Marta Semitiel (@MartaSemitiel).- Reportaje (20/02/2013)

Un 49 por ciento de los jóvenes entre 15 y 25 años que se declaran gays, lesbianas o bixesuales, confiesan haber sido víctimas de un acoso escolar homofóbico diario. En el 11 por ciento de los casos, el acoso lo realiza un profesor. El 43 por ciento de estos jóvenes dice haberse planteado el suicidio. Son los datos de un estudio realizado por el Colegio Oficial de Psicólogos de Madrid en noviembre de 2012. Son las consecuencias más inmediatas de la ausencia de educación sexual en los centros escolares.

¿Qué medidas se adoptan para anular estos acosos? ¿Cómo hacer que la educación sexual llegue a las aulas? La violencia psíquica y física por causas homofóbicas en el ámbito educativo está ligada a toda la materia que se imparte en los centros. Hasta hace poco, la única asignatura que ofertaba a los alumnos la posibilidad de obtener una educación sexual era Educación para la Ciudadanía y los Derechos Humanos. Sin embargo, la reforma educativa del Ministro de Educación, José Ignacio Wert, ha expirado toda posibilidad de acercamiento entre los jóvenes y su educación sexual.

Un repaso por la legislación española recuerda cómo se produjo, poco a poco, la apertura a estos contenidos educativos: la LOGSE de 1990 inició en los centros escolares la educación sexual, afectiva y reproductiva, y la LOE de 2006 materializó esta educación en Educación para la Ciudadanía y los Derechos Humanos. Dieciséis años se tardó en establecer el Real Decreto 1631/2006, que aprobaba impartir una asignatura cuyo objetivo era “favorecer el desarrollo de personas libres e íntegras a través de la consolidación de la autoestima, la dignidad personal, la libertad y la responsabilidad y la formación de futuros ciudadanos con criterio propio, respetuosos, participativos y solidarios, que conozcan sus derechos, asuman sus deberes y desarrollen hábitos cívicos para que puedan ejercer la ciudadanía de forma eficaz y responsable”. Pero la reciente LOMCE de 2012 ha eliminado esta asignatura de los programas escolares.

Padres y profesores coinciden en que definir sexualidad no es fácil. La mayoría de centros de educación secundaria se sirven de terceros para ofrecer a sus alumnos información sobre sexualidad. El profesorado queda relegado de su tarea por el servicio Injuve o la organización Cruz Roja, que se encargan de impartir cursos de educación sexual, a veces subvencionados por el Ministerio de Educación. Otras veces es Evax, Ausonia, Tampax o Durex quien sustituye al profesor y habla de sexualidad a los jóvenes: una técnica de promoción bajo un programa “centrado en los cambios físicos y emocionales de la adolescencia”. Pero informar no es educar, igual que menstruar no es sólo sangrar y practicar sexo no es saber cómo poner un preservativo. Si esta es la base de la que parte la educación sexual, sin duda hay más de un suspenso.

Educar a un adolescente en términos de sexualidad es algo que va más allá de enseñar a poner un preservativo, de hablar de aborto, de embarazos indeseados y de enfermedades de transmisión sexual durante una “charla informativa” de una hora. Según la Ley de Salud Sexual y Reproductiva de 2010, la capacidad para impartir una educación sexual saludable debe reflejarse en currículum educativo del profesorado, pero no dice cómo. La mayoría del personal docente español se salta un requisito que, a pesar de legislado, no es exigido por los centros escolares.

¿Por qué es tan importante la educación sexual? Llegar a la adolescencia sin haber hablado de sexualidad no favorece un buen desarrollo afectivo y personal de sí mismo. No crece de la misma forma el joven que piensa que las relaciones eróticas son sólo llegar al coito, que aquel que ha sido educado a pensar que son más que eso. Hablar de sexualidad no es hablar de reproducción o mero placer, sino de distintas formas de relacionarse con los demás, siempre desde el respeto, la autoestima y la autovaloración.

La sociedad ofrece a los adolescentes un discurso contradictorio sobre la sexualidad: la televisión y la publicidad incitan a la práctica de sexo con la exaltación de emociones positivas, invitan a la búsqueda del placer como valor indispensable para el ego; mientras que se niega la educación sexual en las familias y en la escuela: algunos padres no asumen que sus hijos adolescentes tengan sexo, a veces incluso evitan hablar con ellos, y el poder político borra del programa educativo la única posibilidad de definir sexualidad. Suspenso.

Alberto Cañas de Pablos (@AlbertoCdP)- 19/02/2013

Corren tiempos duros para la juventud en este país. Y lo mismo ocurre con aquellos que militan en un partido político, teniendo en cuenta que la clase política es uno de los problemas más importantes de España, según arrojan los datos del CIS. Qué decir entonces de aquellos que mezclan ambas “desgracias” y atreviéndose a dar el paso de formar parte de las organizaciones juveniles de los denostados entes políticos, que, en fin, buscan aportar su granito de arena para que el mundo cambie a mejor.

Para saber cómo ven ellos esta situación y qué representa para ellos pertenecer a un partido político, Punto de Encuentro Complutense ha hablado con tres de ellos, de entre 22 y 25 años, pertenecientes a los tres partidos políticos más votados en España. Se trata de Alfonso Moraleda, Presidente de Nuevas Generaciones del Partido Popular del distrito de Chamartín (Madrid); Antonio Revuelta, Secretario de Organización de Juventudes Socialistas de Madrid (JSM); y Yolanda Hidalgo, miembro de la Comisión de Coordinación de Jóvenes de IU-Comunidad de Madrid.

Uno no nace siendo político ni tiene desde el principio una opción clara en ese sentido. Muchas veces el entorno familiar y social influye en esa decisión. La representante de IU lo tiene claro: “en mi familia siempre me enseñaron que “de trabajar uno no se hace rico” y que quien es rico lo es gracias a la explotación de sus trabajadores, el debate político siempre estaba en la mesa”. Algo parecido ocurre con Antonio, de JSM: “sin duda alguna, familia me ha influido en inculcarme unos valores de solidaridad, igualdad y hacerme creer que otra sociedad era posible.” Sin embargo, en el caso de Alfonso, la iniciativa fue enteramente personal: “fui yo el que se interesó desde pequeño por estos temas y fui formando personalmente (creo) mi propio criterio y pensamiento político. La verdad es que en mi entorno no me influyó prácticamente nada, ya que en mi familia más cercana no se hablaba de política”.

En cuanto al momento exacto de incorporarse a su respectiva organización juvenil, los tres coinciden en una edad aproximada: Alfonso entró con 16 años en NNGG, y con 18 en el PP; Antonio entró con 16 en JSM, mientras que por su parte Yolanda se afilió a IU con 18 años.

La decisión de estar dentro de una entidad política no es baladí, tiene efectos en la vida de quienes optan por entrar en la estructura partidista. En general, la valoración es absolutamente positiva. Antonio afirma sin dudar que “ha sido la experiencia más enriquecedora de mi vida, no solo me ha permitido conocer a muchísimas personas, si no que también me ha permitido adquirir conocimientos sobre múltiples disciplinas. Sin duda alguna lo que más me ha aportado ha sido la sensación de poder ayudar a la gente”. No hay mejor forma de explicarlo. En palabras de Yolanda, “estar dentro de una organización política o en cualquier movimiento social es ser partícipe de la vida política de la transformación de esta cruda realidad, te aporta formación y un espacio en el que compartes tu vida con mucha más”. Para Alfonso, por su parte, conocer a muchas personas le ha resultado gratificante: “me ha aportado, fundamentalmente, conocer a muchísima gente. A menudo se desprecia o menosprecia a las bases de un partido político, pero yo creo que son (somos) personas con un gran nivel de compromiso absolutamente desinteresado con unas ideas.” Y es que el compromiso sin pedir nada a cambio es lo que los mueve, principalmente.

Sin embargo, es habitual pensar que los entes políticos sólo son útiles para “colocar” y “enchufar” a personas en determinados cargos. Alfonso responde de forma meridiana: “Que hay mucha gente que solo busca colocarse, sí. Que hay mucha gente que no lo busca y le colocan rápido porque vale, también. Que hay gente que ni lo busca ni lo encuentra y es feliz solo trabajando gratis por sus ideas, la mayoría.” Para Antonio también está más que claro: “En ningún caso tienen razón, aquí hay muchos y muchas militantes que día a día renuncian a multitud de cosas por tratar de ayudar a llevar a cabo las actividades que tanto el Partido como Juventudes nos plantean. Respecto a la segunda pregunta, no creo que la política sea una actividad profesional, a día de hoy estoy terminando una doble licenciatura y mi intención es seguir formándome y buscar un puesto de trabajo que me permita desarrollarme personal y profesionalmente.” Es decir, la política no es una profesión que deba ejercerse de forma exclusiva. Uno y otro optan por obtener antes una experiencia profesional en el ámbito privado, que los enriquezca.

Yolanda, además de su intención de trabajar en la docencia en enseñanzas medias, aporta una visión más “política” (valga la redundancia) de la cuestión: “parto de la premisa de que no todos somos iguales, estamos viendo cómo la corrupción y “la colocación” de gente se da en los dos grandes partidos (…) yo no creo en eso, para mí la política es mucho más, es militar y comprometerte para cambiar lo que no nos gusta de este sistema.”

Por último, se preguntó a los tres representantes sobre las polémicas declaraciones que realizó Ana Botella, alcaldesa de Madrid, en las que apostaba por suprimir las organizaciones juveniles de los partidos políticos. Alfonso Moraleda, de NNGG, comparte con la regidora la necesidad de replantear el modelo de organización juvenil actual. Antonio Revuelta, de JSM, directamente pidió la dimisión de Botella. “Además, estas palabras están fuera de lugar totalmente, puesto que la participación juvenil en política debía estar más promovida que nunca” añadió. Yolanda Hidalgo, de IU-CM, hace hincapié en el hecho de que dichas palabras muestran “un interés en que haya una juventud que no se comprometa, que esté sumisa y no participe en política cuando la política es una cosa de todas y todos”.

