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REPORTAJES HISTÓRICOS

Profesor Jose Carlos Rueda Laffond y alumnos.

OTRAS

FOTOGRAFÍA: Ana Garcí­a, Laura Capella

EL RINCÓN DE LA PUBLICIDAD:

Rebeca Amieva.- Opinión

El Teatro Arteria Coliseum colgaba el cartel del Sold out. Más de mil personas se agolpaban en la entrada ocupando parte de la Gran Vía madrileña. Por fin, Russian Red presentaba su último disco Fuerteventura (Sony Music, 2011) en  Madrid, su ciudad natal. Nueve meses de espera, desde el lanzamiento de su segundo disco, aunque mereció la pena. Indies, chicas con perlas,  bufandas de cuadros, matrimonios cincuentones, mucha niña mona pero ninguna sola…Un público heterogéneo deseoso de ver a Lourdes Hernández en un escenario.

I Love your Glasses (Eureka, 2008), su primer trabajo, la convirtió en la niña mimada del pop independiente español. Digo niña mimada porque su nombre ocupaba los carteles de la mayoría de los festivales de nuestra geografía. Ya entonces, fans y detractores de su música coincidían en que su directo era de pata negra. Y es que Lourdes lo tiene todo para ser una estrella. Su cambio de discográfica parecía cuestión de Estado, “abandono de lo independiente” decían muchos. PeroFuerteventura representa lo mejor de lo independiente y del mainstream, si con I Love your Glasses, Lourdes se colaba en la lista de nominados en los Premios de la Música ’09, aspirando a los premios de Artista Revelación, Mejor Álbum de Pop Alternativo y Mejor Autor Revelación; Fuerteventura significó ganar el MTV Europe Music Awards como mejor artista español.

Pese a todo, era mi primera vez, hasta entonces me había resistido al directo de Russian Red. Mi excusa no es otra que la saturación, demasiada información de una chica que todo el mundo dice que es perfecta. Conciertos, festivales, entrevistas, declaraciones ideológicas (y artículos de El País medio crucificándola), vídeos entre perchas, versiones con cantantes muertos…Demasiado. Pero rectificar es de sabios y lo de aquella noche fue un zas en toda la boca señores.

Puntual, Russian Red aparecía en un escenario magníficamente iluminado, a la altura de un teatro como el Coliseum. Un neón rosa colgaba del techo y nos recordaba a quién íbamos a ver. Vestido negro y taconazos (que no la podían quedar mejor), pelo recogido y copa de vino tinto para hidratarse. Estábamos ante una diva.

Russian Red en el Arteria Coliseum | Luis Tausia

Visiblemente emocionada, pero muy segura, se colocaba junto a sus cuatro acompañantes: el guitarrista Stevie Jackson y el bajista Bobby Kildea (ambos componentes de la fantástica banda Belle & Sebastian); Pablo Herrero y Charlie Bautista.

Lourdes comenzó con “The memory is cruel”, siguió con “Nick Drake” y “Everyday Everynight”; tres canciones perfectas en su ejecución y que mejoran en el directo. “I hate you but I love you”, “The Sun”, “The Trees” y”Fuerteventura”; arrancaron los primeros gritos del público y las cabecitas del personal comenzaban a menearse.

Tras estos dos tríos de canciones absolutamente perfectos, Lourdes anunciaba que iba a mostrarnos el montaje habitual de sus conciertos, formado por Pablo Herrero y Brian Hunt. Los tres se han recorrido medio mundo: Nueva York, Chicago, Washington, Taiwán, Hong Kong o Londres; y se nota en el directo, destacando la voz de Lourdes ante los instrumentos.

Complicidad y renovación para “No past Land”, ”They don´t believe” y el hit “Cigarretes”, tocadas por la formación inicial. Nuevos arreglos para tres canciones de su primer disco, coros acompañados por una iluminación intimista y una Lourdes deslumbrante, su voz rasga el aire y pone los pelos como escarpias.

“Brave Soldier”, “Tarantino” y la canción que Russian Red compuso para la película Habitación en Roma, “Loving Strangers”; fueron las siguientes en los acordes. Pero lo mejor estaba por llegar, con”January 14th” y “My love is gone”. Lourdes disfrutaba de su música y mientras tocaba su guitarra acústica, contoneaba su cuerpo serrano por el escenario.

Para acabar, Lourdes interpretó una versión improvisada de “Baby it´s you” y terminó sola en el escenario cantándonos “A hat”. Con esta actuación no quedaba otra que levantarse de la butaca y aplaudir, aplaudir mucho.

Puesta en escena inmejorable, sonido limpio, banda entregada y compenetrada; el directo perfecto que todo artista querría. Russian Red se ha ganado mi respeto y ha recuperado su hueco en mis listas de reproducción. Una diva les decía.

Russian Red “Baby it’s you”

Russian Red “A hat”

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Nauzet Robaina (@NauzetRo)

Somos conscientes, conocemos las dificultades, sabemos el peligro al que nos exponemos y aún así dejamos que ocurra. Una vez más, volvemos a afirmar que el periodismo es una profesión de riesgo.

Conocida la muerte de dos profesionales de los medios de comunicación occidentales en Homs (Siria), vuelve a plantearse el debate sobre la protección de los enviados especiales de los medios de comunicación que cubren de primera mano los hechos en lugares en conflicto armado.

Si hace alrededor de un mes ya denunciábamos esta misma situación tras la muerte de un periodista francés en la misma ciudad, ahora han sido dos reputados profesionales, Marie Colvin, del Sunday Times, y el fotógrafo Remi Ochlik, de Paris Match -reciente ganador del World Press Photo-, los que han sido hallados sin vida.

