Melisa López (@Melisa_LoMa) – Reportaje.

Cumplir los 65 es un hecho importante. Más si hablamos de uno de los eventos cinematográficos más cotizados y de mayor reconocimiento internacional como es el Festival de Cannes. El paseo de la Croisette ya está recibiendo a los primeros invitados al cumpleaños. Como invitación, un enorme cartel con Marilyn Monroe soplando la vela de una tarta preside la fachada del palacio. No es casualidad dicha elección. Este año han querido rendir homenaje a esta hollywoodiense actriz quien jamás pisó la alfombra de los Oscars. “Queremos celebrar al icono absoluto del glamour en el templo del glamour absoluto”, ha declarado Thierry Frémaux, director del festival.

Los invitados han llevado sus mejores galas y el Palais des Festivals ha seleccionado con mucho tiento los 22 trabajos que se presentan a concurso entre el 16 y el 27 de mayo y que culminará con la entrega de la preciada Palma de Oro a uno de ellos.

Este año el presidente del jurado será el director italiano Nanni Moretti que estará acompañado por el actor americano Ewan McGregor, la actriz alemana Diane Kruger, la realizadora británica Andrea Arnold, la actriz y directora palestina Hiam Abbass, el director haitiano Raoul Peck, el director estadounidense Alexander Payne, la actriz francesa Emmanuelle Devos y el diseñador de moda Jean-Paul Gaultier.

Nombres y caras conocidas en el jurado y, por supuesto, en los títulos de la sección oficial del certamen. Entre los más destacados que competirán por la ansiada estatuilla encontramos: Moonrise Kingdom (Wes Anderson) que ha inaugurado el festival de la mano de Bruce Willis, Edward Norton y Bill Murray, entre otros; Cosmopolis (David Cronenberg) que permitirá que su protagonista Robert Pattinson comparta alfombra roja con su novia y también actriz Kristen Stewart ya que ella, por su parte presentará el film independiente On the road (Walter Salles); Mud (Jeff Nichols) donde Matthew McConaughey y Reese Whiterspoon comparten protagonismo; Killing them softly (Andrew Dominick) en la que veremos a Brad Pitt y Casey Affleck juntos y The Paperboy (Lee Daniels) que pondrá el toque español ya que su guión es obra de Pedro Almodóvar. Mucho se espera de estos y otros proyectos que no entran en concurso dada la alta calidad de los directores y actores que acudirán a la presente edición.

Cómo empezó todo

El origen del Festival de Cannes se remonta a 1939 y hay que buscarlo en las ganas que tenía Jean Zay, ministro de Educación Pública y Bellas Artes, de implantar en Francia un evento cultural de grandes dimensiones que rivalizara con la exitosa Mostra de Venecia. Pero no fue hasta 1946 cuando se celebró la primera edición. Y no empezó a alcanzar renombre hasta la década de los 50 cuando estrellas de todo mundo se dejaron ver por la ciudad francesa: Kirk Douglas, Sophia Loren, Grace Nelly, Cary Grant, Brigitte Bardot…

La primera Palma de Oro no se concedió hasta 1955 sustituyendo al Grand Prix que se entregaba hasta entonces a la mejor película. En los 60, nacieron dos secciones independientes: la Semana Internacional de la Crítica (1962) y la Quincena de los Realizadores (1969).

A partir de 1972 sería el propio festival el que decidiría sobre la selección oficial de las películas participantes. Y en 1998 se creó la Cinéfondation que acogía una selección de cortometrajes y mediometrajes procedentes de escuelas de cine de todo el mundo. De esta manera se fue dando forma al modelo de certamen que es hoy en día Cannes. Modelo que aúna largometrajes comerciales, cortometrajes y creaciones independientes.

¿Y cómo surgió la idea de la Palma de Oro como reconocimiento material a la mejor película? Mucho ha cambiado el trofeo en estos años. A mediados de los 50, se encargó a varios joyeros la creación de una primera palma que hiciera referencia al escudo de armas de la ciudad de Cannes. El diseño escogido era de la joyera Lucienne Lazon y a partir de él se empezó a moldear y modernizar con el paso del tiempo hasta alcanzar la sencillez y majestuosidad que caracteriza al actual diseño.

Anécdotas inolvidables

Como en toda fiesta que se precie no pueden faltar las puestas en escena atrevidas, las salidas de tono improvisadas y los cotilleos tras las cámaras. Y es que 65 años dan para mucho. Entre estos memorables momentos encontramos a Brigitte Bardot luciendo un bikini en la octava edición del festival (1953) causando furor entre los medios de comunicación allí congregados y entre las mujeres de la época quienes comenzaron a llevar esta prenda para protestar contra las normas sociales conservadoras.

En 1961 el cineasta Luis Buñuel presentó su película Viridiana en el festival. Tras lograr la Palma de Oro volvió a la España de Franco y a pesar de haber burlado la censura tuvo que huir de nuevo al exilio cuando las autoridades franquistas descubrieron que el film mostraba lo peor del movimiento.

Un año antes de ser nombrado persona non grata en el certamen, el polémico director Lars Von Trier presentó la cinta Anticristo donde se muestra una de las escenas más duras que se han rodado en el cine: una mujer cortándose los genitales. El visionado provocó que muchos asistentes salieran de la sala, incluso algunos se desmayaron. Y la gota que colmó el vaso fue su desafortunado comentario afirmando que “simpatizaba” con Hitler durante la edición de 2011.