Son muchos los que luchan contra el desencanto, los que afirman tener la voluntad de romper con el espectáculo lamentable que la élite política. Mariano Rajoy tiene 57 años. Rubalcaba va camino de los 62, y Cayo Lara acaba de cumplir 61. Es una edad media demasiado elevada. Esperemos que su relevo llegue pronto y que sirva para renacer la calidad y la eficacia en la política de este país, que bien lo necesita. El tiempo nos lo dirá.

Música para este reportaje: ‘Cuéntame’, Ana Belén

David Redondo (@Dr_Redons) .- Reportaje 12/01/2013

El verdadero currículum de una persona no está escrito. Es la huella con la que esa persona marca a quienes han compartido trabajo y momentos con ella. Una impronta imborrable.

En un artista, envuelto siempre en un mundo de competición, de falsedad, de hipocresía, de te quieros vacuos, esa marca que deja en las personas es aún mayor. Porque un artista no sólo trabaja con alguien, sino que también trabaja por alguien, por su público. Un artista pone su talento y su vida delante de su público. Marcará a todo aquel que contemple su obra.

Por eso, un buen baremo para medir la grandeza, la brillantez y el talento de un artista es escuchar lo que predican de él aquellos con quienes ha compartido su vida. Laboral y persona, porque en un artista es imposible de separar, por más que ellos se empeñen en hacer la distinción.

Y en esta sociedad de lo inmediato, la sociedad champán en la que todo sube con fuerza, en la que se termina hablando de burbujas, cobra especial importancia no sólo el llegar, sino el permanecer.

El 13 de septiembre de 2001 –hace ya más de 11 años- se metía en los hogares españoles un niño con pelo recortado a tazón, rubio oscuro, cara redondeada y ojos brillantes que bien mostraban que su brillantez iba más allá de su mirada. Esa mirada se perdía por el cristal del balcón de casa. Mientras, una voz en off, la del actor Carlos Hipólito narraba las primeras líneas de la que ha sido la serie más longeva y exitosa de la historia de la televisión española. Ese niño tenía 7 años. Durante años nos ha hecho creer que se llamaba Carlitos, ocultándonos su verdadero nombre, porque a diferencia de la tendencia imperante en la actualidad en los jóvenes actores, lo que supimos de él sólo era lo que se mostraba con cada capítulo de ‘Cuéntame cómo pasó’.

EL GOLDEN BOY

Ese crío de 7 años era Riki en el plató de la serie y Ricardo Parrondo Gómez en los contratos de la productora. Sólo ahí. Para otros, como para el primer director de la serie, el reconocido Tito Fernández, Riki era “el golden boy” (el chico de oro).

Quizá por eso fue él quien más influyó en que Riki terminase dando vida a Carlitos Alcántara, un personaje que es dos años mayor que quien lo interpreta. Tito Fernández se empeñó en que ese papel protagonista de la serie que iba a nacer en Televisión Española -y que las cadenas privadas habían rechazado- debía ser para Ricardo en contra de la opinión de los directores de casting, que lo veían más para interpretar otros personajes infantiles de la serie.

“Muy pocas cosas en la vida hay que sean cuestión de suerte”, me decía Ricardo en una entrevista. Y en su caso lo ha podido comprobar en primera persona.

Ricardo nació un 25 de febrero de 1994. El mismo día –pero de 1873- que lo hizo el que ha pasado a la historia como el mejor tenor de todos los tiempos, Enrico Caruso. 

No tuvo la infancia típica de un niño de un pueblo de Madrid. Su vida siempre ha sido como un aeropuerto en el que llega y parte gente. No siempre han significado algo para él, pero algunas de esas llegadas le han marcado para siempre. Lo mismo que algunas de esas partidas.

El pequeño Riki aprendió pronto lo que era el mundo de la farándula, del artisteo. Su madre, Ana, entregó su juventud al baile. Trabajó en los mejores teatros de este país como coreógrafa, para importantes productores y también en el extranjero. Por eso no era descabellado ver al pequeño Riki entre las butacas de un teatro, entre los bastidores, subido encima del escenario cuando todo estaba cerrado.

Pero siempre con la mirada brillante y con una gran sonrisa.

Desde pequeño aprendió a convivir con la soledad como compañera. Pero como en Ricardo siempre hay una sonrisa dibujada en su cara, esos momentos de soledad no eran más que la transición entre los buenos momentos, que siempre han  sido lo importante.

Con unos 5 años, debutó como actor. Lo hizo encima de las tablas del Teatro Lope de Vega, por el que guarda un gran afecto. A Ricardo le encanta pasar por delante del número 10 de la calle Isabel La Católica de Madrid. Ahí está el acceso trasero de este teatro que, en la actualidad, acoge producciones tan importantes como el musical de El Rey León o Los Miserables. Siempre que pasa por ahí, mira hacia la gris fachada y cuenta que ahí se salía él con muchos de los técnicos del teatro. Era lo que hacía cuando daba vida a Chip, la tacita, en el musical ‘La Bella y la Bestia’.

De esta época guarda con mucho cariño las fotos en las que sale con un grande de la escena española, Paco Valladares. Paco llamaba a Ricardo “nieto” y Ricardo a él “abuelo”.

Y es posible que, sin correr la misma sangre por sus venas, Paco haya sido el gran abuelo de Ricardo.

Porque esa es otra de las constantes en la vida de este chico: ha conseguido que su familia también la formen personas que el destino ha puesto en su vida y no la biología. Eso sólo es posible cuando se tiene un gran corazón, una gran sonrisa y cuando se es una persona que extiende su mano.

UNA INFANCIA EN EL PLATÓ

Finalmente, Tito Fernández consiguió que el número 3 de ‘Cuéntame’ fuera para Ricardo, “el Golden Boy”. En importancia en la serie sólo dos nombres: Imanol Arias y Ana Duato. El pequeño se colaba por encima de todos los demás.

Juan Echanove, otro de los grandes actores que ha dado este país y del cual Ricardo aprende cada día, me contaba hace un año: “El potencial fundamental de Ricardo como actor es la verdad. Tito Fernández decía de Ricardo que era como Manolete. Al igual que éste tenía ese desparpajo para ponerse delante de un toro, esa falta de respeto a la muerte… de la misma manera Ricardo tenía desde niño una falta de respeto frente al plano, frente al acontecimiento cinematográfico. Eso y gracias a que es una excelente persona han propiciado un estilo muy propio y muy único.”

Año tras año, temporada tras temporada, Ricardo fue ganándose, no sólo el respeto sino la admiración de quienes trabajaban junto a él.

Para el pequeño Riki, las largas jornadas de grabación, eran un juego divertido. Se dedicaba a sacar a todo el mundo de quicio. En especial a María Galiana y a Fernando Fernán Gómez. Pero hasta de las reprimendas de los actores más veteranos aprendía este niño prodigio:

“El primer dí­a de rodaje me enfadé con él [con Fernando Fernán Gómez] porque estábamos grabando en el aula del colegio y a mí­ se me cayó el bolí­grafo entre toma y toma. Me levanté a recogerlo y me pegó tal grito que me descolocó. Me dijo algo así­ como: ‘¡Estate quieto y deja de moverte, estás trabajando!’ Más tarde mejoró nuestra relación, era un gran tipo. Ahora entiendo su grito y me alegro de que me lo diera.” Cuenta el propio Ricardo.

La vida de Ricardo era un juego continuo que tenía tres localizaciones principales: la escuela, el plató y su casa. Esto le apartaba un poco del resto, no por su carácter, sino por sus circunstancias.

Con tan sólo 12 años volvió a subirse a un escenario. Esta vez dirigido por Blanca Portillo en la obra ‘Siglo XX… que estás en los cielos’.

Dos años antes, con sólo 10, se produjo su primera –y hasta la fecha la única- incursión en el cine. Fue en la película del oscarizado cineasta español José Luis Garci, ‘Tío vivo 1950′. Su aparición en el filme fue testimonial, pero lo que Ricardo siempre recordará de esto es ver esa estatuilla dorada. Ese Oscar con el que siempre soñará este chico y que quizá, por qué no, un día consiga.

En ese 2004 pasó de nuevo por delante de una cámara de cine, pero más ‘pequeñita’ porque rodó el cortometraje ‘Heroes de Verdad’, de María Rodríguez.

No sería el único cortometraje de Ricardo. Aunque no sea fácil encontrarlo – ya saben que los representantes de actores moldean el curriculum de sus representados a su pleno interés-, en 2009 Ricardo protagonizó el corto: ‘Cosas de críos’. Estaba tan ilusionado con el personaje, un adolescente frío, calculador y malvado, que aceptó el proyecto sin cobrar ni un euro cuando ya era el crío más famoso de España.

Algún trabajo más hizo Ricardo en estos años que tampoco encontraremos en el currículum oficial que ofrece su agencia. Quizá sea uno de los grandes cambios que haya sufrido con la llegada de la madurez: Riki siempre estuvo orgulloso de todos los proyectos en los que había participado. Siempre hablaba de ellos. Y siempre estuvo dispuesto a hacerlo gratis si el proyecto realmente le gustaba.