¿Es necesario que ocurra todo esto? ¿Resulta rentable jugar con la vida de periodistas, fotógrafos, cámaras, reporteros, enviados especiales o corresponsales a cambio de una noticia de primera mano?

La crítica no se dirige tanto al envío de profesionales a zonas de conflicto, pues muchos lo hacen por voluntad propia -es el caso de Colvin- y con vocación innegable de servicio, como a las condiciones del envío. La desprotección deja a la suerte que destacados periodistas sigan vivos, en ocasiones por su atrevimiento y, en otras, porque es la única forma de ser testigos de las cosas y así poder contarlas.

¿Hay forma de hacer compatible la información y la seguridad? ¿Merece la pena obviar lugares complejos y peligrosos en pro de salvaguardar la integridad de unos empleados, a riesgo de abandonar causas que todos hemos de conocer? Cabe denunciar a los medios que aborden esta cuestión tan delicada desde la fórmula de la rentabilidad y respetar a quienes ordenan desde la responsabilidad. Y aplaudir a compañeros como Colvin y Ochlik, últimos soldados del Periodismo asesinados relatando que otros muchos son asesinados.

Teresa Aísa (@taisagasca) - Entrevista

Un joven periodista de 26 años recoge el 1997 un Premio Ondas a mejor programa de radio local, y cuatro años después se sube al mismo escenario para recoger de nuevo el mismo galardón por su programa Problemes Domèstics de Catalunya radio. La precoz recogida de uno de los premios más deseados por todos aquellos que desarrollan su carrera laboral en el mundo de la información va de la mano de Manel Fuentes.

El periodista, nacido en la ciudad condal en 1971, comenzó su carrera como comunicador tras licenciarse en Periodismo por la Universidad Autónoma de Barcelona. Desde ese momento, la carrera de una de las figuras más conocidas en el panorama periodístico nacional, especialmente catalán, no ha cesado ni por un momento. Si su renombre llegó pronto con sendos galardones, el público comenzó a hacerse con su cara gracias a sus apariciones en el famoso programa de su colega Javier Sardá Crónicas Marcinas, emitido por la cadena Telecinco, las cuales le permitirían acabar obteniendo un programa propio en esta misma cadena, La noche… con Fuentes y cía.

Su gen cómico quedó más que confirmado durante varios años con una serie de programas televisivos como El club de la comedia, 5 hombres.com, Caiga quien Caiga, Malas compañías… A pesar del éxito cosechado en la pequeña pantalla, Manel vuelve a la radio con programas como Doce en punto, de Punto Radio; Problemas Domèstics, de Catalunya Radio; El matì de Catalunya Radio…

Después de una carrera así, nadie se cree que en una noche como la entrega de los Premios TP de Oro de la televisión un presentador como Manel Fuentes no esté presente. En este caso lo hace gracias a la nueva revelación de Tu Cara me suena, de Antena 3. Al preguntarle sobre que iba a pasar con las nominaciones de su programa a los Premios TP, Manel declaró: Venimos aquí a ver a los compañeros, ganar tiene que se la leche pero… ¡Ahora no nos metas presión! ¡Imagínate que ganamos y tenemos que pensar en un discurso! ¡Qué gane otro! ¡Qué gane Sobera, que es amiguete!. Rodeado de una nube de “bueno rollo”, el periodista se ríe un rato con nosotros y nos cuenta más sobre su programa.

Saliéndose del resto de las programaciones en este tipo de horarios, más orientados al cotilleo, la cadena Antena 3 ha optado por un por un entretenimiento blanco, dejando un poco de lado a la prensa rosa… Yo creo que Antena 3 tiene un modelo claro de tele y soy un hombre absolutamente feliz de formar parte de una tele que no te avergüenzas de ver. Estar en ella con todos los compis como Valls o Sobera, que somos todos amiguetes, lo ha construido desde la propia cadena con un perfil tan definido. 

La cadena, con su gran apuesta por este tipo de entretenimiento, ha podido con todas las demás programaciones emitidas y ha conseguido reunir frente a la televisión a públicos de todas las edades y condiciones, haciendo de este programa un momento de diversión para una audiencia plural y con diferentes intereses.

Este nuevo programa lo tiene todo: música, risas, famosos… Si, yo creo que este programa tiene varios ingredientes. Tiene parte musical pero también tiene un show de humor en el que nadie sabe qué va a pasar, ni en el jurado ni con los concursantes.

Un grupo de caras conocidas como Angy Fernández, Santiago Segura o Julio Iglesias entre otros, deben demostrar al público y a un jurado cómo sus capacidades vocales son adecuadas sino que se éstas se adaptan al máximo a las del personaje al que imitan.

¿Se imaginó alguna vez presentando un programa musical? La música es una de mis pasiones, yo en mis escondidas me reúno con mi grupo y tocamos. Al final, en este programa era hacer de maestro de ceremonias en algo que conozco y me encanta.

Desde que el programa se estrenada el 28 de septiembre del pasado año, el show no ha dejado indiferente a nadie. Comenzando con una audiencia notable, cada semana eran más las personas que buscaban la cadena en sus televisiones consiguiendo incrementar hasta un récord histórico de audiencia, en el desenlace final de la primera edición, de un 25.9%, siendo todas las semanas anteriores programa líder en su franja horaria.