Y qué decir del excéntrico Sacha Baron Cohen quien ya en 2007 se paseó por la alfombra roja vestido con un traje de baño de una sola pieza como su papel en Borat (Larry Charles, 2006). Más polémica ha creado este año al presentarse a lomos de un camello caracterizado como su personaje de El Dictador (Larry Charles, 2006).

Esta edición solo acaba de comenzar y seguro dejará buenas imágenes para el recuerdo. La suerte está echada así que solo queda esperar a descubrir qué título se alzará con la Palma de Oro de este año.

Alberto López Marín (@alopezmarin)

Los primeros responsables de la imagen del Periodismo en la sociedad somos quienes lo ejercemos. Hemos de dignificar nuestra labor y ello consiste también en alabar a los referentes, así como en apartar a quienes, desde dentro, traicionan los valores del oficio. Sin embargo, los tiempos, los hábitos y los soportes favorecen las frases gruesas y los contenidos vacíos y castigan la reflexión y la profundidad. Arrastrados por esta inercia, tendemos a dar coba a quienes no debieran estar en nuestro foco de atención ni en el de la sociedad a la hora de nutrirse de información.

Somos víctimas de estas personas y también de su obra. Hoy, la rentabilidad económica reside en la inmediatez, con todas sus consecuencias. También en el Periodismo de Trending Topic. Así, un texto contrastado supone –o eso parece- una pérdida de tiempo y dinero, mientras que una declaración altisonante es rápida y barata. Así, el rumor es el rey. Así, un titular debe responder a los patrones de las redes sociales o no servirá de nada que la noticia esté apuntalada argumentalmente y sea rigurosa, porque no se leerá. Así, las portadas controvertidas o malintencionadas tendrán más eco que las ajustadas al criterio profesional. Así, los periodistas sin escrúpulos llenarán sus cuentas y sus egos en detrimento de los comprometidos y en perjuicio de todos.

Sólo de esta forma encontramos justificación a que casi todo el mundo sepa quién es Salvador Sostres y no Yoani Sánchez, Pedro J. Ramírez y no Enrique Meneses, Francisco Marhuenda y no Carmela Ríos, Enric Sopena y no el Pulitzer Javier Bauluz. Que no anotemos año a año el nombre de los profesionales premiados con los más prestigiosos galardones internacionales de Periodismo para seguir sus pasos, que creamos que sólo hay vida en los grandes medios o que nos dediquemos a citar a los que hacen ruido y no a los que desde el anonimato engrandecen lo que hacemos.

Es menester que promocionemos a los buenos compañeros y que evitemos toda mención a quien nos resta relevancia con soberbia y falta de ética. Quien no esté dispuesto a ayudar a la sociedad en uno de sus momentos más críticos, que no cuente con publicidad y menos de sus víctimas: periodistas y ciudadanos. Y hagamos de Internet un lugar acogedor para los intachables servidores. Que las redes sociales marquen/marquemos las reglas, pero sepamos equilibrar la rentabilidad económica y la social. Es nuestra obligación.

Compartamos, difundamos y gritemos Periodismo. La excelencia también puede ser tendencia. Y no olvidemos que muchos de los grandes periodistas son invisibles y que merecen respeto, reconocimiento y trascendencia. Los que nunca han dejado de pisar las facultades para enseñar lo aprendido o han prostituido sus principios. Son la luz necesaria en medio de esta oscuridad, son sano pasatiempo y protección que nos dota del poder de la información, el más nutritivo alimento para el intelecto y la supervivencia en este mundo complejo.

Universal Pictures sopla 100 velas y el estudio americano ha decidido celebrarlo con una campaña que conmemora la trayectoria de la productora. Durante todo el año Universal restaurará trece títulos míticos de su historia como “El doctor Frankenstein” (1931), “Matar a un ruiseñor” (1962), “Tiburón” (1975) “E.T el extraterrestre” (1982) y “Memorias de África” (1985), entre otras. A ello se le suma un vídeo recopilatorio de los distintos logos que han enmarcado las etapas de Universal, finalizando con el nuevo “Universal 100^th Anniversary” que se estrenó el pasado febrero en la animación “Lorax, en busca la trúfula perdida”.

Los estudios Universal empezaron su andadura el 30 de abril de 1912. Carl Laemmle, alemán inmigrante en Estados Unidos, decidió arriesgar en el negocio del cine y creó -con otros socios- “Universal Film Manufacturing Company”. En 1915 los productores del Este huían a California en busca de facilidades que Edison no daba. Laemmle no dudó en aprovechar el precio barato del suelo de Los Ángeles y fundó “Universal Pictures City”, destinada a albergar al personal de la compañía. El auge de los demás estudios vendrían después: Warner Bros. Pictures (Hermanos Warner); Columbia Pictures (Hermanos Cohn); Paramount Pictures Corporation (Adolph Zukor) y Fox Film Corporation (William Fox).