EL NIÑO SE HIZO MAYOR

En 2009 el pequeño Riki cumplía 15 años. Seguía siendo un niño: “Ahora después tengo entrenamiento con el Villalba. Este año creo que se nos va a dar bien la liga porque tenemos buen equipo. Yo juego de delantero o por la banda derecha.” Me decía en una entrevista en septiembre de ese año. Él mismo se definía así: “Soy un chico normal, pero con una excepción. La excepción que yo tengo es que llevo trabajando desde hace 8 años en una serie de televisión bastante exitosa. Pero yo siempre intento que esa excepción sea lo más normal posible. Intento llevarme esa excepción a mi mundo que va todo los dí­as al instituto, que sale con sus amigos…yo no soy un chico sobrado por salir en una serie de éxito”.

Era la primera vez que tenía ante mí a este niño prodigio y, si hubo una cosa que me quedó clara en ese momento, es que este crío, si algo no tenía es que fuese un chico normal.

Asombraba la madurez de sus palabras. Sinceras palabas. Una de las frases que me dijo se me repitió en la cabeza después de la entrevista: “Soy respetuoso con las personas mayores y con las que se merecen mi respeto”

Este niño de 15 años que tanto dinero había ganado ya en su vida, que todo el mundo reconocía por la calle, que en dos semanas iría a recoger a Nueva York el Premio al Mejor Actor de la Organización Hispana de Actores Latinos –esto sí se recoge en su currículum oficial, otros premios no-, ya entendía que el respeto a una persona no lo marca el quién eres, sino el quien se lo gana, el quien se hace merecedor de él.

Fue ese año en el que este niño prodigio se fue deshaciendo de su placenta protectora y empezó a entender que su trabajo ya no era un juego: “Me he propuesto hacer una de mis mejores temporadas como actor”. Y lo consiguió. En ninguna temporada de las 13 emitidas de ‘Cuéntame’, Ricardo ha brillado igual.

Se marcó un reto y estuvo a la altura.

Sin embargo, la mejor interpretación de Ricardo llegaría, como no, encima de las tablas de un escenario. A finales de diciembre de 2009 y durante mayo de 2010, Ricardo daba vida cada día a Momó, un adolescente de origen musulmán que protagonizaba la obra ‘El Señor Ibrahim y las flores del Corán’. A su lado, Juan Margallo, otro de esos grandes de este oficio que llegaron a la vida de Ricardo para demostrarle y enseñarle que no hay premio más grande que el volver a casa pensando que hoy sí que he hecho un buen trabajo.

LOS AÑOS DE LAS DUDAS DEL NIÑO PRODIGIO

Cuando muchas compañeras de instituto de Ricardo empezaban a forrar las carpetas con las nuevas caras juveniles de la televisión que aparecían en la serie ‘Física o química’, él ya llevaba 8 años protagonizando una serie que estos nuevos rostros jamás soñarían ni siquiera aparecer en ella.

Ricardo empezó a ver el concepto de éxito de su mundillo en particular y del mundo en general.

Comenzó a tomar contacto con los ‘profesionales’  que circundan a la interpretación: periodistas, representantes, publicistas, organizadores de eventos…

Con 16 años no entendía cómo chicos de una edad similar a la suya, que acababan de llegar, en menos de dos años ya tenían firmados proyectos por todos lados.

Por momentos dudaba si seguir siendo el mismo de siempre o ser como ellos.

Moría de rabia cuando tuvo que rechazar algún proyecto cinematográfico por seguir en ‘su’ serie. Sólo él sabe lo que ha tenido que sacrificar para seguir dando vida a Carlos Alcántara y las lágrimas de rabia que le ha provocado.

Por eso, esas dudas siempre se disipaban cuando le llegaba el primer guion de la temporada de su serie. Lo abría ávido de curiosidad, otra de las grandes virtudes de Ricardo: le interesa todo, su curiosidad sólo está a la altura de sus ganas de sonreír continuamente.

Cuando Ricardo recibía ese primer guion se sentía el actor más afortunado del mundo. Era ese sentimiento que bien plasmó en un artículo que escribió y que puso por título: ‘Qué tontos somos a veces’. En él Ricardo escribía: “Qué importante es en esta vida que cada uno siga sus propias convicciones y qué difícil es seguirlas en cada decisión que se toma”

Desde 2010, Ricardo comprendió que esta vida es una cuestión de decisiones… y lo que es peor: que toda decisión tiene una consecuencia.

La vida también le ha enseñado que es un tipo afortunado. Lo ha aprendido también con dolor. El dolor de ver como se aplazaba sin fecha una producción internacional que él protagonizaría.

El dolor de ver cómo personas en las que él confiaba valoraban, por encima de todo, el dinero. Y el dolor de perder a personas que tan importantes han sido en su vida. Ricardo aprendió en estos años que la muerte forma parte de la vida y que el dolor forma parte de la alegría.

TALENTO Y BRILLANTEZ

A pocos días de cumplir 19 años, con un gran currículum, feliz, con dudas –como todos-, con proyectos sobre la mesa y con personas a su lado que lo quieren y se lo demuestran, si algo tiene este niño prodigio es futuro.

El futuro al que no puede escapar. El futuro que le asegura ese talento innato y su brillantez.

“Nunca me he encontrado un tío tan selectivo como Ricardo Gómez, no le vale cualquier cosa. Es muy cabrón: el tío es una esponja, pero luego en casa la exprime, tira el zumo en un vaso, lo mira, lo analiza, ve si le vale o si no y vuelve al rodaje al día siguiente con la esponja seca para impregnarla otra vez. El tío cabrón es un científico de esto.” Dice de él Juan Echanove.

A Ricardo siempre le ha costado darse cuenta de algo que canta a simple vista. Que él no es una tipo normal.

Creía ser un niño normal cuando Tito Fernández comenzó a llamarle ‘Niño de Oro’. Creyó ser un niño normal cuando actores y actrices del más reconocido prestigio y carrera se acercaban a él para enseñarle, para explicarle. Convencidos de que seguro que sus palabras eran la semilla perfecta para que creciesen dentro del espíritu tan fértil de Ricardo.

Creyó ser normal, uno más, cada vez que recibía a un nuevo compañero de rodaje, aunque estos siempre quedasen sorprendidos de los fácil que es rodar con él.

Alguien normal ha creído siempre que es en las entrevistas, pese a que a muchos periodistas, acostumbrados a tratar con divismos de artistas carentes de talento, han salido asombrados de su carácter.

Sigue creyendo ser un tipo normal incluso a la hora de tomar decisiones en su carrera que hasta no hace mucho tomaban otras personas por él. Sigue creyéndose una persona y un actor tan normal que aún mantiene las dudas internas de que tal vez lo mejor fuera hacer lo que hacen quienes van por la vida pensando que son especiales y a quienes el éxito de la fama los acompaña… de manera efímera.

Sigue creyendo que es un tipo normal, cuando no lo es. Ricardo Gómez es puro talento. Es brillante. Tanto que necesita tener ante sí un reto, que le asuste, para dar todo lo que lleva dentro. Tanto que la gran serie de la historia de nuestro país se le ha quedado pequeña. Se ha convertido en un auténtico profesional que intenta no perderse ni una sola reunión de lectura de guion, que trata de dotarle de unos matices a su personaje que los propios guionistas no han sabido darle. Que disfruta, como el niño que nunca ha dejado de ser, cada vez que ha de grabar esa secuencia que le aparte de la monótona trama de su personaje y le permite medirse como actor con profesionales de la talla de Imanol Arias.

Este chico, Ricardo Gómez, es el niño prodigio de la escena española de nuestros tiempos. Más de doce años de carrera con menos de 19 son números que hablan por sí solos.

Es un chico tan distinto a todos y tan brillante que siempre consigue dejarte sin palabras. “La conclusión que he llegado es que el tiempo pasa deprisa, pero de vez en cuando nos permite detenernos a saborear los momentos. Y es que la vida es básicamente eso, momentos. Y si en esos momentos puedes estar acompañado siempre de tu gente, mejor”, escribió Ricardo en el décimo aniversario de ‘Cuéntame’.

Sólo un tipo como él es capaz de escribir sobre las personas y los momentos que le hacen feliz, cuando vive en medio de un mundo en el que los flashes, el dinero, los intereses de terceros… lo único que intentan es cegarle. Sólo alguien brillante es capaz de mirar más allá y quedarse con aquello que le hace realmente feliz.

Sólo él sabe lo que le costó llegar y lo que le ha costado mantenerse arriba del todo. Quizá algún día termine entendiendo por qué siempre lo llamaron ‘el Golden Boy’ y por qué todos los que le conocen lo consideran diferente al resto.

David Redondo (@Dr_Redons) .- Reportaje 05/01/2013

“Nadie ha hecho nunca nada por mí. No le debo nada a nadie”. Los que han escrito sobre él, los que anduvieron a su lado en algunos momentos de su corta existencia, los que se le pegaron cuando todos querían ser su compañía… La mayoría de todos ellos interpreta todo lo que le aconteció a James Dean, en especial su fatal final, como las consecuencias de su propia forma de ser y de su filosofía de vida. “Hay que vivir deprisa, la muerte llega pronto”.

Muchos, incluso, se atreven a vaticinar qué hubiera sido de su carrera cinematográfica si ese 30 de septiembre de 1955 no hubiera perdido la vida en la carretera, con tan sólo una película estrenada y dos aún rodadas y pendientes de estreno. “Dean murió en el momento justo y dejó una leyenda tras él […] De haber vivido jamás podría haber estado a la altura de su publicidad”, decía Bogart al hablar de la muerte de James.

Lo cierto es que, al margen de dos o tres películas en las que Dean había aparecido de extra, en su primer papel en el cine en la película ‘Al Este del Edén’, consiguió nominación al Oscar y al Bafta como mejor actor. En su segunda película, ‘Rebelde sin causa’, obtuvo otra nominación al Bafta. Y en su tercera y última película, ‘Gigante’, recibió su segunda nominación al Oscar y ganó el Globo de Oro. Todas esas nominaciones y premios nunca llegarían ni a sus oídos ni a sus manos, pues se produjeron tras su muerte. De manera que es pretencioso afirmar si Dean no estaría a la altura de su mito o estaríamos hablando de uno de los mejores actores de la historia del cine si este chico hubiera conocido la vejez.

