divertido. Se dedicaba a sacar a todo el mundo de quicio. En especial a María Galiana y a Fernando Fernán Gómez. Pero hasta de las reprimendas de los actores más veteranos aprendía este niño prodigio:

“El primer dí­a de rodaje me enfadé con él [con Fernando Fernán Gómez] porque estábamos grabando en el aula del colegio y a mí­ se me cayó el bolí­grafo entre toma y toma. Me levanté a recogerlo y me pegó tal grito que me descolocó. Me dijo algo así­ como: ‘¡Estate quieto y deja de moverte, estás trabajando!’ Más tarde mejoró nuestra relación, era un gran tipo. Ahora entiendo su grito y me alegro de que me lo diera.” Cuenta el propio Ricardo.

La vida de Ricardo era un juego continuo que tenía tres localizaciones principales: la escuela, el plató y su casa. Esto le apartaba un poco del resto, no por su carácter, sino por sus circunstancias.

Con tan sólo 12 años volvió a subirse a un escenario. Esta vez dirigido por Blanca Portillo en la obra ‘Siglo XX… que estás en los cielos’.

Dos años antes, con sólo 10, se produjo su primera –y hasta la fecha la única- incursión en el cine. Fue en la película del oscarizado cineasta español José Luis Garci, ‘Tío vivo 1950′. Su aparición en el filme fue testimonial, pero lo que Ricardo siempre recordará de esto es ver esa estatuilla dorada. Ese Oscar con el que siempre soñará este chico y que quizá, por qué no, un día consiga.

En ese 2004 pasó de nuevo por delante de una cámara de cine, pero más ‘pequeñita’ porque rodó el cortometraje ‘Heroes de Verdad’, de María Rodríguez.

No sería el único cortometraje de Ricardo. Aunque no sea fácil encontrarlo – ya saben que los representantes de actores moldean el curriculum de sus representados a su pleno interés-, en 2009 Ricardo protagonizó el corto: ‘Cosas de críos’. Estaba tan ilusionado con el personaje, un adolescente frío, calculador y malvado, que aceptó el proyecto sin cobrar ni un euro cuando ya era el crío más famoso de España.

Algún trabajo más hizo Ricardo en estos años que tampoco encontraremos en el currículum oficial que ofrece su agencia. Quizá sea uno de los grandes cambios que haya sufrido con la llegada de la madurez: Riki siempre estuvo orgulloso de todos los proyectos en los que había participado. Siempre hablaba de ellos. Y siempre estuvo dispuesto a hacerlo gratis si el proyecto realmente le gustaba.

EL NIÑO SE HIZO MAYOR

En 2009 el pequeño Riki cumplía 15 años. Seguía siendo un niño: “Ahora después tengo entrenamiento con el Villalba. Este año creo que se nos va a dar bien la liga porque tenemos buen equipo. Yo juego de delantero o por la banda derecha.” Me decía en una entrevista en septiembre de ese año. Él mismo se definía así: “Soy un chico normal, pero con una excepción. La excepción que yo tengo es que llevo trabajando desde hace 8 años en una serie de televisión bastante exitosa. Pero yo siempre intento que esa excepción sea lo más normal posible. Intento llevarme esa excepción a mi mundo que va todo los dí­as al instituto, que sale con sus amigos…yo no soy un chico sobrado por salir en una serie de éxito”.

Era la primera vez que tenía ante mí a este niño prodigio y, si hubo una cosa que me quedó clara en ese momento, es que este crío, si algo no tenía es que fuese un chico normal.

Asombraba la madurez de sus palabras. Sinceras palabas. Una de las frases que me dijo se me repitió en la cabeza después de la entrevista: “Soy respetuoso con las personas mayores y con las que se merecen mi respeto”

Este niño de 15 años que tanto dinero había ganado ya en su vida, que todo el mundo reconocía por la calle, que en dos semanas iría a recoger a Nueva York el Premio al Mejor Actor de la Organización Hispana de Actores Latinos –esto sí se recoge en su currículum oficial, otros premios no-, ya entendía que el respeto a una persona no lo marca el quién eres, sino el quien se lo gana, el quien se hace merecedor de él.