Una vez creado el Imperio Universal, Carl Laemmle decidió inventar el contrato de exclusividad de las estrellas que trabajaban en sus películas. Lo conocido como “stars-system”, es decir, la prohibición a los actores de trabajar en otros estudios, que aún sigue vigente. Sin embargo dos errores manchan el expediente de Laemmle. Por un lado, era demasiado conservador como para arriesgarse a financiar grandes películas. Con ello se especializó tan sólo en el género Western, en seriales y en melodramas de serie B. Y por otra parte, no confió en Irving Thalberg, un joven prometedor en la producción cinematográfica que trabajaba para él en los años 20. Talento que sí supo ver Louis B. Mayer (Estudios Metro-Goldwyn-Mayer)

En 1928 Laemmle cede la compañía a su hijo Carl Laemmle Jr. La siguiente generación de la familia Laemmle sí decide ir más allá y el riesgo obtuvo recompensa. En esta época destacan clásicos como “El rey de jazz” (1930), siendo la primera película en incorporar color. A ella se unen los consagrados mitos del terror “Drácula” (1931) y “Frankenstein” (1931). Pero Universal Pitures caería con el desgaste económico en el remake de “Magnolia” (1935), dejando a los Laemmle fuera del negocio.

Con la deuda que sobrellevaba la productora y la baja de los Laemmle, Universal Pictures volvió al presupuesto barato. En esta época solo se señala el filme“Al servicio de las damas” en 1936, nominada a seis Óscar, y las películas de la joven cantante Deanna Durbin. No fue hasta 1945 cuando la aparición de Arthur Rank levantó, a medias, la compañía. El productor británico llegó a un acuerdo con International Pictures y se creó “Universal International Pictures”. Al tiempo, impulsó también algunos títulos del cine negro.

En los años 50, los actores ya no estaban sujetos a la exclusividad del stars-system. Universal Pictures decide pactar con Music Corporation of América (MCA) y contrata a James Stewart. Con ello se desarrollaron unas líneas que hasta ahora siguen vigentes. Es en esta época cuando Stewart se consagra como el icono del cine Western. También destacan los melodramas con color de Douglas Sirk y la facilidad del paso de fatalidad a comedia de Rod Hudson. Entre los títulos de los cincuenta encontramos “Sed de mal”(1958) de Orson Wells.

Universal Pictures cayó de nuevo en crisis en los años 60. La MCA volvía a hacer acto de presencia y rescató a la empresa. Se potenciaron las películas que no duraran más de noventa minutos y sobre todo aquellas que tuvieran buena salida en la televisión (la MCA tenía allí su conglomerado mediático) De los 60′ nos quedan clásicos como “Matar a un ruiseñor” y “Espartaco”.

Pero sin duda los títulos más destacados y que más se recuerdan son los aparecidos en los años 70 y 80. En nuestra piel aún queda el miedo que sentíamos con la banda sonora de “Tiburón” (1975); la nostalgia de un extraterrestre en “E.T el extraterrestre” (1985) con la mítica frase “mi casa, teléfono”; la visión futurista de “Regreso al futuro” (1985); y la pasión en “Memorias de África” (1985). Esta etapa también dio la oportunidad y el reconocimiento a los que serían los directores más aclamados de Hollywood, como Steven Spielberg, Robert Zemeckis, Ron Howard o Martin Scorsese.

Ya en los 90 las tecnologías se imponían. Muestra de ello es la saga de “Jurassic Park” (1993). A partir de entonces, el negocio de Universal Pictures pasó por muchas manos. Hoy en día pertenece a General Electric y NBC Universal. La productora sigue siendo una de las más importantes del mundo. Películas de todos los géneros bajo el sello Universal continúan arrasando en taquilla.

La tragedia sacudió el estudio debido a un incendio en 2008. En él se perdieron muchos decorados históricos. Desde el motel del filme “Psicosis”, pasando por los escenarios donde se rodó “King Kong”, hasta las réplicas exactas de las calles neoyorquinas, entre otros sets.  No obstante, con motivo del centenario, Universal nos vuelve a traer los clásicos que forman parte de nuestra propia historia. Con ellos la productora en esta ocasión destaca por la restauración en sonidos y color que aportan a las películas una calidad aún mayor de la que poseen. Universal Pictures cumple 100 años y  los espectadores volveremos a emocionarnos con esa escena, banda sonora o frase que formó parte de nosotros. Las generaciones del ayer y del hoy se podrán reunir para compartir la vuelta del pasado a nuestro presente.

Ana Santos Arribas – Entrevista

Con el ánimo de demostrar la compatibilidad de un teatro con un bar de copas llega Arreglando el mundo, la última obra del polifacético Eduardo Aldán. Acompañado por Dani Rovira, J.J. Vaquero, Deborah Ombres y el gran Quique San Francisco, que aparecerá de una manera muy especial, Aldán ha logrado transformar el Teatro Compac Gran Vía en una barra de bar.

Si queréis disfrutar de este gran espectáculo en el que no faltarán el humor, las cañas y una visión positiva y cómica de la realidad, no dudéis en acudir entre el 25 de abril y el 27 de mayo al Teatro Compac Gran Vía, no os arrepentiréis.

De pequeño preferías las marionetas al fútbol y con el paso de los años diste el salto de la magia a los monólogos y a la producción teatral ¿Cómo recuerdas aquella infancia, qué inquietudes tenías entonces?

He de decir que aún mantengo esa pasión por las marionetas (risas). Sigo coleccionando autómatas, juguetes y muchas cosas de aquella época. Desde niño me ha gustado contar historias, mi intención era que alguien me entendiese. La magia, la comedia o las marionetas han sido un medio para desarrollar cosas que siempre he querido contar. Un artista siempre quiere mostrar al mundo lo que piensa, su mundo interior.