Dean fue ante todo víctima de su vida y no de sí mismo. No fue su carácter huidizo, solitario e introvertido lo que desencadenó los acontecimientos de su vida, fue más bien al revés. Dean fue víctima de la vida y de su curiosidad. Por eso terminó dándole igual todo y lo que pensaran sobre él.

EL HIJO NO DESEADO QUE SE CRIÓ EN UNA GRANJA 

Una de las primeras lecciones que le dio la vida es que él no fue bien recibido, sino que vino a este mundo porque así tocaba.

James fue la causa de que Winton Dean, su padre -un técnico de dentista- tuviera que tomar en matrimonio a una mujer a la que nunca quiso para más de una noche, Mildred.

Su nacimiento se produjo el 8 de febrero de 1931 en la ciudad de Marion, en el estado de Indiana. El joven Dean vivió en el seno de una familia en la que el cariño y el amor sólo procedían de una figura: su madre.

Mildred entregó su existencia a cuidar a su pequeño ante los constantes desprecios del padre tanto a ella como a James. Fue su madre quien, desde pequeño, comenzó a mostrarle el mundo de la cultura, de la música, del baile… En un estado como Indiana, estas aficiones no eran ni mucho menos las de los chiquillos. Dean se fue aislando y cobijando en su madre conforme fue creciendo.

A la edad de seis años, James marchó con sus padres a Los Ángeles. Allí tanto su madre como él encontraron las puertas abiertas a la cultura. James recibía clases de violín y ballet.

A pesar de dejar el pueblo, el entorno rural de Indiana y llegar a una ciudad cosmopolita como Los Ángeles, James seguía creciendo como un niño solitario, amante del arte, pasional y muy unido a su madre.

El destino que ya quiso que fuera un niño no deseado, quiso volverle a jugar otra mala pasada: el 14 de julio de 1940, cuando James tenía 9 años, su madre moría a causa de un cáncer. Sintió que había perdido cuanto tuvo en su vida. Sintió que quedaba huérfano.

Su padre se encargó de recordarle que no se equivocaba al pensar así. Montó a James en un tren con dirección a Fairmount –el pueblo de sus tíos, también en Indiana-. En el tren le acompañaba su equipaje y el ataúd de su madre, que sería enterrada en la localidad donde nació James, cercana a Fairmount. Así es como dejó James la ciudad del cine con tan sólo 9 años.

LA ESTRELLA DE CINE QUE ENCONTRÓ UN CURA

Fueron sus tíos, Marcus y Hortense Winslow, los que se hicieron cargo de la educación del pequeño James. Con amor, lo educaron como a cualquier chico de la zona. James comenzó a ayudar en la granja de la familia. Cerdos, gallinas, perros… eran sus nuevos compañeros. Años después confesaba cuál fue uno de sus pasarratos preferidos en esta época: “Me gustaba salir a asustar a las vacas con la moto. Echaban a correr, con las ubres meándose y perdían un litro de leche”.

James, solitario e inconformista con su vida, siempre quiso buscar su destino. “No puedo cambiar la dirección del viento, pero sí ajustar mis velas para llegar siempre a mi destino”, dijo ya siendo toda una celebridad, aunque fue algo que aprendió durante su niñez.

Así, el James para el que todos los chicos o chicas de su pueblo carecían de interés, sí encontró de su agrado al reverendo James A. De Weerd. Para Dean era algo más que un cura. Era un hombre de mundo, un ex combatiente de guerra y, era sobre todo, la única persona en ese pueblo de 3.000 habitantes con la que podía hablar de música, de cine, viajes, de destinos… en definitiva, de la vida desde un punto de vista mucho más amplio.

Junto con su madre, De Weerd fue una de las personas más importantes en la vida de James. Ese carácter introvertido, pero curioso del joven, lo supo alimentar bien este reverendo.

Algunos biógrafos y especialistas creen que en estos años de adolescencia en los que James aprende y comparte momentos con De Weerd, es cuando Dean empieza a sentirse atraído por las personas de su mismo sexo.

Más allá de opiniones y rumores, en lo que sí influyó este reverendo fue en la vocación de Dean. Él es quién empieza a introducirle en las lecturas de obras de teatro, quien muestra a Dean el maravilloso mundo del actor en el que una persona puede vivir mil vidas.

Los Ángeles, de nuevo ciudad maldita. Nueva York, la luz

Con 18 años marcha de nuevo a Los Ángeles, para acabar el instituto ya con la mente puesta en su carrera como actor, lo único que de verdad ha amado Dean en su vida, porque le permitiría ser libre. Dean se sentía libre cada vez que daba vida a uno de sus personajes: “Cuando sabes que un personaje puede dar algo más y no sabes bien qué es, tienes que buscarlo; caminar por la cuerda floja”.

James caminó por la cuerda floja durante dos años en Los Ángeles. Hay quien sostiene que cuando necesitó dinero, James supo complacer con favores sexuales a aquellos –y digo bien: aquellos- que estaban dispuestos a ayudarle.

Lo más productivo que sacó de su vuelta a Los Ángeles fue su amistad –quién sabe si algo más- con Roger Brackett, quine años mayor que James e hijo de un productor de cine.

Brackett sería quien le recomendaría ir a Nueva York y quien le ayudó a entrar en el prestigioso Actor’s Studio, donde conoció a algunos de los nombres que marcarían su carrera profesional: Marlon Brando, Montgomery Clift y el realizador y fundador de esta academia: Elia Kazan. Corría el año 1951, James contaba con 20 años. Daba el pistoletazo a su carrera como actor en una ciudad que le marcó: “Me sobrecogió. Pasé las primeras semanas tan confuso que me limité a pasear por las dos manzanas más próximas a mi hotel (el Iroquois), cerca de Times Square. Veía tres películas al día para escapar de la soledad y la depresión”. El cine comenzaba a serlo todo para él.

La libertad de ser actor

Como venía siendo habitual con todos los actores que se formaban en este prestigioso centro dramático, los primeros pasos de James como actor fueron sobre las tablas de un escenario en Broadway: ‘See the Jaguar’, donde daba vida a un adolescente que había estado encerrado en una jaula casi toda su vida.

Siguió haciendo teatro durante unos meses, recibiendo buenas críticas por parte de la prensa especializada. Dean disfrutaba con esto. No tanto con la técnica y el método del Actor’s Studio, que Dean consideraba que oprimía el talento del actor. “Un actor que interpreta del modo exacto que le ordena un director no actúa, sino que sigue instrucciones. Cualquiera puede hacerlo. A un actor hay que darle el espacio y la libertad para expresarse en su papel. Sin eso, el actor es un robot irreflexivo con botones para pulsar”.

Entre las prácticas que James odiaba estaban las críticas colectivas que unos hacían sobre el trabajo de los otros. Dean nunca encajó bien las críticas. Por eso no era muy amigo de pasar por el centro de Elia Kazan.

Sin embargo, a ojos de Kazan el talento de Dean nunca pasó desapercibido. Así, fue él quien le dio la primera oportunidad en cine como actor. Dean daría vida a Cal Trask en ‘Al Este del Edén’.

Dean, una estrella con un carácter diferente en Hollywood

“La primera vez que llegué a Hollywood todos fueron amables y creyeron que yo también lo era. Iba al comedor y todos se comportaban amigablemente y pensé que era maravilloso, pero decidí no seguir siendo un tipo fantástico. Así me respetarían por mi trabajo”. James volvió a Los Ángeles a comenzar el rodaje de ‘Al este del Edén’ en la que daba vida a un chico rebelde, problemático y travieso que crece sin la figura materna.

Es la primera de sus películas –sin contar sus trabajillos como extra de años atrás-, en ella recibe el apoyo de su director, Elia Kazan, y también de Julie Harris su pareja en la película.

También recibe los agasajos de Warner que se frota las manos con Dean y más después del estreno de la película por la que es nominado al Oscar.

James, a sus 23 años, se convierte en el icono de los jóvenes y adolescentes de Estados Unidos. Una generación de adolescentes que, por primera vez en la historia del país, pueden elegir su futuro; que han crecido con la paz y sin las dificultades de la generación de sus padres y unos jóvenes que ven en la rebeldía del personaje de Cal Trask un toque romántico. En la rebeldía y en la cautivadora mirada y belleza de James.

Pero Dean, que hasta entonces había soportado –y aterrado- el rechazo de casi todos los que le rodeaban, no había llegado allí para hacer amigos y pronto dejó muy claro que todos estaban ante una fuerza de la naturaleza, porque como la propia naturaleza, Dean era imprevisible.

Así, mientras la Warner le agasajaba, Dean escupía en su logotipo y en los retratos de algunas de sus estrellas. “En este negocio no te ayuda nadie. Puedes estar agradecido a alguien por abrirte los ojos a ciertas cosas y, en correspondencia, tú puedes abrírselos a otro. Pero todo lo consigues sólo por ti mismo”.

Dean, quien le gustaba ser el centro de atención dentro de la gente con la que se relacionaba, nunca soportó serlo dentro de la industria del cine, pues tenía muy presente que en esta industria no se mueven personas, sino mercancías. Por eso, y pese a que sentía una auténtica admiración y veneración por Marlon Brando y Montgomery Clift – “En esta mano ofrezco algo de Marlon Brando diciendo: ‘¡Joderos!’ y en esta otra algo de Clift suplicando: ‘Ayudadme, por favor’. En alguna parte entre ‘¡Joderos!’ y ‘Ayudadme, por favor’, está James Dean”, dijo en alguna ocasión- no acudió al estreno de ‘Al Este del Edén’ al que acudió Clift y casi todas las celebridades de Hollywood.