Fue ese año en el que este niño prodigio se fue deshaciendo de su placenta protectora y empezó a entender que su trabajo ya no era un juego: “Me he propuesto hacer una de mis mejores temporadas como actor”. Y lo consiguió. En ninguna temporada de las 13 emitidas de ‘Cuéntame’, Ricardo ha brillado igual.

Se marcó un reto y estuvo a la altura.

Sin embargo, la mejor interpretación de Ricardo llegaría, como no, encima de las tablas de un escenario. A finales de diciembre de 2009 y durante mayo de 2010, Ricardo daba vida cada día a Momó, un adolescente de origen musulmán que protagonizaba la obra ‘El Señor Ibrahim y las flores del Corán’. A su lado, Juan Margallo, otro de esos grandes de este oficio que llegaron a la vida de Ricardo para demostrarle y enseñarle que no hay premio más grande que el volver a casa pensando que hoy sí que he hecho un buen trabajo.

LOS AÑOS DE LAS DUDAS DEL NIÑO PRODIGIO

Cuando muchas compañeras de instituto de Ricardo empezaban a forrar las carpetas con las nuevas caras juveniles de la televisión que aparecían en la serie ‘Física o química’, él ya llevaba 8 años protagonizando una serie que estos nuevos rostros jamás soñarían ni siquiera aparecer en ella.

Ricardo empezó a ver el concepto de éxito de su mundillo en particular y del mundo en general.

Comenzó a tomar contacto con los ‘profesionales’  que circundan a la interpretación: periodistas, representantes, publicistas, organizadores de eventos…

Con 16 años no entendía cómo chicos de una edad similar a la suya, que acababan de llegar, en menos de dos años ya tenían firmados proyectos por todos lados.

Por momentos dudaba si seguir siendo el mismo de siempre o ser como ellos.

Moría de rabia cuando tuvo que rechazar algún proyecto cinematográfico por seguir en ‘su’ serie. Sólo él sabe lo que ha tenido que sacrificar para seguir dando vida a Carlos Alcántara y las lágrimas de rabia que le ha provocado.

Por eso, esas dudas siempre se disipaban cuando le llegaba el primer guion de la temporada de su serie. Lo abría ávido de curiosidad, otra de las grandes virtudes de Ricardo: le interesa todo, su curiosidad sólo está a la altura de sus ganas de sonreír continuamente.

Cuando Ricardo recibía ese primer guion se sentía el actor más afortunado del mundo. Era ese sentimiento que bien plasmó en un artículo que escribió y que puso por título: ‘Qué tontos somos a veces’. En él Ricardo escribía: “Qué importante es en esta vida que cada uno siga sus propias convicciones y qué difícil es seguirlas en cada decisión que se toma”

Desde 2010, Ricardo comprendió que esta vida es una cuestión de decisiones… y lo que es peor: que toda decisión tiene una consecuencia.

La vida también le ha enseñado que es un tipo afortunado. Lo ha aprendido también con dolor. El dolor de ver como se aplazaba sin fecha una producción internacional que él protagonizaría.

El dolor de ver cómo personas en las que él confiaba valoraban, por encima de todo, el dinero. Y el dolor de perder a personas que tan importantes han sido en su vida. Ricardo aprendió en estos años que la muerte forma parte de la vida y que el dolor forma parte de la alegría.

TALENTO Y BRILLANTEZ

A pocos días de cumplir 19 años, con un gran currículum, feliz, con dudas –como todos-, con proyectos sobre la mesa y con personas a su lado que lo quieren y se lo demuestran, si algo tiene este niño prodigio es futuro.

El futuro al que no puede escapar. El futuro que le asegura ese talento innato y su brillantez.

“Nunca me he encontrado un tío tan selectivo como Ricardo Gómez, no le vale cualquier cosa. Es muy cabrón: el tío es una esponja, pero luego en casa la exprime, tira el zumo en un vaso, lo mira, lo analiza, ve si le vale o si no y vuelve al rodaje al día siguiente con la esponja seca para impregnarla otra vez. El tío cabrón es un científico de esto.” Dice de él Juan Echanove.

A Ricardo siempre le ha costado darse cuenta de algo que canta a simple vista. Que él no es una tipo normal.

Creía ser un niño normal cuando Tito Fernández comenzó a llamarle ‘Niño de Oro’. Creyó ser un niño normal cuando actores y actrices del más reconocido prestigio y carrera se acercaban a él para enseñarle, para explicarle. Convencidos de que seguro que sus palabras eran la semilla perfecta para que creciesen dentro del espíritu tan fértil de Ricardo.