¿Te imaginabas siendo cómico? Cuéntanos ¿qué te hizo decantarte por el mundo de la comedia?

No, realmente fue una cosa fortuita, nunca me he considerado una persona con gracia, lo que ocurre es que me di cuenta de que la comedia era otro medio más, y sobre todo muy directo, de llegar a la gente. Ha sido un paso más en mi carrera, un factor a sumar. No he cambiado ninguno de mis gustos del pasado, de hecho creo que la gracia del mundo del espectáculo está en tener un bagaje muy amplio, en ir sumando todo tipo de disciplinas que después podrás añadir a la última, con lo cual esta última se va a enriquecer con todas las anteriores.

Cuando empecé a hacer comedia descubrí que tanto con la sorpresa de la magia, como con la risa de los monólogos, consigues sensaciones muy inmediatas y muy directas del espectador. De este modo dejas una huella en esa persona que preservará siempre, si realmente lo haces bien. Los magos y los cómicos que me hicieron reír de pequeño, e incluso los que me hacen reír actualmente, han ido haciendo mella en mí y se han ido convirtiendo en referentes. Ojala algún día yo pueda ser una referencia para alguien, me encantaría.

A lo largo de tu carrera has demostrado ser polifacético. Primero la magia, después televisión en programas como el Club de la Comedia, Caiga Quien Caiga, incluso llegaste a participar en una telenovela ¿Con cuál de estos escenarios te quedas ahora mismo: televisión, teatro, escribir obras…?

Nunca he dicho que no a las cosas que me apetecía hacer para probar y aprender de todas ellas. Ahora mismo me quedaría con el teatro, sin duda. Todos los soportes para poder exhibir, contar o plasmar tus ideas son buenos, incluso me atrevería con el cómic o el cine. Lo único que no haría sería grabar un disco, porque canto fatal, sin embargo disfruto componiendo, por eso procuro incluir todo lo que me gusta en mis espectáculos, ya sea música, imágenes, contar con elementos que me faciliten interactuar con el público. Realmente no me gusta decantarme por nada en concreto, cada formato es útil para según qué cosas.

“La gente que ha vivido y ha sentido en el teatro lo recuerda para toda la vida,

mientras que la gente que ve televisión lo olvida al día siguiente”

¿Qué te aporta cada uno de estos medios?

La televisión es el mayor escaparate que existe porque llega a un montón de gente al mismo tiempo, tiene esa gran virtud. Sin embargo también tiene pegas, como el hecho de que todo lo que el telespectador ve a través de la pantalla no lo retiene; de hecho al día siguiente o incluso un momento después, lo olvida. Eso no ocurre en el cine, porque queda grabado en el celuloide, ni en el teatro, en el que todo permanece grabado para siempre en la memoria del espectador. El caso del teatro es muy especial, porque se trata de una experiencia vital, el espectador no lo ha visto a través de una pantalla de televisión, sino que lo ha vivido, lo ha sentido. La gente que ha vivido y ha sentido en el teatro lo recuerda para toda la vida, mientras que la gente que ve televisión lo olvida al día siguiente.

¿Qué le queda por hacer a Eduardo Aldán, con qué podrías sorprendernos?

Aún me quedan muchas cosas por hacer y mucho que aprender. El próximo proyecto que tengo en mente es tocar el género del terror. No hay nada más opuesto a la comedia que el terror, aunque una vez que te pones a trabajar en ello te das cuenta de que no es así, que tienen mucho que ver.

En los últimos años hemos visto cómo dos obras tuyas han tenido una gran acogida. Tanto Espinete no existe como Maldito Naranjito están inspiradas en los años ochenta ¿Por qué decidiste centrarte esta época?

Elegí esa época porque es lo que yo he vivido, no quiero contar algo que no conozco. Lo honesto es hablar de lo que uno sabe y de lo que uno conoce. Hoy en día recuerdo mi pasado y me hace gracia recordarlo, me emociona, al igual que le pasa al resto de la gente, ya sea de mi generación o no. No es que tenga una fijación con los ochenta, pero sí que es verdad que como fui niño en esa época, tiro de los recuerdos de entonces para poder construir hoy cosas nuevas. Sin embargo, he de admitir que no me esperaba la gran aceptación que han tenido estas obras por parte del público. Creí que solamente le llegaría a la gente que es igual que yo, familia y amigos, pero no, me di cuenta de que era algo muy universal. Descubrí ahí un filón para contar historias y lo utilicé en ambas obras.

Con este nuevo proyecto has ido más allá, llegando a transformar el Teatro Compac de Gran Vía en una barra de bar ¿Cómo se te ocurrió la idea?

Fue una propuesta de Mahou. Nos dijo que le apetecía hacer un espectáculo con Aldán Company, les planteamos este proyecto, les gustó y seguimos adelante con ello. Con esto quería mostrar cómo se puede amoldar algo tan típico en nuestro país como es el salir de cañas con un espectáculo dentro de un teatro, y se me ocurrió transformar el propio teatro en un bar de cañas gigante. Arreglando el mundo da un paso más, no nos centramos en ninguna época, sino que nos ceñimos a la actualidad más absoluta, a lo que es un grupo de amigos tratando temas de todo tipo, desde recuerdos hasta cosas que han ocurrido ayer y que se han comentado en la prensa. De hecho el texto puede ir variando cada semana, porque podemos incluir referencias de algo que haya ocurrido recientemente.