Dean se fue a otro cine, compró un ticket y vio la película en una butaca de las últimas filas pasando desapercibido. Nunca buscó agradar a quienes no le agradaban a él. Ni siquiera a los encargados de juzgar su trabajo: la prensa. “He venido a Hollywood a actuar no a caer bien a la sociedad. El artista objetivo ha sido siempre un incomprendido. Es probable que me hiciera falta un asesor de comunicación, pero es que no me importa lo que se escriba sobre mí. Hablaré con los periodistas que me apetezca y los otros… que publiquen lo que quieran”

EL FINAL DE UN REBELDE CON CAUSA

James era inmune a todo lo que de él se decía. Sus casi tres años en Hollywood dieron para mucho más que para rodar. Su relación amorosa más sonora, duradera y verdadera fue con la actriz Pier Angeli, aunque la vida privada de Dean siempre estuvo salpicada de jugosos rumores que periodistas y sus propios estudios cinematográficos bien supieron crear y explotar.

Se dijo que mantenía una relación con Brando –el cuál presumía de bisexualidad en esta época-. No fue con el único actor que se relacionó a James Dean, ni tampoco la única actriz. Él tampoco cerraba los rumores de su homosexualidad o bisexualidad. Es más, se divertía con ello. En una entrevista, al ser preguntado por su condición sexual, contestó: “Desde luego, no voy por la vida con una mano tapándome el culo”.

Otro de los aspectos que levantaban mucho polvo de Dean era su amor por las carreras. El gusto por los coches lo adquirió cuando el reverendo De Weerd lo llevaba a Indiana a ver las carreras de coches. “Si creyera que estoy arriesgando mi vida, no tomaría parte de ellas. Me gusta demasiado la vida y aún me quedan muchas cosas por hacer”, comentó Dean. Sin embargo, en sus dos siguientes contratos, se vio obligado a firmar una clausula que le prohibía participar en carreras de coches durante el rodaje. Eso sí, lo que no se le prohibía era comprar el Porsche 550 Spyder con el que terminaría perdiendo la vida y al que llamó ‘Little bastard’ (Pequeño bastardo), tal y como él se consideraba a sí mismo.

En el último año de su vida, le llegó el papel que lo encumbró, el de Jim Stark, protagonista de ‘Rebelde sin causa’. Allí coincidió con Sal Mineo, más joven que Dean. Tal es la química que había entre ellos, que el propio director de la película confesó años después que muchas veces alargaba los planos pensando que James y Sal terminarían besándose. Mineo también reconoció posteriormente que hubiera sido posible algo más que amistad con James.

Mientras se encontraba en fase de post producción esta película, Dean entraba a formar parte de la que iba a ser la superproducción de la época: ‘Gigante’, de George Stevens. Su personaje, de nuevo tenía algo de Dean. Jett Rink sería un rico terrateniente, pero infeliz.

Como Dean. Ni la fama le dio la felicidad. “Ni siquiera pretendo ser el mejor. Quiero volar tan alto que nadie pueda alcanzarme. No para demostrar nada, sólo quiero llegar a donde se debe llegar cuando entregas tu vida entera y todo lo que eres a una única cosa”. Ser actor, lo único que realmente hizo feliz a este chico.

Cuatro días antes de que se estrenase ‘Rebelde sin Causa’, ese 30 de septiembre de 1955, el Little Bastard de Dean se empotraba contra un Ford en una carretera de California. Fue el último revés del destino a James, que conducía su Porsche a una velocidad moderada, con su mecánico de carreras al lado y que no pudo evitar que el Ford de un estudiante los arrollara. Dean fue el único fallecido del accidente, se partió el cuello.

James Bayron Dean murió a la temprana edad de 24 años. Nunca lo buscó, fue víctima de su vida hasta en el final de sus días. James tenía una forma muy particular de entender su profesión: “No actúes. Si estás fumando un cigarro, fúmatelo; no actúes como si te lo estuvieras fumando”. La misma forma en la que entendía su vida, porque James nunca hizo como si la viviese, James la vivió. La vivió como si cada día fuese el último: “Sueña como si fueras a vivir para siempre; vive como si fueras a morir hoy”.

Ana Caaveiro-Reportaje

París se rinde ante Salvador Dalí una vez más. Treinta años después, el Centro Pompidou vuelve a hacer una retrospectiva del artista, esta vez con una gigantesca exposición que invita a reflexionar sobre su lugar dentro de las artes del siglo XX. A través de 200 obras reunidas entre instituciones y diferentes museos, se propone una aventura muy personal de este mito artístico.

Esta importante colección llegará al Museo Reina Sofía el próximo 24 de abril de 2013. Odiado y amado a partes iguales, la figura de Dalí se ha consagrado como uno de los máximos exponentes del surrealismo, pese a que se separó del movimiento relativamente pronto.

La originalidad del método paranoico-crítico

Nacido en Figueras en 1904, su infancia quedó marcada por la muerte de su hermano mayor (del cual tomaría su nombre). Estudió en la escuela de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, de la que sería expulsado por su indisciplina. Durante su estancia en la capital entabló amistad con Luis Buñuel y Federico García Lorca.

Sin embargo, la andadura de Dalí no terminó ahí. En 1928 viajó por primera vez a París, lugar en el que conocería a Gala, su musa y compañera, y entraría en contacto con el surrealismo parisino de Breton (escritor que inició el movimiento).

El surrealismo del que se nutrió se trataba de una actitud ante la realidad.  Se inspiró, en gran parte, en las teorías psicoanalíticas de Freud sobre el subconsciente, entregándose a la expresión onírica e interpretación de los sueños. Descubrió el significado erótico de las imágenes en el subconsciente y se orientó hacia una figuración de dobles imágenes, las cuales adquieren un significado diferente según cómo se las mire.  Este recurso de la anamorfosis se reflejó en obras como  El enigma sin fin.

La originalidad del método daliniano, que él mismo denominó paranoico-crítico, consistía en una realidad susceptible de ser recreada. Esta realidad podía llegar a ser otra, ya que se le despojaba de forma sistemática y delirante de sus accesorios. Sabía seleccionar  los objetivos para dejar aflorar el deseo. Presentaba un mundo misterioso, una pesadilla poblada de figuras humanas del tamaño de hormigas y relojes de bolsillo mutilados.

Sentía obsesión por lo blando y lo amorfo, por la deformación y la impotencia. Sus símbolos fetichistas y metáforas se repiten como si se tratase de una alucinación: pianos, hormigas…

A diferencia de Picasso, quien reinterpretó a los grandes genios renacentistas y barrocos, este artista se propuso seguir aprendiendo de ellos, lo cual quedó patente en su predilección por los engaños visuales.

En El gran masturbador, una de sus creaciones más conocidas, se autorretrata y describe a sí mismo como un ser blando que se disuelve, resultado de la masturbación.

Otro de los lugares más importantes en su carrera fue EE.UU, donde pasó 8 años. De hecho, muchas de sus creaciones emblemáticas La persistencia de la memoria ( MoMA de Nueva York) o Construcción blanda con judías hervidas (Philadelphia Museum of Art) se encuentran en museos norteamericanos, ahora expuestas en París.

A raíz de su viaje a Italia, inició su período místico, fruto de la influencia de los maestros renacentistas.  Así tomó el estudio de las proporciones y temática religiosa, dejando como prueba una  Leda anatómica.

Polifacético artista

Además de su extraordinaria producción plástica, se dedicó a otras artes como el cine (Un perro andaluz, con Luis Buñuel), el grabado,  la ilustración,  la escenografía, el diseño de joyas o, inclusive,  la escritura.

Dalí fue un artista proclive a la provocación. Su pretensión en todo momento era lograr el shock del espectador, el descrédito de la realidad: la más absoluta confusión.

De lo que no cabe duda es que fue un maestro en la táctica de escandalizar y libró la batalla por la conquista de lo irracional.

Hasta su muerte en Figueras, en 1989, alimentó su imagen extravagante y polémica, que hizo incrementar el interés por su personaje y obra.

“La única diferencia entre un loco y yo, es que yo no estoy loco”. Dalí, referente ineludible del arte contemporáneo.

Ana Caaveiro.- Reportaje (03/11/2012)

Judith Scott es una artista diminuta, vestida con colores chillones y sombreros extravagantes. Hace unos años, gracias a un largometraje, se daba a conocer y nos preguntábamos qué escondía bajo su sombrero. Sus singulares esculturas, hechas de objetos que anudaba y envolvía en lana,  hicieron que se ganase el apodo de “mujer araña”.

Pero lo que más llamó la atención de Judith no fueron sólo sus obras, sino también su discapacidad: era una mujer sordomuda y con Síndrome de Down.

Su particular historiaconmovió al mundo, además de poner en jaque los límites que habitualmente asociamos con los discapacitados. El  reconocimiento de la calidad de sus esculturas,  dio una vuelta de tuerca a la concepción de estos artistas. ¿Capaces o incapaces?

EL COLOR

El color juega un papel protagonista en la mayoría de las obras de estos chicos. Suelen trabajar formas muy sencillas- repiten movimientos  esquemáticos-, sin complicación en el concepto. La tendencia a enmarcar y cerrar lo que pintan les proporciona seguridad: marcan su espacio.

Logran, sin dificultad alguna, una  transición de colores que da como resultado composiciones muy armónicas. Pese a no tener la habilidad, sí tienen el equilibrio. Esto  les ayuda  a abrir sus experiencias anímicas, mostrar sus sentimientos y crear imágenes externas de vivencias internas.