 Tu cara me suena puede decirse que ha sido el programa de la temporada ¿Qué ha supuesto para el equipo todo esto? Bueno, ha sido un subidón total. Un público que estaba ahí, noche tras noche enviando por Twitter varios comentarios y haciendo “hashtags” que nos han dado mucha fuerza. Creo que hay mucha gente que quiere venir a la segunda edición y vamos a ver como compaginamos los concursantes que ya estuvieron con gente nueva. Yo es que me los quedaría todos, pero quiero que vengan más. Estamos muy contentos y con ganas de volver.

Y así es, pues ya se prevén la segunda temporada de este programa para la primavera 2012, en la cual se esperan nuevas voces entre las que se barajan Nuria Fergó, Ana Obregón, José Mota, Karlos Arguiñano… Sin embargo, aun no hay nada seguro y a Manel tampoco se le escapa nada…

¿Alguna novedad para la segunda temporada? Bueno, va a haber alguna novedad porque evidentemente no podemos repetir exactamente el mismo formato e iremos comprobando a medida que se acerque el día, pero sobretodo creo que va a haber un reparto que va a impresionar.

Gozosa ya de éxito, la segunda temporada de Tu cara me suena seguro vendrá pisando fuerte. Sin embargo, las demás cadenas no se han quedado indiferentes y cada día se apuesta más por este tipo de programas, más aún cuando las situaciones como las que hoy en día vive la sociedad requieren de sonrisas, tal y como nos cuenta el presentador: yo creo que es una fórmula agradable  para digerir la realidad que nos toca a todos vivir. En Tu cara me suena el hecho de que haya un premio en metálico que vaya a destinarse a una ONG, es algo que creo que se agradecen en este momento. Nadie está para ver a nadie pavoneandose sino gente que pueda sacar algún dinero de la tele, competir bien y apañarse en estos tiempos duros que nos tocan vivir.

Ahora, solo queda esperar más música, más caras conocidas, más risas y sobretodo más Manel Fuentes.

Jesús Poveda (@j_poveda) – Reportaje

El mandato férreo de Casey Stonner en MotoGP con HRC le es muy familiar al mundo del motociclismo. Otro piloto australiano también dominó la categoría reina con dicho equipo años atrás. La forma de “tirar” la moto al entrar en curva y de derrapar al salir son señas de identidad que esos dos pilotos han dejado en el Mundial; Stoner con la RC212V y su predecesor sobre la NSR de 500c.c.: Mick Doohan. La historia del pentacampeón del mundo está basada el trabajo y el tesón que le llevaron a lo más alto.

El pentacampeón del mundo de 500c.c. pasó por momentos tan buenos como su hegemonía incontestable pudo ofrecerle, pero también se vio obligado a sufrir el dolor extremo de las lesiones en su pierna derecha que le apartaron por un par de temporadas de la senda de la victoria. En sus 11 años en activo el tesón que le caracterizaba le llevó a subir 54 veces a lo más alto del pódium, a conseguir 58 poles y a registrar 46 veces la vuelta más rápida en carrera. Pero ese tesón no fue suficiente para poder continuar corriendo después de la última lesión grave que sufrió en un circuito. En el año 1991, la curva número 3 del Circuito de Jerez vio cómo el que hasta entonces fue el australiano más rápido de la historia se rompía otra pierna y sufría lesiones graves en los nervios del brazo izquierdo.

Inicios

Michael Doohan nació en Brisbane, Australia, el 4 de mayo de 1965. Mick, como es conocido por todos, comenzó a competir en moto en 1974, con tan solo 9 años. Como la mayoría de los pilotos del motociclismo actual fue su padre, Collin, quien introdujo a Doohan en la competición. El campeonato regional de Dirt Track australiano fue su cuna, pero su progresión se vio truncada cuando falleció su padre. El joven Doohan pasó por una etapa de crisis personal sin su padre para guiarle y se desentendió por completo de la competición oficial, hasta que sus amigos le convencieron para que compitiera regularmente con una 250c.c. Durante la década de los 80 destacó en los Campeonatos de Superbikes de Australia y Japón.

El debut en la categoría reina llegaría en 1989 con el único equipo del que formaría parte: el Honda HRC. En su año de inicio terminó 9º y mostró una habilidad poco normal en un novato. Con el 3º puesto final en el 90, y su primera victoria en el bolsillo, y el 2º lugar del campeonato en el 91 Doohan tenía la progresión perfecta para conseguir el título de 1992.

El sufrimiento de las lesiones

Wayne Rainey había dominado los años anteriores en los 500c.c. pero en 1992 Doohan ya demostraba una intensidad en la competición superior a cualquier otro piloto. Cuando lideraba sobradamente el campeonato sufrió una caída en Assen que le provocó, entre otras cosas, gangrena en su pierna derecha. Y de no ser por la intervención del Doctor Costa, que optó por inmovilizar ambas piernas juntas para recuperar los tejidos muertos, la carrera del australiano habría finalizado en ese mismo año con la amputación de su pierna.

La recuperación psicológica y físicamente fue admirable. Para el comienzo de la temporada de 1993 el piloto de Honda estaba totalmente recuperado. Pronto repararía en que era incapaz de accionar la palanca del freno trasero debido a la rigidez de su tobillo derecho, con lo que optó por un método revolucionario en la época: una maneta alternativa bajo la del embrague que se accionaba con el dedo pulgar. El propio Doohan aseguró que no fueron tiempos fáciles: “No quise perder tiempo esperando a recuperarme porque sabía que cuanto más tardase en volver a subirme a la moto, más difícil sería hacerlo. Pero hubo momentos en los que pensé que no lo conseguiría”.