“La novedad de este espectáculo es que ya no es un monólogo sino un ‘triólogo’ “

¿Cuál es el objetivo de esta obra?

Queremos hacer que la gente se olvide de sus problemas, al menos durante el tiempo que dura la obra. La risa es una terapia muy buena, queremos compartir cañas con un número ingente de personas, ya no solo tres amigos, es algo insólito y muy especial. La gente puede incluso ligar entre ellos, hay un código de tres colores con los que puede interactuar con el resto de asistentes o incluso con los que estamos en el escenario, hemos montado un karaoke también. Lo que pretendemos es que al entrar por la puerta todo se olvide, que todo se frivolice. Cuando te ocurre una desgracia y la compartes con amigos te sientes mejor y le das menos importancia, lo ves con otros ojos; o incluso al escuchar los problemas que comentan los demás te das cuenta de que el tuyo es una tontería comparado con los suyos.

Dada la situación actual, ¿crees que unas cañas ayudarían a que la gente pensara en otra cosa y afrontase los problemas de otra manera?

Yo creo que lo vamos a conseguir, por lo menos durante la hora y media que dura el espectáculo. Quizás las cañas no son la solución, pero sí el hecho de estar con amigos hablando, o al menos es una “tirita”.

Hacía mucho tiempo que no te subías a un escenario, ¿lo echabas de menos?

La verdad es que sí. Volví a Madrid después de dos años de hacer Espinete no existe y me apetecía hacer algo diferente que no tuviese nada que ver con lo anterior. De todas formas creo que volveré a Espinete en algún momento (risas).

¿Qué te aporta esta obra a nivel personal?

La oportunidad de trabajar en el escenario con gente con la que aún no había tenido ocasión, como Dani Rovira o Vaquero. Me apetecía hacer algo de este tipo porque estoy acostumbrado a hablar solo, siempre haciendo monólogos. De repente juntarme con dos compañeros y poder compartir escenario con ellos me da otro feeling, sobre todo porque estamos compartiendo una cosa que nos gusta hacer. Ese vínculo que tenemos entre los tres se lo queremos trasladar a la gente. La novedad de este espectáculo es que ya no es un monólogo sino un “triólogo”.

Del viernes 27 de abril al pasado domingo día 6 de mayo se celebró el Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona. Una cita fantástica para disfrutar, en diversas sesiones diarias del cine que se hace hoy (y ayer) con buena firma de autor.

La edición de este año ha sido todo un éxito, con largas colas todos los días para acceder a ver los films, sobre todo en los pases de tarde, donde la afluencia era abundante.

La gran firma invitada de la programación del festival fue la insigne directora francesa Claire Denis, a la cual se dedicaba una retrospectiva por toda su filmografía; pero a la que ella, enferma, no pudo asistir, dejando sin encuentro a muchos fans que asistieron a sus películas reflexivas.

Junto a las de Denis estuvieron muchas otras películas, tanto de reputados directores independientes ya “consagrados”, como de nuevos talentos emergentes del cine de autor.

En este artículo destacaremos Puzzled Love, una de las películas dentro de la sección de Autoría Catalana del festival (donde también estaba lo último de Albert Serra). Un film que sorprende y encandila.

Sun y Lucas son los protagonistas de la historia, dos estudiantes de lugares distintos que comparten piso en Barcelona durante un curso. Se enamoran pasionalmente a la vez que son conscientes que su amor tiene fecha de caducidad: cuando sus aviones les llevaran de regreso a sus casas en julio. Es una pequeña y sencilla historia de amor, pero de tan pequeña y simple se hace universal, porque sus protagonistas saben interpretar un amor, una pasión, un deseo por el otro, muy vivos, muy naifs, muy hermosos. La peli no es dulce, ni mucho menos. Sí es divertida, pero también tiene su parte de dolor, un dolor que viene marcado por un contador que resta meses, días, horas y minutos para el fin de la relación. Con Puzzled Love se puede reír y llorar. Se puede reír y llorar sobretodo porque nos enseña una pequeña historia íntima de amor que puede encontrarse en cualquier piso de jóvenes estudiantes, porque su amor es tan fino y tan común que puede ser el de cualquiera, y el espectador les coge tanto cariño que al final llora con ellos. Hay catarsis y en la sala de proyección más de uno se emociona.

Y todo esto contado con entusiasmo por trece jóvenes estudiantes del ESCAC (Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña), los cuales dirigieron cada uno de los episodios de la cinta con un fresquísimo savoir faire. Mucha luz, mucha emoción, mucho sexo, mucha juventud, mucha energía, mucho amor… hasta trece.

Con un minipresupuesto, con cuatro actores (los dos protagonistas y dos secundarios) y con el soporte de la fábrica de talentos que es el ESCAC (con su productora Escándalo Films), esta película fue toda una revelación en San Sebastián.