Es decir, sus creaciones son proyecciones de lo que viven, de su sensibilidad. De ello se  sirven psicopedagogos y profesores para comprender mejor  la situación  de la persona en cada momento. Muchos  experimentan un tránsito, cambio, que alarma sobre problemas que puedan tener o mejoras que hayan llegado.

LA IMPORTANCIA DE LA PINTURA

La pintura es una afición que, según algunos de ellos explican, les ayuda a relajarse, a estar contentos, a disfrutar.

Tal y como nos comentaba Begoña,  profesora de pintura del grupo “Ponte unas alas”, es una actividad que les ayuda a estar y conectar consigo mismos. Les permite abstraerse de la vida cotidiana “tan marcada y ordenada” que llevan.

En sus clases, se decantan por la técnica de la acuarela porque “se humedece más fácil para hacer la transición de colores” así que pueden tener “una libertad de movimiento que hace la actividad fácil y relajante”. “Se ubican mejor en el entorno”.

Destaca que  cada alumno suyo elige el color que más le reconforta. Los que tienen menos recursos emplean sólo uno, mientras que el resto se decanta por la variedad. Admite asimismo que, a veces, les echa una mano, diciéndoles qué les falta en su cuadro.

La temática se centra en las estaciones, el rostro, animales…  Sus dibujos figurativos bien podrían ser de niños de más o menos 6 años,  y la  importancia de cada figura va en función del tamaño que decidan otorgarle.

 “ART BRUT”

La mezcla de color que hacen no es analítica, sino que se caracterizan por la intuición a la hora de plasmar su arte. No se dan cuenta de lo que mezclan, simplemente les gusta la forma y el resultado.

Ellos llegan espontáneamente a la abstracción que tanto anhelan y buscan muchos pintores.

“A nosotros, nuestra educación y entorno no nos permite inhibirnos como a ellos”- nos indica Begoña- “muchos artistas trabajan para conseguirlo” “Nosotros actuamos más intelectualmente. No dejamos espacio para desarrollar ese mismo espacio intuitivo”.

Los beneficios que las actividades artísticas tienen sobre ellos son incalculables, como también lo es la calidad, tantas veces olvidada en las grandes esferas, de cada una de sus obras.

Existen numerosas escuelas -como el grupo “Ponte unas alas”-que ofertan una gran variedad de actividades: desde la pintura hasta el teatro o la música, los discapacitados demuestran que son capaces de desenvolverse en cualquier ámbito artístico.

Al fin y al cabo, ellos tienen una capacidad que muy pocos artistas han logrado: reflejar lo más puro del interior del ser humano sin artificios.

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Isabel Álvarez Barrio(@ialvarez111)-Reportaje

Cuando la subida del IVA es noticia, y las asociaciones culturales advierten de una posible crisis en el sector, el Museo Thyssen nos ha dado una lección de optimismo. Apostó fuerte por uno de los más grandes, tres años de gestiones han logrado la mayor exposición de Edward Hopper en Europa, que próximamente viajará a Paris.

Ni las altas temperaturas, ni la crisis, ni las largas colas, han disuadido a los miles de aficionados que ya han disfrutado de esta exposición y que podrá seguir visitándose hasta el 16 de septiembre. Pero, ¿qué tiene Edward Hopper para movilizar a tantos amantes del arte? Descubrimos el  acontecimiento artístico del verano.

Quién es Edward Hopper

Nacido en un pequeño pueblo del estado de Nueva York, inició su carrera como ilustrador, oficio que detestaba. Su carrera pictórica fue meteórica, vendió en 1913 su primera pintura y ya en 1924 consiguió vender toda la obra que expuso en la galería de Frank. K.M. Rhen. En 1930, su obra “Casa junto a la vía del tren” fue donada por el coleccionista Stephen Clarck al MoMA. Tres años después, el célebre museo neoyorkino le dedicó una retrospectiva que consagró a Hopper como uno de los genios de la época.

En un panorama artístico dominado por el expresionismo abstracto, Hopper logrará en menos de diez años hacerse un hueco como uno de los más grandes, tanto que Tomás Llorens, comisario de la exposición, no duda en calificarlo como “El pintor norteamericano más grande del siglo XX”.

No se puede presentar a Edward Hopper sin hablar de Josephine Nivison, su esposa. Jo, como él la llamaba, fue su modelo para casi todos sus personajes femeninos. Una mujer esbelta, de cabello dorado y piel clara que apareció tanto desnuda como vestida en sus pinturas. Ella, que también era artista, fue la compañera ideal para el pintor, ya que llevaba minuciosa cuenta de cada transacción que tenía que ver con la obra de su esposo.

Modernidad sin artificio

La obra de Hopper destaca por sus personajes, quienes nos conmueven e intrigan a partes iguales. Solitarios, apesadumbrados, meditabundos… se muestran como emblema de una sociedad americana que no se distinguía tanto de la actual; deprimida y cargada de cambios. Cuidadas arquitecturas urbanas, paisajes campestres, interiores domésticos… sirven como escenario para situar a diversos individuos que apenas interactúan los unos con los otros. Ese es el motivo por el que las pinturas adquieren un halo de soledad, melancolía e incomunicación que hacen que este norteamericano haya entrado en la historia del arte por la puerta grande.

La exposición

Salas abarrotadas y largas colas acompañan al visitante durante la muestra. Organizada por el Museo Thyssen Bornemisza y por la Réunion des Musées Nationaux de Francia, cuenta con 40 óleos del artista, una docena de grabados y una treintena de acuarelas que configuran la mayor exhibición en Europa de su obra hasta la fecha.

En la primera sala, un Edward Hopper de semblante sereno, con unos penetrantes ojos azules nos da la bienvenida, como si nos invitara a conocer él mismo su obra. Se trata de uno de los pocos autorretratos que pintó a lo largo de su carrera y que sirve como inmejorable toma de contacto. Las salas se organizan en dos grandes capítulos, el primero recorre la etapa de formación del artista con óleos, dibujos, grabados y acuarelas que produjo hasta 1924. En esta parte no sólo contamos con obras de Hopper, también de otros artistas en los que se inspiró como Robert Henri, Félix Valloton, Walter Sickert o Edgar Degas.

La segunda parte de la muestra se centra en su etapa de madurez donde se encuentran sus pinturas más emblemáticas como: El Loop del puente de Manhattan, Dos en el patio de butacas, Sol de mañana, Gente al sol, Oficina en Nueva York… Concluye con su última pintura Dos cómicos, donde se retrató con su esposa sobre un escenario vestidos de arlequines. Nada más finalizar la pintura, ingresó en un hospital de Nueva York y allí murió, convertido ya en un imprescindible de la historia del arte.

Un set de rodaje en el museo

Al visitante le espera una sorpresa al final de la exposición. El director de cine norteamericano Ed Lachman ha querido rendir homenaje a Hopper y a su amor por el séptimo arte improvisando un set de rodaje en el museo Thyssen, protagonizado por la obra El sol de la mañana. El resultado, una visión renovada de uno de los cuadros más afamados de Hopper en la que cine y pintura se dan la mano con una estética insólita.

Su vínculo con el cine va más allá de la mítica casa de Psicosis. La relación entre cine y pintura radica en el método de trabajo, analizando previamente luz, color, forma y perspectiva, tanto que un estudio previo de cualquier obra no tenía nada que envidiar al mejor storyboard de Hollywood.

Gracias a instituciones de la talla del MoMA, el Metropolitan Museum de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Boston, además de colecciones privadas como el Whitney Museum of American Art de Nueva York, se ha logrado una muestra de calidad dónde a pesar de la ausencia de Nighthawks, su obra más conocida; los amantes del arte pueden deleitarse con una exposición irrepetible, fresca, actual y de las que jamás defraudan a quien la visita.

FICHA TÉCNICA:

Hasta el 16 de septiembre de 2012

Horario: De martes a sábado, de 10.00 a 23.00 h.

Museo Thyssen-Bornemisza

Paseo del Prado 8, 28014 Madrid, España

Desirée Fina Arpón (@desireefina) – 04/07/2012

Si todavía no tienes planes para este verano, eres amante de música y disfrutas viendo a tus artistas favoritos sobre un escenario junto con amigos ¡Vete de Festival!

Hace más de una década que nuestro país ofrece una creciente oferta de festivales musicales de diversos estilos y gran calidad que hace de España, un país atractivo musicalmente durante el periodo estival. Miles de jóvenes se desplazan de diferentes países o provincias para disfrutar de sus artistas favoritos en un ambiente extraordinario: amigos, música, camping, vacaciones y en algunas ocasiones, playa.

Desde Punto de Encuentro hemos querido hacer un Top 5 de festivales nacionales durante este verano. Si te gusta la música y quieres hacer un tour festivalero aquí tienes toda la información sobre los mejores festivales del 2012.

FIB

El Festival Internacional de Benicassim presenta un cartel más modesto que el de los últimos años, pero por eso no deja de haber magníficos artistas en su cartel como Florence And The Machine, Crystal Castles, Bob Dylan, At The Drive-In , The Maccabees, Cooper o Noel Gallagher, quien la última vez que se subió al escenario de Benicassim lo hacia en compañía de su hermano como Oasis.

Las últimas incorporaciones al festival son de los más varipintas: Arp Attack, Ham Sandwich, Sons Phonetic, Juanita y Los Feos, Lisa Hannigan, The Secret Society, Delorentos, Klaus & Kinski, Pony Bravo, SebastiAn, Yuksek, Bat for Lashes, Little Dragon y Dave Clarke.

Si algo ha sorprendido en esta edición es la presencia de David Guetta u Oscar Mulero, artistas que no están dentro de los parámetros musicales que rige este festival, y que no ha sido de agrado para los múltiples jóvenes habituales en Benicassim.