Su capacidad para soportar el dolor ha llegado a convertirse en una leyenda, esto es así por circunstancias como la que se produjo en el GP de Alemania de 1995, el año de su segundo título mundial. Mick se fue al suelo en los entrenamientos y se rompió un dedo, pero rechazó los analgésicos y volvió a pista para conseguir la pole, sólo porque no le gustaban.

El resto de su historia es conocida por todos: consiguió cinco títulos mundiales consecutivos en la máxima categoría del motociclismo mundial en los años 1994, 1995, 1996, 1997 y 1998; hasta su retirada en la temporada siguiente a causa de la caída en Jerez que le convenció de que era el momento de finalizar su carrera definitivamente.

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Jose Luis Real – Entrevista. 21/02/2010

Su último trabajo fue como uno de los protagonistas de la serie de Cuatro ¿Hay alguien ahí­?, además es conocido por sus papeles en la serie Motivos personales y en pelí­culas como La noche del hermano, No me pidas que te bese porque te besaré, y Camino.

 Reconoce la familia y los amigos como apoyos fundamentales en su carrera y la paciencia como única bandera en la profesión.

Pregunta: ¿Cómo empezó todo esto, fue por vocación, por casualidad, o ninguna de las dos?

R: Un poco de las dos. De pequeño ya me gustaba mucho el cine, la interpretación, el tema de los actores y supongo que el ver cómo viví­an, su fama y demás. Me acuerdo que a los dieciséis años un amigo me dijo: ¡Apúntate a una agencia de publicidad para hacer anuncios¡ y yo dije: ¡Paso¡, porque realmente no me apetecí­a nada, pero me apuntó él.   Me   llamaron un dí­a para hacer mi primer casting y me cogieron para hacer un anuncio en Port Aventura, y a partir de ahí­ vi que era dinero fácil y empecé a hacer un montón de anuncios en apenas dos años. Por aquel entonces tendrí­a diecisiete años y hací­a los casting para niños de catorce, siempre he parecido más joven, ahora tengo veintisiete y parece que tenga veintidós. Más adelante tuve que decidir, yo estaba con Bachillerato y el tema de la carrera pero finalmente estuve tres años en una escuela de teatro de Barcelona, hice el casting para La noche del hermano, me cogieron y me fui a Madrid. Y hasta ahora.

P. ¿Qué hubiera sido de Jan Cornet de no ser actor?

R. Supongo que como a todos, llegas a un momento en que no sabes muy bien qué hacer con tu vida, a dónde dirigirla, pero en ese momento realmente no lo sé, siempre estoy a tiempo de cambiar, pero no creo que lo haga. Me gusta mucho cocinar, igual hubiese sido cocinero, y no te digo que algún dí­a no monte un bar o parecido.

 P. Has dicho, ¡no creo que cambie¡ y me parece curioso porque este mundo resulta algo así­ como el de no retorno, una vez que se entra parece muy difí­cil salir.

R. Es un mundo muy difí­cil, supongo que ahora más cuando eres joven, al tener la carrera hecha, empiezas a considerarte estable. Pero tienes que tener la cabeza centrada, y tener mucha paciencia es muy importante, yo porque estoy currando y puedo vivir de esto, es decir, puedo tomarme mi café contigo ahora, me gustarí­a poder vivir algo mejor, pero para nada me ocupo en esto y realmente no me interesa actualmente. Tienes que coger el ritmo de trabajo, es decir, te tiene que gustar estar tres meses sin vida social, metido en tu papel, eres tú y tu trabajo. No tienes tiempo para más.

 P. Imagino, entonces, que tienes que tener los pies en el suelo y saber que un dia estás en una nube y al dí­a siguiente puedes estar sin nada…

R. Si, por supuesto, luego también hay periodos largos de no trabajo, por eso digo que te tiene que gustar y siempre tienes que tener gente a tu alrededor que te ponga en tu sitio, para mí­, lo esencial y es lo que me mantiene los pies en el suelo es la familia, mis amigos y seguir formándome.

P. Eres de Barcelona. ¿Hasta qué punto es necesario o recomendable para un actor que empieza venirse a Madrid?

 R. ¿Por qué es bueno ir a Nueva York? Madrid es muchí­simo más pequeño, y en Barcelona hay mil cosas de teatro y televisión, pero personalmente lo recomiendo. Dejando de lado que levantas una piedra y sale un actor, creo que aquí­ hay más pruebas, más representantes y en definitiva, más posibilidades.

P. ¿Cine o teatro?

 R. Me atraen las dos cosas. Al Pacino comparaba al actor de teatro como el funambulista que pasa la cuerda sin red, mientras que el de cine lo hace con ésta bajo sus pies. De todas maneras no estoy de acuerdo con lo que se dice de que es más difí­cil ser actor de teatro que de cine. El cine es muy violento, hay que hacerlo ya, con repeticiones y más historias que lo hace mucho más difí­cil de lo qe la gente cree. De teatro sólo he hecho Shakespeare  y ha sido lo que mejor que me ha pasado.

 P. ¿Y cómo espectador?

 R. Considero que es más fácil ver buen cine hoy en dí­a que ver buen teatro. Ahora ves por ejemplo a Darren Aronofsky con  El luchador, si quieres algo contemporáneo, y es una buena pelí­cula, sin ir más lejos Celda 211 es una buena pelí­cula, sin embargo en teatro ahora mismo es difí­cil ver algo de calidad, a menos que hablemos de Londres y ves a Kevin Spacey, a su compañí­a, evidentemente tenemos mucha más variedad de cine que de teatro, pero, como digo es más complicado encontrar algo bueno actualmente de teatro aquí­.