Una demostración de qué tipo de cine es el que la exministra Sinde y amigos tendrían que aprender a hacer, en lugar de sus disparates trasnochados. Una película que se merece llenar más salas de proyección, siendo sólo el producto de buenos estudiantes bien-intencionados, y no el horror salido de un millón de euros de subvención pública de un Ministerio…

Puzzled Love es tan sólo un buen ejemplo de pequeño pero genial cine de autor: es tan sólo una pieza pequeña del alto voltaje fílmico de autores de gran calidad que corrían estos días por la venas del festival barcelonés.

Pinterest es la nueva red social de moda que ha conseguido cautivar a usuarios de todo el planeta. Se trata de una página web que cumple la función de tablón virtual, a través del cual puedes descubrir, organizar y compartir tanto imágenes como vídeos que te interesan.

Gracias a que ofrece contenido visual con una interfaz minimalista y una mecánica adictiva, Pinterest se ha convertido en la tercera red social más visitada de Estados Unidos, justo por detrás de Twitter y casi doblando las visitas de Google +.

¿Qué podemos encontrar en Pinterest?

La imagen que subimos desde nuestro ordenador se llama Pin, mientras que para subir una imagen directamente desde la página web lo hacemos a través del botón Pin It, el cual tienes que instalar en tu navegador. Por otra parte encontramos los Repin, que se producen cuando añades una imagen a uno de tus tablones que has descubierto mientras navegabas por Pinterest. Los tablones sirven para compartir imágenes y agruparlas en colecciones según su temática, como por ejemplo: bodas, lugares, portfolio, decoración hogar, street style recetas, etc.

Como cualquier otra red social, en Pinterest también puedes seguir (follow) a aquellas cuentas que más te gusten, como pueden seguirte a ti.

En definitiva, Pinterest sirve para descubrir, organizar y mostrar todas aquellas imágenes y vídeos que te interesen a todo el mundo. Y tú, ¿a qué esperas a unirte a la red social de moda?

Isabel Álvarez Barrio (@ialvarez111)-Crítica

Cuando elegimos qué ver en el teatro y en el cine nos decantamos por una combinación de factores que nos enganchan o intrigan de alguna manera. En mi caso, siento especial predilección por los dramas históricos. Así que cuando leí sobre una obra de teatro que trataba de una matanza de judíos en una pequeña localidad polaca en plena Segunda Guerra Mundial, me decidí por ‘Nuestra Clase’.

Al llegar al Teatro Fernán Gómez y entrar en la sala donde se representaba, me impactó el espacio. Completamente diferente a todos los teatros que había visitado, un patio de butacas enorme que daba paso a un gran escenario decorado en tonos fríos. Diez pupitres, dos murales hechos con recortes y diez pares de zapatos eran el attrezzo que en minutos acompañaría a los actores durante las más de tres horas de representación.

Antes de que se apagaran las luces, mientras el público continuaba hablando distraído, los protagonistas iban cruzando la sala dirigiéndose al escenario y se sentaban en los pupitres, descalzos y serenos. La acción comienza cuando todos los personajes, entre risas y miradas cómplices se sientan en el suelo a ponerse los zapatos, que serán símbolo de vida porque la diferencia entre quien vive y quien muere se puede ver en sus pies. A partir de ahí, las tres mujeres y los siete hombres que no van a abandonar la escena en toda la representación, comienzan a dar saltos, cantar, jugar, como si de escolares se tratara. En ese juego de niños comienzan en pocos minutos a sucederse las temidas “cosas de mayores”, entre ellas se manifiesta cual espada de Damocles la diferencia confesional: cinco de los protagonistas son cristianos, cinco judíos. Y con ello, los espectadores presentimos que aquello que les separa, unido al lugar y el tiempo en el que se desarrolla la obra, la Polonia de la Segunda Guerra Mundial, puede tener consecuencias nefastas.

Quienes ocupábamos el patio de butacas nos revolvimos y emocionamos viendo como en primera persona, los personajes narraban sus miserias, sus desgracias, como quienes eran niños con sueños como ser artista de cine o modista, acaban siendo víctimas y verdugos en una espiral de odio que sólo termina con la muerte de todos los personajes. Descalzos y sin vida, vuelven a ser compañeros de clase, como si esa muerte los hubiera igualado, ya sin rencor se unen cantando y riendo para posar sonrientes en una instantánea que cualquiera de nosotros podemos tener con nuestros compañeros de colegio. Brillante punto y final a más de ciento ochenta minutos de sólida y brillante interpretación.

Tras tres sonoros aplausos, justo pago al esfuerzo de los diez actores, abandono el teatro con la conciencia removida pensando en que esta tragedia también podía ser la nuestra, ¿o acaso en la Guerra Civil pueblos enteros no se lanzaron en una escaramuza contra hermanos o compañeros de clase? Me sorprende cómo sin lanzar directamente ninguna mención anti-bélica, los testimonios en primera persona de los personajes te remueven hasta terminar odiando a un género humano que permite que quienes han crecido juntos terminen asesinándose y torturándose los unos a los otros. Con ‘Nuestra Clase’ puede responderse a todas esas preguntas que nos asaltan sobre cómo la guerra transforma las conductas hasta robarles su humanidad, un análisis en profundidad de diez vidas, que no sólo conmueven sino que desgarran.

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Cintia Gigato (@cintiac7)

Medios por todos conocidos como The Sun, The Times o Fox Channel tienen en común a Rupert Murdoch, padre del imperio de la comunicación más extenso del planeta. ¿Cómo lo hizo?