Recordamos que el festival se celebrará los días 12, 13, 14 y 15 de Julio en la ciudad Benicàssim (Castellón) pero que desde el 9 de julio podrán disfrutar de la zona de acampada y de las fiestas de bienvenida. El precio del abono de 4 días ya está disponible a un precio de 165,00 euros aunque también es posible la entrada por día con un coste de 75 euros. Las entradas de camping ya se han agotado pero se ofrece la entrada de caravanas a un precio de 80 euros.

BILBAO BBK LIVE 2012

Durante los días 12, 13 y 14 de julio se celebrará el Bilbao BBK Live 2012 en  Kobetamendi (Bilbao), festival que podemos considerar como el “festivalón” del verano y es que este año nos trae un cartel impecable.

Mencionaremos en primer lugar a Radiohead, cuya actuación será la única que realizarán este año en el país. Snow Patrol, The Cooks, The Cure, The Gift, Corizonas, Lori Meyers, Sum 41, Keane, Garbage son algunos de los grupos que completan el cartel.

Destacar por otro lado la participación de Vetusta Morla en el BBK, que será una de las pocas actuaciones en festivales que realizarán este año los madrileños.

El bono para los tres días tiene un coste de 105 euros y para aquellos que sólo quieran disfrutar del festival un día, el coste será de 55 euros.

ARENAL SOUND

El Festival que comenzó tímidamente en 2010, en cuestión de un año se ha convertido en un referente entre los festivales nacionales ya que, el Arenal Sound cerró su segunda edición con unas cifras más de 160.000 asistentes.

Con ganas de seguir creciendo y de recibir a miles de personas, el festival nos presenta un cartel fastuoso que contará con bandas como The Doors Cinema Club, Kaiser Chiefs o Crystal Fighters.

En cuanto a las bandas nacionales, el Arenal Sound es el evento que más grupos españoles presenta entre los que cabe destacar a Love of Lesbian, Lori Meyers, Sidonie, La Pegatina, Second, Anni B. Sweet, Sr Chinarro, El Columpio Asesino, Hola A Todo El Mundo, Delafé y las flores azules, Maga, Zahara y La Sonrisa de Julia.

The Zombie Kids será el encargado de poner el punto de locura al Festival que se celebrará del 2 al 5 de agosto en La playa El Arenal, Burriana, Castellón.

Cabe destacar que aunque el festival se celebrará entre el 2 y el 5 de agosto tiene preparadas para el 31 de julio y el 1 de agosto dos fiestas de bienvenida en la que los Arenal Sounders podrán disfrutar de las actuaciones de grupos como Dorian, Maadraassoo DJ, Ellos, The Casters, Lagarto Amarillo, Pol 3.14, The Monomes, Lollypop y The Swifts entre otros.

Los precios para los abonos oscilan desde los 42,50 euros hasta los 200 euros, incluyendo en todos de ellos las fiestas en el barco propio del Festival. Si os seduce el cartel daos prisa porque las entradas se están agotando.

SONORAMA

Desde hace 14 años el Sonorama actúa como una especie de Masía en la que su escenario ha sido testigo del nacimiento de muchas bandas y el sello de la popularidad de muchas de ellas.

Del 9 al 12 de Agosto en la ciudad de Aranda del Duero, Burgos, se podrá disfrutar de las actuaciones de Cooper, El Columpio Asesino, La Casa Azul, Los Enemigos, Love of Lesbian, Maika Makovski, Napoleón Solo, Russian Red, Sidonie, The Cabriolets, The Zombie Kids o Vetusta Morla entre otros.

Siguiendo la filosofía del festival para que todo los públicos puedan acudir a él con un precio low cost, los precios del abono siguen entorno a los 50 euros.

DCODE

En el mes de septiembre entra la depresión se apodera de la población ya que el verano cierra sus puertas, las vacaciones se terminan… pero este mes ofrece la posibilidad de seguir disfrutando de la música y esta ocasión en la capital española.

El Dcode Festival presenta un cartel de lujo con The Killers y The Kooks en cabeza completado con artista de la talla de Dorian, Kings of convenience, The Shoes, Triángulo de amor bizarro y Supersubmarina entre otros.

El festival se celebrará los día 14 y 15 de septiembre en la ciudad universitaria de Madrid y el precio del abono tiene un coste de 80 euros.

David Redondo. (@Dr_Redons) – 30/06/2012

Por increíble que les parezca a algunos, el mundo no se divide en blancos y negros, en altos y bajos, en buenos y malos o, como diría el biólogo y psicólogo Alfred Kinsey (EEUU, 1894-1956), en ovejas y cabras.

Y si este científico nos dice que el mundo no se divide en cabras y ovejas es porque en los años cuarenta y cincuenta, contra lo que muchos pensaban, también intentó demostrar que el mundo de la sexualidad no se divide en heterosexuales y homosexuales. Y así lo dejó reflejado en un informe científico publicado en 1948 dentro de su obra ‘Sexual Behavior in the Human Male’ (‘El comportamiento sexual en el hombre’).

No deja de ser curioso que, más de sesenta años después, haya quienes sigan considerando que las cosas son blancas o negras. O como la Iglesias Católica sostiene, que no ser exclusivamente heterosexual es antinatural. Digo “exclusivamente heterosexual” porque los estudios realizados por Kinsey nos demostrarán la utilidad de ese término en un nuevo concepto de comportamiento sexual.

Para Kinsey “es importante comprender que la naturaleza raramente se deja clasificar con categorías. Es la mente humana la que inventa categorías y fuerza la realidad para encasillarla en ellas. En la vida real hay una continuidad entre uno y otro extremo. Cuanto antes entendamos este aspecto de la conducta sexual humana, antes alcanzaremos una comprensión real de la sexualidad.” . Es decir, es el hombre quien considera que las personas son o totalmente homosexuales o totalmente heterosexuales. Y sí, siempre se ha dejado abierta la puerta a lo que se creía que era un pequeño e insignificante número de personas bisexuales.

“Es cierto que algunas personas tienen una historia exclusivamente heterosexual, tanto en sus experiencias físicas como en sus reacciones psíquicas; del mismo modo, hay personas exclusivamente homosexuales, tanto en sus experiencias físicas como en sus reacciones psíquicas. Pero nuestros datos muestran que hay una proporción considerable de la población en cuyas historias se combinan la heterosexualidad y la homosexualidad.”

La obra de Kinsey no sólo niega esto sino que además niega la afirmación de que tanto la homosexualidad como la heterosexualidad de una persona sea algo innato.

¿En qué consiste la Escala Kinsey?

Kinsey llevó a cabo un estudio del comportamiento sexual de hombres y mujeres de raza blanca. Más de 10.000 fueron los estudiados por el biólogo y psicólogo norteamericano. Kinsey, con datos en la mano, expone que un gran número de hombres y mujeres aun cuando se declaran heterosexuales y casi la totalidad de sus experiencias sexuales han sido de este tipo, han mantenido algún tipo de experiencia física homosexual o bien mostraron reacciones psíquicas cercanas a la homosexualidad. Dicho de otro modo, en las miles de entrevistas que realizó Kinsey, encontró que un gran número de sujetos heterosexuales habían tenido o deseado en algún momento a alguien de su mismo sexo.

Evidentemente, los estudios de Kinsey no hubieran tenido tanta repercusión y levantado tanta controversia si la única conclusión hubiera sido esta. No, Kinsey fue más allá y creó una escala de comportamiento sexual. “Para dar cuenta de esta continuidad entre los dos extremos de la escala (las historias exclusivamente heterosexuales y las exclusivamente homosexuales) nos ha parecido conveniente desarrollar una especie de clasificación que refleje los distintos grados de experiencia o respuesta heterosexual y homosexual de cada historia.”

Así, Kinsey y su grupo de científicos establecieron una escala que va del 0 al 6:

0. Exclusivamente heterosexual.
No desarrolla emociones con personas de su mismo sexo más allá de la amistad. Los individuos que se pueden clasificar dentro de este rango no es que no hayan mantenido nunca algún tipo de experiencia con gente de su mismo sexo, pero en tal caso les desagradó. No interactúan ni desean hacerlo en términos eróticos con personas de su mismo sexo. Importante ese concepto de deseo para Kinsey.

1. Predominantemente heterosexual y solo incidentalmente homosexual.
En este grupo se encuentran individuos considerados a sí mismos como heterosexuales que de manera muy esporádica ha mantenido o deseado mantener algún tipo de contacto erótico o sexual con alguien de su mismo sexo. Los hombres de este grupo adoptan siempre el rol de activos, si se sienten atraídos por otros individuos masculinos, es de manera incidental y con aquellos cuyos rasgos pueden recordar a una mujer.

2. Predominantemente heterosexual y con experiencias homosexuales más que incidentales.
Se trata de individuos que empiezan a tener interés en personas de su mismo sexo, aunque su inclinación principal es heterosexual. Es decir, continúa más orientado hacia el sexo opuesto. Se esfuerza por ocultar toda señal de otra orientación sexual y ya siente curiosidad y atracción por los de su mismo sexo. Estos hombres y mujeres no se enamorarán de alguien de su mismo sexo, pero las relaciones sexuales con ellos y el deseo son más que esporádicas.

3. Igualmente heterosexual y homosexual.
Desea y mantiene abiertamente experiencias sexuales tanto con los individuos de su mismo sexo como con los del opuesto. A partir de este nivel de la escala, los individuos pueden enamorarse de alguien de su mismo sexo. En los niveles anteriores, no.

4. Predominantemente homosexual y con experiencias heterosexuales más que incidentales.
Aunque frecuentan a individuos de sexo opuesto al suyo, prefieren encontrarse con gente de su mismo sexo. Los hombres de este nivel de la escala, siguen teniendo contactos sexuales con mujeres, pero lo que realmente les llena es hacerlo con otros hombres. En esta etapa puede haber enamoramiento hacia un ser de su mismo sexo, más difícil es que lo haya hacia alguno de sexo opuesto.