P. ¿Qué opinas de la gente que piensa que el verdadero actor es el de teatro y que no explota todas sus facetas interpretativas hasta que no se sube a un escenario?

 R. Como ya he dicho antes, me parece que las dos cosas son difí­ciles, tanto el cine como el teatro, pero al mismo tiempo como decí­as tú, considero que es más fácil para un actor de teatro aclimatarse al cine que un actor de cine habituarse al teatro. Yo creo que lo que te da el buen teatro, lo que te da representar a buenos  autores, ya sean Shakespeare, Chéjov o   Ibsen; esto no te lo da el cine. El cine es más goloso, porque hay cámaras, hay fama, cosas que te distraen y en el teatro no. Con esto no quiero decir que sea más fácil una cosa que otra, el interpretar, ponerse delante de alguien, un equipo, público, o que te digan ¡interpreta¡ delante de una cámara, es muy difí­cil.

 P. ¿Cuál serí­a tu definición de buen actor?

R. El buen actor para mí­ es aquel que es realista y que no para de investigar en todo momento, es decir, para hacer bien papeles de los grandes autores hay que investigar y mucho, yo puedo decir ahora con veintisiete años que nunca en mi vida podré hacer bien Shakespeare, porque es imposible, igual que Chéjov, y lo digo quedándome, seguramente, cincuenta o sesenta años de carrera.

El buen actor no es el que hace lo fácil bien y se acomoda, no, es el que estudia y no para de investigar durante toda su carrera.

P. Cambiamos de tercio, pregunta obligada: ¿Qué crees que le falta al cine español para que termine de convencer a nuestro público? Buenos actores hay…

R. Falta confianza, confianza de los productores, los que ponen la pasta, en directores noveles, en guiones buenos; confianza de los directores en el resto del equipo, en los actores, en el electricista, en todos, falta confianza en general, falta un equipo, que todos sean imprescindibles desde el primero hasta el último. Y para mi falta reciclarse con las ideas, abrirse a más proyectos. Por ejemplo, lo bueno que tiene EEUU es que no sólo hace pelí­culas sobre Vietnam, tiene variedad, aquí­ parece como que somos muy monotemáticos, que está bien, pero a veces falta algo, ese algo que encontramos en  Celda 211  por ejemplo, un poco de thriller, de suspense, falta en muchos casos arriesgarse.

 P. Económicamente…

R. Evidentemente el problema económico siempre está ahí­, no es lo mismo hacer una pelí­cula con cuatro millones de euros que con cien, pero el problema fundamental me sigue pareciendo esa confianza de la que te hablo.

P. Hablamos de financiación y se me viene a la mente el caso de una pelí­cula que actualmente se encuentra en los cines, que tan sólo ha costado 12.000 dólares y que en pocas semanas ya se hablaba de los millones de beneficio. Estoy hablando de Paranormal activity.

 R. Está claro que sí­, en estos meses de crisis yo se lo he dicho mucho a directores amigos mí­os, ¡haced un buen guión, del tema de cobrar ya hablaremos¡, que a lo mejor cobro una parte o luego en la distribución, pero eso no es lo importante, la gente quiere trabajar, también quiere cobrar, pero eso es secundario si el guión es bueno…A parte los actores la mayor parte no hacemos esto por dinero, hacemos esto porque nos gusta actuar y que nos den un guión y ver qué se puede hacer con el personaje.

P. Me gustarí­a Jan, que te pusieras en la situación del público: Viernes por la noche, decides ir con tus amigos o tu novia al cine, pagar ocho euros y decidir si ver los efectos especiales de Hollywood o el muchas veces llamado realismo social del cine español…

R. Yo creo que esto es muy personal, yo por ejemplo veo las pelí­culas en versión original, partiendo de esto ya es diferente, pero como espectador, te diré que considero que el cine es carí­simo, por eso es triste ver cómo hay mucha gente que no confí­a en el cine español, y es una pena porque, a pesar de que creo que es necesario un cambio, y se está viendo, hay que ver y apostar más por el cine español.

P. ¿Cuándo crees que llega un actor a su cima y al punto de decir: Esto ha de ser bueno porque actúa él?

 R. Yo creo que nunca. Lo bueno y lo que me atrae realmente de esta profesión es que nunca paras de aprender. Y por otra parte entiendo la pregunta, y pienso que un actor desde luego no llega a su madurez a los treinta, quizá a los sesenta si puede empezar a vislumbrar la cima, su propia cima.

P. ¿Consideras importantes los premios?

R. Depende de los premios, hay unos más fiables y otros menos. Yo no le intento dar mucha importancia, realmente si me lo dan me pondré muy contento pero no baso mi vida en función a que me den un Óscar o un Goya ni mucho menos.

P. ¿Hasta qué punto crees que influyen en la opinión del público respecto a una pelí­cula?

R. Mucho, yo creo que demasiado. Pero es que las plí­culas van de boca en boca y a eso ayudan mucho los premios, por lo tanto es lógico.

Es importante y al mismo tiempo no lo es, pero que una pelí­cula tenga premios hace que ésta se vea, que viaje por los festivales y se le reconozca, pero considero que a nivel de opinión no es tan importante o no ha de serlo siempre.

P. ¿Cuál es tu papel? El que Jan Cornet desea:

R. Ojala me dieran uno de estos personajes que le pasan cosas, muchas cosas, por ejemplo el papel de Alberto el protagonista de Celda, gran amigo mí­o y compañero de clase. Pero un papel en general, uno de Shakespeare siempre serí­a maravilloso.