Todo comenzó en su Australia natal. Murdoch pone los cimientos de su gigante una vez hereda, en los 50, el diario The News tras la muerte de su padre. Se convierte en el presidente del diario australiano con apenas 20 años. A partir de entonces, el joven comienza a adquirir varios periódicos en este país y Nueva Zelanda, algunos de ellos menores o en caída libre. Y los levanta.

Una vez conseguida la fortuna suficiente, su ambición le hace dirigir su mirada al Reino Unido. A partir de  los años 60, se hace con el poder de los diarios The Sun, News of the World y más tarde, The Times y con la plataforma televisiva BskyB. Estas adquisiciones fueron el punto de partida para la construcción de News Corporation.

Pero Murdoch era consciente de que a su imperio mediático le faltaba algo para alcanzar influencia global: entrar en el mercado estadounidense. Sin abandonar su estrategia voraz en Australia y Reino Unido destina su ofensiva al otro lado del océano. Comenzó haciéndose con The New York Post y en 2008 con el grupo mediático de Don Jones, propietario, entre otros, de The Wall Street Journal.

En su plan de dominar un canal de televisión se encontró con una piedra en el camino: sólo los ciudadanos estadounidenses pueden ser propietarios de uno. Casulidad o no, Murdoch se casa con una mujer local. Una vez nacionalizado, se hizo dueño de Fox Channel, con perfil generalista y líder en beneficios publicitarios. Los mercados emergentes también han caído ante el magnate: en China, por ejemplo, se hizo con la televisión STAR TV.

Es conocido que Murdoch  tiende a utilizar sus medios para favorecer sus opiniones políticas. Apoyó a George W. Bush en la guerra de Irak y mantiene buenas conexiones con Margaret Thatcher, Tony Blair o Hilary Clinton. Además, se ha visto envuelto en varios casos legales acusado de practicar acciones monopolísticas o de desviar beneficios de sus negocios a paraísos fiscales. Su causa más reciente es la denuncia interpuesta a News of the World por la intervención de teléfonos de algunas celebridades, políticos o miembros de la realeza.

Y no, esto no ha acabado. Su codicia es insaciable y sólo la muerte la detendrá, pero no estemos tan seguros: tiene descendencia. Con distintas artes, ha sabido esquivar trabas y los últimos escándalos no son su punto y final; probablemente, tampoco un punto y aparte. Su modelo de negocio, alejado de la ética, fue, es y será una mina de oro.

Magaceda Serrano – Información 

De la mano del joven director Luis Antonio Rodríguez Juan, llega al teatro Häagen-Dazs, ‘El encargo‘. Tan sólo habrá cuatro funciones de esta comedia en la que,sin duda, no perderás la sonrisa.

Es la historia de Cédric,un pintor que se gana la vida falsificando cuadros y que, tras la misteriosa desaparición de una obra de Monet,se ve envuelto en una difícil situación. La mafia italiana, la Iglesia y Cristian, su mejor amigo, le encargarán una replica del cuadro para conseguir llevarse la sustanciosa recompensa que ofrece el Gobierno francés,tratándose nada más y nada menos, de sesenta millones de euros.

Cédric ante la impotencia por no poder realizar tres cuadros en tan poco tiempo,sufre un ataque de ansiedad que le provoca cequera psicosomática y la situación empeora hasta tal punto que el pintor planea un múltiple asesinato junto a su vecina Pepa, que anda un poco chiflada.

El autor de esta increíble historia es Luis Antonio Rodríguez Juan que, con tan sólo 24 años,debuta con este texto como director teatral con el que trata de rendir un homenaje a la comedia española.

José Tejado, que ha sido premiado al Mejor Actor en el Festival Internacional de Teatro, se encarga de dar vida al protagonista de esta historia, Cédric. El actor confiesa que su intención es ” que el espectador se ría, incluso, que se revuelva por el suelo si es posible”

” Se trata de teatro español en estado puro” declara Esther Fernández, la encargada de encarnar a Pepa, la vecina.La actriz nos anima a ser partícipes de esta trama porque “es un género que gusta mucho y cuenta con personajes contemporáneos con los que es fácil identificarse”.

Este potente elenco lo completan Javier Paez en el papel de psicólogo, Silvia Nieto como agente inmobiliaria, Alberto Rodríguez es ” el coleccionista” y Giovanni Anastasi se encarga de dar vida a Tony ” el gordo”. Además, José Luna en el papel de albañil y el reportero Antonio Jiménez como arzobispo, comienzan su andadura en el teatro con esta obra. El periodista y ahora actor novel, declara que este elenco “pretende hacer reir, que la gente lo pase bien y por un momento se olvide de la situación que vivimos“. Confiesa que compagina dos profesiones totalmente compatibles ,“a veces los reporteros tienen que ser grandes actores”.

Además,esta divertidísima comedia hace un guiño a la películas de los Hermanos Marx, Woody Allen o Casablanca. Se trata de teatro para todas las edades y una manera de olvidarnos de las dificultades que vivimos haciéndonos reir.

FICHA TÉCNICA:

- Dirección: Teatro Häagen- Dazs Calderón

- Fechas: 7,8,16 y 17 de mayo.

- Horarios: 20.30h

- Precios: de 16 a 20 euros.