5. Predominantemente homosexual y solo incidentalmente heterosexual.
Las personas que Kinsey clasifica dentro del grado 5 mantienen de manera frecuente relaciones sexuales con personas de su mismo sexo y existen relaciones de enamoramiento claras.

6. Exclusivamente homosexual.
Sólo pueden tener relaciones con personas de su mismo sexo, preferiblemente también homosexuales pues el grado de enamoramiento que pueden experimentar es claro. También, en este grado, la fidelidad juega un papel importante. Pues en otros grados la relación entre individuos del mismo sexo se reduce a algo puramente sexual. Aquí sí que puede existir esa exigencia de fidelidad.

Estos son los 7 niveles que estableció Kinsey dentro de su escala y que clasifican al hombre y a la mujer según su comportamiento y deseo sexual abriendo la puerta a distintos grados de homosexualidad en personas heterosexuales y viceversa.

Con cifras en la mano…

Algunos datos del estudio de Kinsey en el comportamiento sexual de hombres de raza blanca nos dejan conclusiones como que 1 de cada 3 hombres han tenido alguna relación homosexual entre los 16 y los 55 años:

-El 37% del total de la población masculina estudiada ha tenido al menos alguna experiencia abiertamente homosexual, hasta alcanzar el orgasmo, entre la adolescencia y la edad adulta. Casi dos de cada cinco hombres.
- El 50% de los hombres que se mantienen solteros hasta los 35 años han tenido alguna experiencia abiertamente homosexual, hasta alcanzar el orgasmo, desde el inicio de la adolescencia.
- El 50% de los hombres aproximadamente no han tenido ninguna experiencia homosexual abierta (ni física ni psíquica) desde el inicio de la adolescencia.
- El 13% de los hombres aproximadamente tienen una reacción erótica ante otros hombres sin haber mantenido ninguna experiencia abiertamente homosexual desde el inicio de la adolescencia.
- El 30% de los hombres han tenido experiencias homosexuales, al menos incidentalmente, durante un periodo de tres años como mínimo, entre la edad de 16 y de 55 años. (Nivel 1 en la escala)
- El 25% de los hombres ha tenido experiencias sexuales físicas o reacciones psíquicas más que incidentales durante un periodo de tres años como mínimo, entre la edad de 16 y de 55 años (nivel 2 en la escala).
- El 8% de los hombres son exclusivamente homosexuales durante un periodo de tres años como mínimo, entre la edad de 16 y de 55 años (Nivel 6 en la escala)
- El 4% de los hombres blancos han sido exclusivamente homosexuales en sus vidas desde el inicio de la adolescencia.

Es cierto, también, que a pesar de que el informe Kinsey -basado en entrevistas a miles de hombres y mujeres- adolece de algunos problemas legales, metodológicos y técnicos importantes, los resultados expuestos han coincido con estudios posteriores realizados con otras metodologías, en otras partes del planeta y en otros momentos.

Así que, ahora que nos encontramos en medio de las fiestas del Orgullo Gay, quizá más que pensar en qué es lo natural o antinatural, más que pensar en si todo es negro o blanco… Tal vez la pregunta para los más heterosexuales debería ser: “¿cuánto de gay tengo yo?”

La prestigiosa revista Time dedicó esta portada a Alfred Kinsey

REPORTAJE Y FOTOGALERÍA SOBRE ZAC EFRON. Actor, California (EEUU), 24 años

Zac Efron ya no va al instituto

Roger Rosich (@rogeRosich) – Reportaje. 03/06/2012

De ídolo teen a actor adulto hollywoodiense. Este es el objetivo, este fue el deseo de año nuevo de Zac Efron para este 2012.

Siendo sólo un niño, Zachary Efron, Zac, dio sus primeros pasos para su vida de actor estrella. Apareciendo en pequeños papeles de niño en series como Urgencias, El Guardián o CSI Miami. Después de un telefilm con el que consiguió una nominación al Young Artist Awards, el año 2005 saltó a la pantalla grande con The Derby Stallion (Craig Clyde). También participó en una serie de Disney Channel… y de allí a la casa grande: a estrella de pelis Disney enfocadas al público teen (y a padres y a hermanas mayores de público teen, las cosas como son).

Antes de ser el conocido y popular Zac Efron, fue Troy Bolton, el héroe adolescente protagonista de la serie de películas musicales High School Musical: un simpático y guapo capitán de equipo de baloncesto de instituto que sin problemas se ponía a cantar y bailar. Y es que cantando también consiguió algunos triunfos musicales (aunque parece que en el primero de los films haciendo de Troy doblaron su voz a la hora de cantar).

El año 2006 llegó la primera película de High School (dirigida por Kenny Ortega), y el 2007, y con el éxito correspondiente, grabaron la segunda. El mismo año en que redondeaba el triunfo con su papel de Link Larkin en Hairspray (Adam Shankman): un papel hecho a medida en una película adaptación de una comedia musical de Broadway, con Michelle Pfeiffer, John Travolta y Queen Latifah, entre otros.

El 2008 grabaría la última de las películas de la serie adolescente: High School Musical 3: Senior Year. La culminación del teen boom disfrutando del éxito, compartido y retroalimentado con su relación con Vanessa Hudgens, su pareja en la ficción adolescente y en la realidad, con la que sacaría rédito a su relación: jovenzuelos, discretos, simpáticos y guapos eran la pareja de moda teen del estrellazgo americano.

El 2009 rodaría Yo y Orson Welles (Richard Linklater), donde daría vida al protagonista, un joven actor contratado por Welles a la Nueva York de los años 30. También daba vida a un adolescente cuando salió en 17 otra vez (Burr Steers), donde era Matthew Perry, que había madurado mal (¡cierto!), transformado a la edad de 17 otra vez.

El 2010 le prepararían un papel expresamente pensado en él, interpretando a Charlie St Cloud (que no funcionó nada bien; aquí a España con el nombre Siempre a mi lado). El mismo año en que dejaría su relación con Vanessa: se terminaría su amor y empezaría otro con la Blancanieves (parece ser que este cuento se le ha metido entre ceja y ceja al mundo del cine) Lily Collins. Aunque ahora parece que tiene una relación con la cantante y actriz Taylor Swift.

Todo cambia con ‘The Lucky One’

Y el trabajo de 2011 es el del salto cualitativo (o no), sobretodo con The lucky one (Scott Hicks), recién estrenada aquí, retitulada como Cuando te encuentre. Un drama romántico que se promociona como la primera película de un veinteañero Zac Efron “maduro”, actor ya del mundillo adulto de Hollywood, lejos de su vida en Disney y su High School. También con un look más maduro, con barba y pelo corto. ¿Pero es realmente una película con un Zac Efron adulto y para adultos?… La respuesta es no: es un Zac Efron para sus fans.

En la película interpreta a Logan, un soldado americano vuelto de Irak, con su trauma de guerra, con la necesidad de encontrar un lugar en el mundo, un bueno tan bueno que quizás que pasa a ser un dulce de leche de protagonista.  Con él, Beth (Taylor Schilling: actriz adulta para contrarrestar un poco más la juventud de Zac), nuestra guapa para nuestro héroe, una mujer joven, divorciada, que vive con su abuela y su hijo llevando un negocio de cuidado de perros, donde contratará a Logan, un joven misterioso que llega a su puerta en realidad porque encontró una foto de ella mientras luchaba en Irak, una foto especial que le dio suerte.

Zac no se ha cansado en la interpretación; solamente interpreta a un joven atónito, que no habla mucho, que mantiene una cara de seriedad serena. Supongo que habrá dedicado más tiempo al gimnasio para cuidar su cuerpo de militar que se pone a trabajar casi de granjero americano típico. Y es que nos encontramos con un fornido marine Efron puesto con camisa de cuadros ajustada a hacer correr perros o a descargar sacos. Y claro, pronto surgirá algo con Beth… y con ello los momentos más sensuales-sexuales, donde nuestro amigo Zac no nos falla y el director sabe bien donde poner la cámara para satisfacer a las fans.

Zac Efron, que quiere ser adulto cinematográficamente, aun está demasiado connotado y aun se lo tiene que trabajar más como actor. Se hace camino al andar. Y andando hizo New Year’s Eve, una peli coral donde sale con una larga lista de estrellas hollywoodienses viviendo una especial Nochevieja: Hilary Swank, Michelle Pfeiffer, Halle Berry; Robert de Niro, Jessica Biel, Ashton Kutcher, etcétera.

Tenemos pendiente Liberal Arts, escrita, dirigida e interpretada por Josh Radnor, donde saldrá él y otra joven que está abriéndose muchas puertas: Elizabeth Olsen.

Estas no son las únicas películas de la escalada a la madurez y al reconocimiento del bueno de Zac, no señor. Hace unos días hacía su puesta de largo en Cannes, presentando The paperboy, un film de Lee Daniels (el director de Precious), del cual mucho oiremos hablar. En esta vuelve a interpretar a un chicotote guapote y fortote que se pasa la película en ropa interior en un sudoroso contexto sureño norteamericano de los setenta, compartiendo escenas tórridas y enloquecidas con Nicole Kidman (que parece que se ha soltado la melena), Matthew McConaughey o John Cusack.

¿Conseguirá Zac su objetivo de consolidarse como actor adulto acreditado? ¿Mantendrá la sonrisa, los bíceps y el look impecable? ¿Nos sorprenderá con algún papelón? ¿Seguirá siendo pan para fans teen? En octubre cumplirá 25 años. La gran pantalla será quien responda a estas preguntas.

FOTOGALERÍA:

(haz click sobre las fotos para ampliar)