P. Si te dieran a elegir a la carta y te dijeran: Jan tenemos financiación ilimitada, elí­ge director, compañeros de rodaje, lugar, ¿qué pedirí­as?

R. Es muy difí­cil, hay muchos directores con los que me encantarí­a trabajar…

P. ¿Serí­a en España?

R. No lo sé si serí­a en inglés o en español, es posible que fuera en España con gente que conozco, se trabaja mucho mejor, los actores seguro serí­an amigos mí­os, pienso que se trabaja mucho mejor. En cuanto a director, ¡claro que dirí­a de trabajar con Al Pacino!, pero igualmente serí­a algo hecho con amor, pasión y tiempo.

P. ¿Qué es lo próximo que harás?

R. Lo próximo será teatro en Madrid, lo más seguro. Y hasta aquí­ puedo leer.

• La música de Manolo García regresa intacta

Adriana Andecochea

“Un giro teatral” es el single del último disco de Manolo García, Los días intactos, y una gira teatral es la que está arrasando desde la salida a la venta de las entradas para ver a este veterano del pop rock sacar su característica voz al directo en los escenarios.

Arena en los bolsillos, Nunca el tiempo es perdido, Para que no se duerman mis sentidos y Saldremos a la lluvia son los cuatro álbumes que conforman la trayectoria en solitario de este artista, que le sitúan, sin duda, en un privilegiado lugar dentro del pop-rock español.

Para este catalán los años no han sido sinónimo de reiteración, estancamiento o anquilosamiento; sino más bien de viveza, juventud, y surrealismo, que ya desprendía cuando en 1998 lanzó su primer disco. Con Arena en los bolsillos consiguió los Premios Amigo a Mejor Solista Masculino y a mejor álbum, y tres Premios de la Música como Mejor Artista Pop, Mejor álbum y Mejor Producción artística. Por último, el premio Ondas al Mejor Artista en directo terminó por reconocer su extraordinaria ópera prima.

Almería, Murcia, Valencia, Madrid o Barcelona, son algunos de los lugares donde solo unos privilegiados podrán ver al artista y disfrutar de su espectáculo, ya que las entradas están agotadas hasta el próximo mes de junio.

Manolo García actuará en Madrid el próximo mes de abril

La guitarra sigue siendo su compañera en estos dieciséis nuevos temas en los que el flamenco se diluye sin perder su esencia para dar paso a un rock más eléctrico. Sin embargo, García no innova con agudos, ni se la juega con tonos graves. Su voz es su seña de identidad, su sonido inconfundible.

Este trabajo ha nacido con un pan bajo el brazo, pues ya es disco de platino; y pretende descubrir a un Manolo García mejorado. Temas como “Todos amamos desesperadamente” o “Cabalgar la eternidad” traen aire fresco a la trayectoria de un artista que se reinventa sin perder su sello.

Manolo García vuelve a estar de actualidad dentro del panorama musical con un disco cocinado a fuego lento y con mucho mimo. Los días intactos ha sido grabado en gran parte en el estudio norteamericano Ocean Way Recording , donde grupos de la talla de Rolling Stones, Green Day o el malogrado Michael Jackson lo hicieron con anterioridad.

Sin embargo, y a pesar de trasladarse a Los Ángeles, el ex vocalista de El Último de la Fila no pierde sus raíces del pop aflamencado catalán que tanto le han caracterizado en su carrera sobre los escenarios. Esto le ha valido para alzarse con el reconocimiento de mejor álbum del año pasado por Televisión Española.

En este nuevo trabajo el artista ha contado con la colaboración de grandes músicos del rock americano a la hora de grabar en estudio. El guitarrista Mark Goldenberg, el batería Kenny Aronoff y el bajista Leland Sklar no han dudado a la hora de trabajar con el español.

El coloquialismo impregnado en sus letras y la mujer como telón de fondo hacen que su música siga intacta a través de los días y también de los años.

Manolo García “Un giro teatral”

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Patricia Ávila – Crítica

“Homenaje a los niños del “Vel’ d’Hiv’”, tanto a los que nunca regresaron como a los que sobrevivieron para contarlo.”

En 1942, 13.000 familias judías son arrestadas en pleno corazón de París por gendarmes franceses, bajo órdenes nazis, entre ellas la familia de la pequeña Sarah, una niña de diez años que no entendía lo que estaba sucediendo; pensando en lo mejor para su hermano pequeño, lo oculta en su escondite secreto, un armario empotrado muy bien camuflado, y guardándose la llave como un tesoro, suponiendo que todo acabaría en un rato, como si de un juego se tratase (nada más lejos de la realidad).

Los acontecimientos que le suceden hace que de un día para otro pase de niña a mujer. Cinco días en el Velódromo de invierno Vel’ d’Hiv’ sin bebida ni alimento y bajo un sol abrasador, característico de Julio, los trenes hacia los campos de concentración, la separación de los niños de sus padres, el posterior traslado a Auschwit y gaseamiento. Entre tanto, el único pensamiento es su hermano menor, que le dará fuerzas para escapar del campo de concentración, dejar atrás a su familia y sus raíces por salvarlo.

De repente 2002, Julia, periodista americana con corazón parisino, está casada con Bertrand, prototipo de galán francés con buenos modales, atractivo y aires de superioridad. Ambos empiezan con las reformas de su futura casa, antigua propiedad de la abuela de éste. Mientras tanto Julia trabaja en un reportaje sobre el sexagésimo aniversario de la redada del Vel’ d’Hiv’. Impactada por lo sucedido y por la ignorancia de la población francesa, se inmiscuye más de la cuenta y de forma casual hace un descubrimiento que dará un vuelco a su vida: su futura casa fue la residencia de una familia judía durante la Segunda Guerra Mundial, la familia de Sarah. A raíz de esto Julia va más allá del mero reportaje, y quiere ver qué pasó con aquella familia, al ver que Sarah no està en las interminables listas de los deportados sigue su pista que la llevará a Estados Unidos e Italia. Va tirando del hilo, aunque le cuesta el distanciamiento y la oposición de su marido.