El director de títulos como Ingrid o La vida de nadie, regresa con The Pelayos, una comedia basada en hechos reales, optimista y que demuestra que algunos sueños pueden cumplirse. La cinta relata la historia de una familia de españoles que soñaban con desbancar un casino, y que vieron esa fantasía realizada en varios casinos repartidos por todo el mundo. El libro La fabulosa historia de los Pelayos escrito por Ivan García Pelayo y Gonzalo García Pelayo, relata cómo en Viena consiguieron 14 millones de pesetas, en Ámsterdam casi 13, y que la cifra global aumenta a unos 250 millones aproximadamente. No es de extrañar que la promoción de la película esté cuidada al detalle y que nos citemos con Eduard Cortés en un local disfrazado de casino por un día, para que los periodistas nos empapemos y hagamos juego. Una mesa de apuestas con ruleta y varias fichas nos reciben.

Uno de los puntos fuertes de la película es que cuenta con un reparto artístico de excepción: Daniel Brühl, Miguel Ángel Silvestre, Eduard Fernández, Lluís Homar, Oriol Vila, Vicente Romero, Marina Salas y Blanca Suárez, entre otros. Coordinar a tantos actores en alguna escena se convirtió en una locura mezclada con diversión. “El casting fue un caos, y entendí que si se les daba un poco de campo intentando mantener el control a cierta distancia y que fluyeran las individualidades, iba a salir un equipo muy bueno”, recuerda. Eduard Cortés se caracteriza por ser un director que da mucha libertad a los actores, porque les comprende y respeta su trabajo. Además acepta contribuciones de ellos, y en muchas ocasiones los papeles iniciales se modificaron. “Acepto que el personaje es del actor, no del director, aunque observes, ayudes y asesores. Intento con esto que el actor se quede con el personaje, y cuando el actor es bueno generoso y sientes que confía en ti, tienes muchas posibilidades de conseguir la excelencia”, afirma.

Como en sus trabajos anteriores, ha co-escrito el guión con Piti español. Antes de empezar a redactarlo, estuvieron unos días en Madrid conviviendo con la familia Pelayo mañana, tarde y noche.“Toda esa especie de navegación nos ayudó muchísimo para entender qué tipo de película queríamos hacer. Fuimos al casino que por aquel entonces era de un socio de ellos, y que además había sido jefe de sala de Casino de Madrid cuando se produjo lo que pasa en la película. Era increíble ver cómo te iba señalando todo, y todo era exactamente como te habían explicado ellos”, dice. Cortés está contento y satisfecho del trabajo que ha hecho, y recalca que el patriarca de los Pelayo tenía mucho ingenio, pero también ingenuidad. “Esa ingenuidad es lo que le permitió construir un sueño absolutamente loco. El otro día decía que si venía aquí Eurovegas, él se comprometía a desbancarlo. Yo tomé nota como director y como persona, porque quiero ser cada día más ingenuo”, explica.

Hablando de los protagonistas dice que intentó dar a cada uno un dibujo distinto, y por eso cada uno viste de una forma o tiene una personalidad diferente. “Construimos los personajes con un poco de libertad, partiendo con una base pero llevándolo al aspecto cinematográfico. El personaje que más nos marca es Gonzalo Pelayo porque es quien tiene la línea más estilizada”, declara. Para el director ésta es una película del débil, del pequeño. “El paria que tiene un sueño que parece imposible, y ese sueño pasa por burlar al poder con toda la artillería pesada que tiene el poder. A copia de ingenio, de ingenuidad, de perseverancia y de creerse ese sueño. Es un mensaje muy positivo que en la época en la que estamos viviendo me parece muy adecuado, y estoy muy contento de hacer una película que transmite un mensaje tan positivo. No todas las películas que pasan por mi cabeza son tan optimistas”, dice.

No podíamos pasar la oportunidad de preguntarle al director de cine por los recortes que está sufriendo el sector. “El cine español se adaptará a los tiempos como se ha adaptado siempre. La mejor cinematografía de este país desde mi humilde punto de vista, se produjo en una época de una gran precariedad económica que fue la posguerra. Directores como Berlanga o Bardem, no estuvieron bañándose en lujos cuando hicieron las mejores películas que se han hecho en este país. Yo creo que nos vamos a adaptar, lo verdaderamente importante es que el gobierno ponga una hoja de ruta y un marco para que nos podamos adaptar. Ahora me da la sensación de que estamos recortando, pero no están dando alternativas o no existe una idea clara de qué cinematografía queremos para España. A partir de que haya una idea clara, nos adaptaremos. Lo que sí es cierto es que cualquier país que aspire a tener una imagen cultural razonable, ha de apoyar y ha de proteger su cinematografía. Lo otro es un suicidio cultural total y yo creo que no se va a producir. Lo que estaría bien es dar esa hoja de ruta, sobre todo para que se desencallen esos proyectos buenos que ahora están encallados, porque los productores no saben a qué atenerse. Cuando eso esté claro, muchas cosas fluirán y daremos una sensación mucho más positiva”, piensa.

Aunque el director está inmerso en la promoción de la optimista The Pelayos, está en el proceso de post-producción de ¡Atraco!, una película que narra un hecho histórico real: el botín de dos hombres en una joyería, que puede o no guardar relación con Doña Carmen Polo de Franco. La interpretación corre a cargo de Guillermo Francella, Nicolás Cabré, Óscar Jaenada y Amaia Salamanca, entre otros.