Creyó ser normal, uno más, cada vez que recibía a un nuevo compañero de rodaje, aunque estos siempre quedasen sorprendidos de los fácil que es rodar con él.

Alguien normal ha creído siempre que es en las entrevistas, pese a que a muchos periodistas, acostumbrados a tratar con divismos de artistas carentes de talento, han salido asombrados de su carácter.

Sigue creyendo ser un tipo normal incluso a la hora de tomar decisiones en su carrera que hasta no hace mucho tomaban otras personas por él. Sigue creyéndose una persona y un actor tan normal que aún mantiene las dudas internas de que tal vez lo mejor fuera hacer lo que hacen quienes van por la vida pensando que son especiales y a quienes el éxito de la fama los acompaña… de manera efímera.

Sigue creyendo que es un tipo normal, cuando no lo es. Ricardo Gómez es puro talento. Es brillante. Tanto que necesita tener ante sí un reto, que le asuste, para dar todo lo que lleva dentro. Tanto que la gran serie de la historia de nuestro país se le ha quedado pequeña. Se ha convertido en un auténtico profesional que intenta no perderse ni una sola reunión de lectura de guion, que trata de dotarle de unos matices a su personaje que los propios guionistas no han sabido darle. Que disfruta, como el niño que nunca ha dejado de ser, cada vez que ha de grabar esa secuencia que le aparte de la monótona trama de su personaje y le permite medirse como actor con profesionales de la talla de Imanol Arias.

Este chico, Ricardo Gómez, es el niño prodigio de la escena española de nuestros tiempos. Más de doce años de carrera con menos de 19 son números que hablan por sí solos.

Es un chico tan distinto a todos y tan brillante que siempre consigue dejarte sin palabras. “La conclusión que he llegado es que el tiempo pasa deprisa, pero de vez en cuando nos permite detenernos a saborear los momentos. Y es que la vida es básicamente eso, momentos. Y si en esos momentos puedes estar acompañado siempre de tu gente, mejor”, escribió Ricardo en el décimo aniversario de ‘Cuéntame’.

Sólo un tipo como él es capaz de escribir sobre las personas y los momentos que le hacen feliz, cuando vive en medio de un mundo en el que los flashes, el dinero, los intereses de terceros… lo único que intentan es cegarle. Sólo alguien brillante es capaz de mirar más allá y quedarse con aquello que le hace realmente feliz.

Sólo él sabe lo que le costó llegar y lo que le ha costado mantenerse arriba del todo. Quizá algún día termine entendiendo por qué siempre lo llamaron ‘el Golden Boy’ y por qué todos los que le conocen lo consideran diferente al resto.

Redacción.- 10/01/2013

Lo mejor Esta serie de artículos llevan la firma del actor Ricardo Gómez, protagonista de la serie ‘Cuéntame cómo pasó’. En ellos Ricardo habla de su serie, de la profesión, de los grandes profesionales que hay detrás de las cámaras en cada producción audiovisual. Lo hace con sinceridad y con la espontaneidad de un joven que lleva más de 11 años protagonizando la serie más vista y premiada de este país.

Estos artículos los fuimos publicando durante la emisión de la pasada temporada de ‘Cuéntame cómo pasó’. Hoy que da comienzo la nueva temporada (desde las 22:15 en La 1 de TVE), se convierten en unos textos de obligada lectura.

• Contando mi ‘Cuéntame’, por Ricardo Gómez: ¿Estudias o trabajas?

• Contando mi ‘Cuéntame’, por Ricardo Gómez: regalos que son momentos y personas

•  Contando mi ‘Cuéntame’, por Ricardo Gómez: Sexo en ‘Cuéntame’

• Contando mi ‘Cuéntame’, por Ricardo Gómez: “A veces se recorta de donde no se debe…”

• Contando mi ‘Cuéntame’, por Ricardo Gómez: quiero hablar de los atrezzistas

• Contando mi ‘Cuéntame’, por Ricardo Gómez: “Me gusta sonreí­r”

• Contando mi ‘Cuéntame’, por Ricardo Gómez: “Qué estúpidos somos a veces”

• Los 10 años de ‘Cuéntame’, mis 10 años. Por Ricardo Gómez, actor.

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