Aunque 60 años distancian una historia de la otra y las protagonistas se sacan 30 años, las dos son el reflejo de la perseverancia, se aferran a una meta que logran luchando contra todo y todos, con un final no muy deseado: Sarah sacar a su hermano del armario antes de que la falta de oxígeno y alimento se lo lleven y Julia encajar todas las piezas que concluyen con la historia de Sarah.

Este best-seller camina entre dos épocas para mostrarnos lo que fue y lo que queda de ello, la impasibilidad, incluso negación hoy en día de los parisinos. Aquel Velódromo que dio “cobijo” bajo condiciones infrahumanas a más de 8.0000 hombres, mujeres y sobre todo niños, fue derruido en 1959, y hoy tan sólo queda una diminuta placa en conmemoración a las víctimas y lo ocurrido. Gracias a autores como, Tatiana de Rosnay (entre otros) por este libro que denuncia y nos acerca las barbaridades cometidas por policías franceses y el ineludible y trágico final de la mayoría de las familias. Ver como un ser humano se comporta de tal manera con un semejante ¿Acaso ambos no tenían dos ojos, una nariz, un corazón…? ¿Qué diferencia había entre uno y otro? Por desgracia ni la pequeña Sarah, que se pregunta incansablemente esta cuestión, ni la autora nos lo pueden revelar.

Esta novela consigue, lo que no muchos logran, captar la atención desde la página 10, cuando Sarah esconde a su hermano de 4 años en el armario secreto. La autora juega con la sensibilidad y angustia del lector, pues Sarah sólo tiene en mente a su hermano y una enorme preocupación la embriaga por dentro, los días pasan y ella cada vez se aleja más de su casa, hasta no bien entrada la novela no se desvela el destino del niño, mientras tanto Tatiana de Rosnay da libertad para imaginarse uno de los peores finales para una criatura.

Es deslumbrante como la autora juega con hechos, datos y fechas históricas entrelazándolos con una, aparente, historia ficticia pero nada alejada de lo que muchos judíos vivieron. Por ello, además de ser una novela entretenida, sobrecogedora, que te atrapa y no te suelta hasta que lees el final te proporciona un conocimiento que no se encuentra en los libros de texto y que fue muy importante en la historia del siglo XX.

Para finalizar, una breve mención a su adaptación cinematográfica bajo el director Gilles Paquet-Brenner, intentó hacerlo lo mejor que pudo; destaco una buena y muy natural interpretación de Melusine Mayance, con el papel de Sarah pero la nota final se queda en un aprobado y por los pelos. Por el contrario quedaréis muy bien al recomendar este libro, porque no defrauda.

Alberto López Marín (@alopezmarin)

Las 57 marchas contra la reforma laboral de este pasado domingo dejan en evidencia que la crisis de la prensa no sólo es económica. Se sostiene que la honestidad compensa la inalcanzable objetividad, pero apenas hallamos resquicio ni pretensión y la ciudadanía se da de bruces contra informaciones que no debieran llamarse así, estableciendo el desconcierto  y el absoluto desconocimiento de la verdad. Los hechos son sagrados, pero no parece ser así para muchos de quienes tienen la alta responsabilidad de trasladarlos al resto de personas.

Echemos un vistazo a las portadas de este lunes. Público titula ‘No masivo al decretazo’ y lo ilustra con una aparentemente interminable columna humana con banderas de los sindicatos UGT y CCOO. Aporta este diario las cifras de asistencia de los organizadores y omite las oficiales en primera plana. El País abre con ‘Una marea humana pide a Rajoy que corrija su política laboral’. Dice que fueron “cientos de miles” las personas que se manifestaron en todo el país, cantidad que, aunque imprecisa, manejan todas las fuentes. Como imagen, la Puerta del Sol abarrotada.

Caminemos por el centro en dirección y con destino a la derecha. ‘Decenas de miles piden que no se recorten derechos laborales’, anuncia El Mundo en clave madrileña. Como El País, escapa de la guerra de números y da cuenta de lo ocurrido. Pero mejor no acostumbrarse a estos dos últimos ejemplos. Llegamos a ABC y su complejo titular para salir del paso: ‘Los sindicatos, que han despedido a 500 empleados en un año, se manifiestan contra la norma’. En páginas de Opinión, Isabel San Sebastián afirma que, “por muchos militantes que se movilicen, seguirán sumando una minoría absoluta en la sede de la democracia, el Congreso”. En la misma línea, Félix Madero sostiene que salir a la calle a protestar “no genera empleo”. Es decir, lejos de entrar en cifras, estos columnistas restan valor a la movilización ciudadana.

Vienen curvas. La Razón ilustra el espacio que supuestamente debiera ir dedicado a dar cuenta de las manifestaciones con la imagen de sindicalistas tomando unas cervezas y unas tapas al término de la jornada. Su editorial defiende que “la respuesta ciudadana a la convocatoria de los sindicatos fue mínima”. Llegamos a La Gaceta. Foto de los líderes de UGT y CCOO. Como titular, ‘El carnaval de los parásitos y sus comparsas’.

Más allá de la sensación de vivir en un mundo distinto en función del periódico que leamos, se hace urgente denunciar la falta de respeto de muchos de ellos hacia ciudadanos que nada tienen que ver con guerras editoriales o empresariales, con sindicatos o patronal, con PP o PSOE. Se ha llegado a insultar a quien en este país grita en la calle por un trabajo o, en el otro lado, por quien ha exigido a un Gobierno que no conceda nada a unos terroristas. La razón es que la prensa no entiende que hay ciudadanos que actúan en libertad, justo al contrario que esta prensa. No entiende que el único fin de muchos es salir adelante, sin más afiliaciones que su familia y sus convicciones.

Y que la prensa no se lleve a engaño: tan respetable es una manifestación con cinco participantes como una con cinco millones, aunque siempre, en respuesta a San Sebastián, el poder resida en el Congreso de los Diputados. La de cinco y la de cinco millones tampoco crean empleo, en respuesta a Madero, pero, ¿acaso no pueden expresarse? ¿Va a negarles usted ese derecho constitucional?

Sí, está claro, la empresa privada  no está obligada a tener escrúpulos, no podemos ordenar a nadie cómo llevar su negocio, pero, amigos, es que el Periodismo es mucho más que un negocio, tengamos esto en cuenta. Dicho esto, que cada cual decida si quiere alimentar a una audiencia gustosa de carnaza o, por el contrario, saciar a quien sencillamente quiere conocer el mundo que habita sin sentirse ofendido.

Inés Alonso (@aines90) – Reportaje

La Formula 1 nunca descansa y ya están aquí los nuevos coches de los equipos. Este año la nueva reglamentación obliga a efectuar algunos cambios que afectarán a la estética de los coches y seguro que darán que hablar.

RedBull, los campeones

Los campeones de 2011 han presentado su nuevo coche en la sede de Milton Keynes. Ese con el que tienen que defender los dos últimos campeonatos conseguidos (2010 y 2011). Del RB8 (así se llama el nuevo Red Bull) a primera vista lo que más llama la atención es el morro de pato con doble altura. Ese escalón será la moda dentro de muchos equipos como Ferrari o Lotus, aunque el del equipo austriaco es mucho más pronunciado. Este nuevo diseño viene porque la FIA (Federación Internacional de Automovilismo) en su nueva normativa obliga a que la altura mínima del frontal sea de 550mm. Esta vez la originalidad del coche respecto al resto de la parrilla radica en una revolucionaria entrada de aire situada en el escalón del morro y que tendrá función aerodinámica.

La nueva joya del ingeniero jefe de Red Bull, Adrian Newey, también ha sufrido modificaciones en los escapes sopladores, una de las claves del éxito del año pasado. Ahora están camuflados detrás de los pontones. La parte inferior del coche también ha cambiado para llevar el mayor flujo de aire posible hacia el difusor. También se ha rediseñado el alerón delantero y la toma de aire frontal.

El suelo del coche ya no esta inclinado hacia delante si no que es recta. Llama la atención la zona del final del motor que prácticamente desaparece la carrocería después del depósito de gasolina.

Las primeras impresiones no se han hecho esperar. Helmut Marko, uno de los asesores de Red Bull dice en la publicación alemana Bild que: “No es tan feo como el Ferrari, ni tampoco es como el McLaren, que carece del escalón. El nuestro es más pequeño y elegante”

 Ferrari revoluciona su estilo

 Otro de los coches que más expectación ha levantado es el nuevo Ferrari F2012. También se caracteriza por el morro de pato y a dos alturas pero incluye más novedades.

Las suspensiones sufren un cambio radical. Pasan de “push rod” (empujadoras) a “pull rod” (tirantes) el aire fluye mejor y reduce el centro de gravedad. El problema es que es un sistema más delicado que el anterior aunque Red Bull lo lleva usando varias temporadas y no le ha dado muchos problemas

El nuevo Ferrari trae incorporada una nueva toma de aire en la tapa del motor aparte de la ya habitual en la cabeza del piloto. Los escapes traseros están tapados por completo para mejorar la aerodinámica en la zona posterior del monoplaza.

Los pontones laterales también han sufrido modificaciones para facilitar el flujo de aire hacia la zona del difusor. Este año tienen una forma más pronunciada. Y la toma de aire frontal debajo del morro está diseñada para dirigir flujo aerodinámico hacia el fondo del coche.

El alerón delantero que presentaron cuenta con pequeños deflectores y es una derivación del de 2011. Y por ultimo el alerón trasero: es parecido al de 2011, continúa con el DRS pero sin apoyo central.

En resumen, este año en Ferrari han hecho una apuesta arriesgada para tratar de conseguir el campeonato y no ser el tercer coche de la parrilla.

 Mclaren, el tercero en discordia

 Otro de los equipos importantes del campeonato, el equipo Mclaren, tiene nuevo coche. El MP4-27 es de los coches punteros el único que no tiene ese escalón en la parte delantera. Es una caída suave hacia delante para cuidar la aerodinámica que lo hace mucho más estético.

Empezando de atrás a alante en el MP4-27 los escapes están pegados a la tapa del motor (la normativa obliga a ello) y la misma tapa pegada a la caja de cambios, como el Red Bull.

Los pontones son anchos y altos ya que les tenían que servir para los escapes. Debajo de ellos hay un hueco para dejar pasar el aire y no perder carga aerodinámica. El morro es de estilo morsa, mas ancho que el de su antecesor.

Parece que el nuevo reglamento de momento ha conseguido su propósito: que los coches sean diferentes. Solo falta que sean igual de competitivos.

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